Notas y Noticias Orbe 15

La cultura... ¿salvavidas de Europa?

2011-09-10T18:22:00.002-04:00

Zygmunt Bauman

Pensadores, políticos y artistas debaten en Wroclaw el presente y el futuro del continente - Zygmunt Bauman: "Lo cultural es nuestro primer recurso económico"

"El futuro de Europa depende de la cultura", aseguró el pensador polaco Zygmunt Bauman en la inauguración en Wroclaw del Congreso Europeo de Cultura que Polonia organiza con motivo de ostentar, por primera vez, la presidencia de turno de la Unión Europea. "El mundo", añadió, "se está transformando en un mosaico de diásporas, en un archipiélago de culturas". Un archipiélago que, según él, al tiempo que aportan riqueza pueden crear una incomunicación babélica; por eso el escritor y pensador polaco abogó por invertir en sistemas de traducción que permitan confeccionar lo que llamó una "nueva biblioteca de Alejandría".

Hay que empezar a dejar de pensar en la cultura como en "una isla autónoma dentro del marco social", señalaba ayer en el mismo sentido el abogado y lobbista cultural Philippe Kern. "En estos momentos hay que situarla en el centro del discurso social y económico de la nueva sociedad", añadía, "y no solo porque actualmente la industria cultural proporciona millones de empleos y supone una parte importante del PIB, ni tampoco porque cuando China quiere desarrollar una economía creativa viene a Europa en busca de talento, sino porque aunque no nos demos cuenta, es nuestro principal recurso económico, como lo sería el petróleo para otros".

"Cuando hablamos de innovación", añadió, "pensamos que solo procede del campo de la tecnología, cuando en realidad es el campo de la tecnología el que bebe de las ideas y tendencias que surgen del campo de la cultura". "Hay que atraer artistas a las empresas, para que con su mirada ofrezcan alternativas", añadía. La cultura, además, tiene una dimensión añadida: crea solidaridad entre la gente y esto es lo que ahora necesita Europa.

Hubo ayer, en Wroclaw, quien insistió en separar o al menos delimitar los conceptos de cultura y arte, aunque tampoco faltaron quienes lo querían difuminar. Para el profesor de Economía de la Cultura de la Universidad de Venecia, Pier Luigi Sacco, las nuevas tecnologías nos permiten llevar encima un entero estudio cinematográfico en un ordenador portátil que no sólo nos ofrece la posibilidad de crear, sino de saltarnos la figura del intermediario y -más importante- producir arte sin necesidad de retornos económicos para financiarlo.

No pensaba lo mismo el director de la Kunsthalle de Viena, Gerald Matt, para quien una cosa es la cultura y otra muy distina el arte que realiza a título individual una persona. Matt apuntó una interesante paradoja para estos tiempos de crisis y deuda, cuando la fiscalidad está sobre el tapete y las grandes fortunas apuntan a un reforzamiento de los mecenazgos en el modelo de Estados Unidos. "El dinero que llega a las instituciones", dijo, "es igualmente público, tanto si llega del Estado a través de los impuestos como si procede de donaciones privadas que, finalmente, son deducciones fiscales y por consiguiente impuestos. En este último caso sucede que es el individuo en cuestión quien decide a qué dedicar los fondos y cómo gastarlos, con criterios personales y en ocasiones muy banales o volubles. Personalmente prefiero que sea el Estado que lo reparta porque tiene una mayor continuidad y neutralidad".

El fotógrafo Oliviero Toscani, maestro de la provocación, no comulgó con nadie: "el Estado es un estorbo", dijo, "una máquina de mediocridad gestionada por burócratas a quienes la creación artística, que por definición es subversiva, les parece un anatema".

Zygmunt Bauman, que ha escrito especialmente para este congreso el ensayo Cultura en el líquido mundo moderno, en el que Polonia se reivindica como la potencia cultural de la Europa del Este, adoptó la figura del viejo sabio que reivindica. Ante el presidente polaco Bronislaw Komorowski y otras autoridades, en el Centennial Hall, un edificio emblemático en la historia de la arquitectura construido a principios del siglo XX por el arquitecto Max Berg, Bauman pidió a los asistentes que dejaran de ver la televisión durante los cuatro días del congreso para no contagiarse del pesimismo. También reclamó la herencia cultural europea como la mejor arma para salir de la crisis. Enlazando con el eje sobre el que Polonia ha articulado su presidencia, el de la diversidad, Bauman ció a Gadamer recordando que la diversidad es el mayor tesoro que Europa puede dar al mundo y a Steiner cuando asegura que el viejo continente morirá cuando deje de prestar atención a los detalles.

En una ciudad emblemática como Wroclaw, que ha sido bohemia, polaca, alemana, parte del Imperio Austrohúngaro, prusiana, alemana y de nuevo polaca, y donde las cicatrices de la última guerra todavía son visibles, Bauman reclamó el viejo espíritu del Imperio Austrohúngaro, al que la ciudad, que entonces se llamaba Breslau, capital de Silesia, perteneció.

De cómo los tiempos han cambiado desde la última guerra que supuso la expulsión de los ciudadanos alemanes y la llegada de polacos procedentes de la parte oriental del país que ganó Bielorrusia, da fe esta anécdota relatada por el alcalde de Wroclaw. A mediados del siglo XIII, los invasores mongoles llegaron a la ciudad, la destruyeron y la saquearon, aunque no pudieron ocupar el castillo. Recientemente, explicó, el embajador de Mongolia en Polonia visitó Wroclaw y en un acto oficial escuchó el relato de aquel bárbaro episodio. Cuando tomó la palabra, en lugar de ofenderse, dijo: "¿Qué importa quién ganó y quién perdió? Lo importante es que fue entonces cuando nos conocimos por primera vez".

De Eno a Penderecki y de Wajda a Radiohead

Paralelamente al congreso, la ciudad rebosa de ofertas culturales o de sorpresas, como la de cruzarse con personajes de la talla de Andrzej Wajda en una librería. Por su parte, el artista y músico británico Brian Eno presentó ayer una instalación multimedia en la gran fuente de Wroclaw. Eno utiliza la superficie de la fuente y crea una cortina de partículas de agua de 120 metros cuadrados sobre la que proyecta imágenes y para la que ha creado una música hecha de sonidos abstractos.

Wroclaw es también un laboratorio de hibridación y de sorprendentes encuentros, como el de ayer entre el veterano compositor polaco Krzysztof Penderecki y el guitarrista del grupo Radiohead Jonny Greenwood. Entre otras exquisiteces ofrecieron la pieza Polymorphia, de 1960, así como la más reciente There will be blood o el estreno de 48 responses to Polymorphia. Hoy, Penderecki compartirá el mismo escenario con Aphex Twin.

En torno a la gran cúpula de Max Berg, varios artistas han realizado instalaciones. La más potente, la del escultor polaco Miroslav Balka: una pieza sobria, negra, de grandes dimesiones, muy en el estilo de este creador obsesionado por la memoria.

Pero si hay un arte que ocupa el corazón de los polacos es el teatro. La oferta es muy variada, desde la última pieza escrita por el director Krystian Lupa hasta la participación del Teatr ZAR.

J. M. MARTÍ FONT (ENVIADO ESPECIAL) - Wroclaw - 10/09/2011

El País, España

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Los derechos de Ciudadanos y Artistas en la era digital (Español&English)

2010-10-28T20:36:00.007-04:00

Carta por la Innovación, la Creatividad y el Acceso al Conocimiento

Introducción
La sociedad de la información y el nuevo contexto digital han supuesto una revolución en la forma de crear conocimiento y cultura, y, sobre todo, en la forma de acceder a ellos. Ciudadanos/as, artistas y consumidores/as han dejado de ser sujetos pasivos y aislados/as frente a la industria de producción y distribución de contenidos. Ahora cada persona colabora, participa y decide de forma más directa y democrática.
La tecnología, como puente, permite que las ideas y el conocimiento fluyan; acabando así con muchas de las barreras geográficas y tecnológicas que impedían compartir; proporcionado, además, nuevas herramientas educativas y propiciando la aparición de nuevas fórmulas de organización sociales, económicas y políticas. Esta revolución es comparable a la que provocó la imprenta.

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Leer texto completo: http://fcforum.net/es/

Incluye soluciones legales, inmediatas y urgentes:
http://fcforum.net/es/charter_extended

English text:
A broad coalition from over 20 countries, of citizens, users, consumers, organizations, artists, hackers, members of the free culture movement, economists, lawyers, teachers, students, researchers, scientists, activists, workers, unemployed, entrepreneurs, creators…,
invites all citizens to make this Charter theirs, share it and put it into practice.
We invite all governments, multinationals and institutions urgently to listen to it, understand it and enforce it.
http://fcforum.net/

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Un nuevo homínido da pistas sobre el origen del hombre

2010-05-15T14:06:00.002-04:00

La especie vivió en África hace casi dos millones de años
ALICIA RIVERA - Madrid - 09/04/2010

Una nueva especie de homínidos, tal vez ancestral de la línea evolutiva humana, ha hecho su aparición en la paleontología mundial de la mano de dos esqueletos fósiles parciales, uno de un joven de 10 a 13 años y otro de una hembra de unos 30. Tienen rasgos antiguos, de los australopitecos que precedieron al género Homo, pero también algunas características más evolucionadas, como los dientes pequeños, y, con sus casi dos millones de años, suman todos los ingredientes para suscitar la fascinación de los científicos que estudian la transición crítica -precisamente en aquella época- que daría origen a los Homo erectus, la primera especie humana que salió de África.

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Sus descubridores creen que la nueva especie, bautizada Australopithecus sediba, está en nuestra línea evolutiva precisamente como antecesor de H. erectus. Según otros expertos, podría tratarse de un australopiteco paralelo a la línea evolutiva humana y que se extinguió.

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El primer fósil de A. sediba, una clavícula, no lo encontró el paleontólogo Lee Berger (Universidad de Witwatersrand) que hoy presenta el hallazgo en la revista Science, sino su hijo de nueve años, Matthew, que acompañó a su padre en la excursión de rastreo por una zona de cuevas cercana a Johannesburgo, seleccionada con ayuda del Google Earth. Fue el 15 de agosto de 2008, y si Mattew encontró el fósil nada más llegar al lugar (Mapala), igualmente rápido fue el padre, que giró la roca que le mostró su hijo y encontró una mandíbula con un diente. Eran las primeras piezas del individuo joven. Menos de un mes después, Berger, acompañado por una docena de colegas en esa ocasión, descubrió el segundo esqueleto, el de la hembra.

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Cerebro pequeño
Los científicos explican que aquellos individuos medirían 1,27 centímetros de altura; la hembra pesaría unos 33 kilos y el chico unos 27; tenían un cerebro pequeño (entre 420 y 450 centímetros cúbicos frente a los 1.200/1.600 del nuestro); sus dientes eran pequeños, sus brazos y piernas largas, y las manos fuertes.

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Los fósiles han sido datados por Paul Dirks (Universidad James Cook, Australia) y sus colegas mediante diversas técnicas y afirman que tienen una edad de entre 1,95 y 1,78 millones de años.

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Los fósiles están bien conservados, probablemente porque aquellos dos homínidos, y otros animales cuyos restos aparecen alrededor en los sedimentos, cayeron a una cueva y fueron arrastrados hasta una laguna subterránea y no accedieron a ellos los carroñeros.

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Berger afirma que no se puede fijar con exactitud la posición de su A. sediba en el árbol evolutivo de los homínidos ni su relación con los primeros Homo. Pero dice: "Podemos afirmar que esta nueva especie comparte más rasgos derivados con los Homo primitivos que otras especies de australopitecos conocidas y, por tanto, puede ser ancestro del género Homo o un grupo hermanado con un antecesor previo que sobrevivió durante un tiempo después de la aparición del Homo".

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http://www.noticias.com/original/un-nuevo-hominido-da-pistas-sobre-el-origen-del-hombre.223675

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Entrevista Jonathan Littell (Las benévolas)

2009-11-11T01:59:00.004-04:00

Jonathan Littell

"La cultura no nos protege de nada. Los nazis son la prueba"

"Lo que me gustaría que aportara este libro es que hoy existen caminos éticos que se pueden seguir gracias a lecciones como aquélla"

Una novela de casi mil páginas sobre un asesino nazi se ha convertido en el libro del año en Europa. Jonathan Littell asegura que con Las benévolas quiso responder a una cuestión: la naturaleza del crimen de Estado.

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Hay que ser muy chulo para marcarse un libro de casi mil páginas sobre algo tan recurrente como el nazismo o el Holocausto, ganar el Premio Goncourt y ni molestarse en ir a recogerlo. Hace falta andar muy sobrado para conseguir las bendiciones de los popes de la literatura mundial como un salvador de la novela y después venir a decir que no sabe si volverá a escribir otra.

Pero así es Jonathan Littell, un autor raro y controvertido, un tipo que manifiesta cierto aire de superioridad si se le insiste en algo que le molesta; que es políglota y nómada, entre nihilista y revolucionario -trabajó en ONG en Rusia y Chechenia-; que parece claramente desubicado en este periodo de la historia, amante de la cultura griega y de la música antigua; que nació en Estados Unidos (Nueva York, 1967), pero escribe en francés, su otra lengua madre: la de un país al que fue a caer con tres años y del que ha acabado escapando también para refugiarse desde hace un año en Barcelona.

Por su nueva ciudad pretende que le dejen tranquilo, que nadie salga en su busca, esconderse de todo el ruido mundial que ha terminado armando Las benévolas (RBA en castellano. Quaderns Crema en catalán), una vasta y magistral novela que se adentra en el corazón de todas las tinieblas de la mano de Maximilian Aue, un verdugo nazi encargado de exterminar sin miramientos todo lo que se le ponga por delante.

En Francia fue el libro del año la pasada temporada. A medida que aparecen las traducciones en los más de 20 países que han comprado sus derechos, sigue creando auténtico asombro por su ambición, por su contundencia, por cómo consigue desmontar tópicos y despojarnos de incertidumbres que nos dejan todavía más desnudos y sin respuestas ante el horror. La semana próxima se publica en España.

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PREGUNTA. Se le podría describir a usted como todo un renegado.
RESPUESTA. ¿Cómo dice?

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P. Para entendernos, renegado puede ser algo aplicable a quien se niega a escribir en su lengua materna, por ejemplo.
R. Bueno, el francés es como si lo fuera también. Me eduqué allí.

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P. Es bilingüe desde niño entonces.
R. Sí, sí.

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P. Pero lo ha elegido como idioma de expresión literaria y eso ya es algo. ¿Por qué?
R. Quién sabe. Yo no lo puedo explicar más allá de porque me gusta.

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P. ¿Le gusta o es un compromiso estético?
R. Bueno, tengo una relación especial con la tradición literaria francesa, pero con la estadounidense también. Uno de mis escritores de referencia es Herman Melville. No es algo exclusivo. Mi ruso también es bueno, pero no escribiré en ruso.

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P. ¿Por qué ha escrito una novela sobre el nazismo si es algo sobre lo que se ha insistido tanto?
R. Bueno, sí, se ha escrito mucho. Pero eso no significa que se hayan respondido todas las preguntas. Aquí, en Las benévolas, el tema es el verdugo, el asesino, sobre el que también se ha escrito, pero yo he querido acercarme a ello desde un punto de vista diferente, con otra perspectiva. Y la cuestión sigue sin contar con respuestas adecuadas. Me fascina el tema del verdugo en general, más en el mundo nazi. Ahí se puede estudiar a fondo, hay mucho material, documentos, unos a disposición de los alemanes, otros que lo han estado a mano de los soviéticos... Por eso lo situé en ese periodo. No quería centrarlo en una época actual, más contemporánea. Se podría, pero...

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P. Además, se adentra usted, efectivamente, en la campaña rusa, que es lo más parecido al Apocalipsis que ha conocido la historia de la humanidad.
R. Cierto. Lo que fue el gran meollo de la guerra ocurrió en el Este. Yo, que me crié en Francia, sé que se le ha dado mucha importancia a la ocupación, la Resistencia y todo eso, pero no deja de ser poco más que un escaparate frente a lo que fue el enfrentamiento entre los soviéticos y los alemanes. Eso fue la esencia de la guerra.

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P. Sin embargo, para la novela, Rusia cumple el cometido de escenario también porque se sitúa ahí, pero le sirve para abordar lo que fue por entero un fenómeno como el nazismo.
R. Ése era el objetivo, no sé si lo he logrado o no, pero lo he intentado.

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P. Una de las cosas que más impactan del libro es que la filosofía, la ideología nazi, su manera de concebir el mundo estaba cimentada en bases culturales muy fuertes. Lo demuestra Max, el protagonista.
R. Algunos historiadores no estarían de acuerdo con eso.

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P. Sí, pero más con usted, que en su libro lo desmenuza perfectamente.
R. Ya, es que he sido criticado precisamente por ello.

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P. Está claro que las conclusiones a las que llegaron fueron salvajes, pero las bases eran muy fuertes.
R. Si usted lo dice, ¿qué puedo añadir? No debería comentar el resultado. Hay muchas opiniones, yo tengo la mía, pero, en fin. No voy a ser yo quien juzgue. He intentado, desde luego, adentrarme en las bases de su ideología, he leído muchísimo sobre esto, pero tampoco todo, ni en alemán. Por ejemplo, fui incapaz de terminar Mi lucha. Creo que comprendo el sentido de muchos aspectos de su ideología, pero hay muchos otros que no conozco. Los más emocionales son los que me resultan más ajenos, por ejemplo.

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P. Ya, lo que le digo es que esa aproximación sorprende, me parece muy novedosa y atrevida en una novela.
R. Desde muy joven, recuerdo que parecía algo más o menos refrendado que el comunismo ha sido una ideología más seria que el fascismo. Que tenía su propia racionalidad, su sentido interno y nadie se tomaba demasiado en serio a los nazis. Cuando me puse a investigarlo, me di cuenta de que su ideario también se basaba en raíces sólidas. Sus diferencias con el fascismo, su pensamiento económico, todo eso es complejo. Me pareció que era una visión del mundo muy construida, que no sólo se reducía a lo que un loco vociferaba por la radio, aunque eso también funcionara.

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P. ¿Se ha pecado de un desprecio y una minusvaloración ligera del enemigo en ese aspecto?
R. Tampoco. Hay que prestar atención a lo que los intelectuales de la época pensaban, sin ir más lejos. Los franceses, por ejemplo. En los años treinta, el estalinismo ya había eliminado a millones de personas, mientras que los nazis iban por unos miles de víctimas. Así que hacia el año 1937, Hitler parecía hasta una opción válida para muchos, eso sin entrar en factores de clase social. Si pertenecías a una familia acomodada, lo más probable es que te aliaras a la derecha y si no, a la izquierda, siempre con excepciones. Supongo que en España, lo mismo. En ese momento, con esa situación, el nazismo era una opción que después perdió todo crédito por los resultados. También debía haber caído el comunismo entonces, pero como ganaron la guerra, pudieron sobrevivir casi cincuenta años más.

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P. Una de las conclusiones que se pueden sacar en este aspecto es que no podemos sentirnos seguros ni siquiera acorazados por la cultura.
R. Desde luego. Sólo los ingenuos pueden creer que la cultura te ayudará a ser majo.

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P. ¿Ni eso nos vale?
R. La cultura no nos protege de nada. Los nazis son la prueba. Puedes sentir una admiración profunda por Beethoven o Mozart y leer el Fausto, de Goethe, y ser una mierda de ser humano. No hay conexión directa entre la cultura con C mayúscula y tus opciones políticas.

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P. O éticas...
R. Eso mismo. Lo que trato de mostrar, de todas formas, con un personaje como Max es que también, en un periodo de la historia, aliarse con los nazis, para muchos, fue una opción ética. No es que eligieran ponerse de parte de los malos. Igual que los comunistas, optabas por una cosa u otra. Ser un demócrata, también. Incluso ahora, que ser un demócrata supone formar parte de un lado que a veces ampara cosas horribles, que tiene sus errores. Los que eligieron a los nazis, lo hicieron siendo conscientes de que tomaban un camino para ellos ético, cuyos errores o imperfecciones debían ser mejorados.
P. Pero todo aquel fracaso, aquel derrumbe ideológico nos ha hecho mucho más vulnerables, inseguros, nos ha dejado desnudos.
R. Así es la vida.

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P. ¿Quería probar en su libro que no queda nada a lo que aferrarse después de aquello?
R. No soy un relativista.

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P. Ah, no.
R. De ninguna manera. Mi trabajo lo que pretende es ayudar a comprender mejor las decisiones que cada uno tomamos y por qué las tomamos. Yo tengo las mías, mi propia ética, y no creo que ya sólo dispongamos de dos. Si tienes suerte, eliges las más decentes, incluso en tiempos difíciles podemos optar por cosas adecuadas, que eso es lo difícil. Hoy prácticamente nadie cuestiona el valor ético del capitalismo o la democracia y mira que hay cosas que se pueden cuestionar. Lo que me gustaría que aportara este libro es que hoy existen caminos éticos que se pueden seguir gracias a lecciones como aquélla. Aunque también ocurre que muchos chicos y chicas de cualquier Estado americano eligen marcharse a Irak a torturar gente. Éticamente están muy confundidos, está claro. Pero se puede entender esta confusión cuando existen juristas que en ese país legitiman la tortura, ¿qué puedes esperar? Cuando se les da una formación militar con arreglo a eso, ¿qué esperas? Si se pasan de la raya, ¿qué importa? O cuando contratas mercenarios para hacer el trabajo sucio, pues no deberían sorprendernos según qué atrocidades. No hay reglas. El problema es que las barreras que nos ponen no son sociales. No puedes esperar que alguien no te torture porque sea un buen tipo y se apiade, debes exigir que nadie torture a nadie, sencillamente porque existen leyes que lo prohíben y que eso se castigue.

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P. El caso es que contra el relativismo tampoco vamos a resucitar un absolutismo de blancos y negros. ¿Cuál es la salida?
R. Cuando Dios desaparece, se nos presenta un dilema. Los valores deben referirse a algo, deben venir de algún lugar. En un mundo sin Dios, era difícil implantar un sistema ético y moral. Las ideologías vinieron a hacerlo, a reemplazarlo, pero también fracasaron, así que ahora no tenemos nada. Y los iPod no van a construirlo. Ni la venta y la compra o la publicidad. Estos valores en los que estamos del consumismo, el ganar dinero, no son nada. Nuestra sociedad se desliza por la memoria que le queda de haber formado parte de los buenos. Vive de los restos.

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P. Y cuando dice que nos deslizamos, ¿ni siquiera usted confiesa contar con una sólida moral?
R. No digo que yo no la tenga, creo que la sociedad carece de eso.

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P. En Estados Unidos, ahora hay más predicadores que nunca en la tele. ¿De dónde salen?
R. Mientras Estados Unidos retrocede hacia la religión, Europa regresa al nacionalismo, a las políticas de identidad. Cataluña es un buen ejemplo, los vascos, los belgas. Incluso los franceses, con ese Ministerio de Inmigración e Identidad nacional que ha creado el nuevo Gobierno. Hay crispación con los valores de identidad, lo que me parece muy negativo. Por otra parte, los intentos de construir ideologías positivas se basan en el ecologismo, la antiglobalización, son muy infantiles, inmaduras.

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P. ¿Lo que se ha dado en llamar buenismo?
R. No es que se basen en eso, hay críticos, como Chomsky, muy brillantes. Tampoco digo que haya que crear una nueva ideología; simplemente, que si existe la posibilidad de que emerjan nuevos valores, basados en el respeto por los seres humanos y por este mundo, bienvenidos sean.

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P. Pero la batalla ideológica sigue en pie. Más dulcificada, pero sigue en pie. Y en eso, los neocon, que serían la extrema derecha de nuestros días, parecen contar con ventajas.
R. Los neocon están acabados. En Estados Unidos, sin duda, les queda un asalto.

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P. ¿Bush ha arrasado con todo, incluso con lo suyo?
R. Sí, si lo miramos bien, ¿qué son los neocon? Son gente que intentaron asaltar el poder ya con Nixon, Reagan y Bush padre y fracasaron porque nadie los tomaba en serio. Con Bush hijo lograron implantarse y su gestión ha sido un fracaso estrepitoso. Ya está, se acabó, fuera. Han fracasado.

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P. Bueno, lo intentaron hace años, no lo lograron, pero con el tiempo sí. ¿Quién le dice que ahora no existen otros más radicales que alcanzarán el poder en unos años?
R. Entonces no les admitían por radicales. Reagan y Bush eran muy de derechas, pero no tanto como los Richard Pearl, Cheney o Rumsfeld y Wolfowitz. Por eso tampoco Bush ha contado con la gente de su padre. Bush Jr y Rove lograron una alianza en el Partido Republicano entre los neocon, los fundamentalistas religiosos y los liberales. Incluso los fundamentalistas y los neocon son diferentes. A los primeros lo que les interesa son comportamientos culturales, abortos, moral, y les da igual invadir países o la política exterior. Eso son planteamientos neocon y son los que han fracasado totalmente. La han jodido, se han ido al carajo y han dejado al país mucho peor de lo que lo encontraron. La cuestión para ellos es cómo salirse de Irak o Afganistán lo antes posible.

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P. Ya, ya, pero, ¿quién le dice que no volverán?
R. Sí, aunque lo que la gente teme ahora es a los fundamentalistas religiosos. Los neocon eran un puñado de universitarios que no representaban a nadie, los otros han tejido toda una red de poder, con mucho dinero, son peligrosos de verdad. Gente que promueve ejércitos privados, uso de armas, esos sí que tienen peligro.

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P. ¿Son lo más parecido a un nazi entre lo que se puede encontrar en estos tiempos?
R. No me gusta comparar, es algo diferente. No digo que un buen día no den un golpe de Estado. Lo que alientan son gente armada hasta los dientes que para un demócrata pueden llegar a resultar molestos. Dan miedo los ejércitos privados, ya he tenido experiencias con ellos en sitios como Chechenia.

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P. Usted ha pasado parte de su vida en Rusia.
R. Sí, cinco años. Dos años en Chechenia y el resto en Moscú.

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P. ¿Cree que el foco sobre Rusia se ha descuidado y que han ocurrido cosas graves por allí mientras el mundo miraba a otra parte?
R. Rusia, definitivamente, se ha convertido en un Estado fascista. Es evidente. La ideología oficial es racista hasta los huesos.

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P. ¿Qué se podía esperar de un dirigente del KGB como Putin?
R. Ya, aunque no creo que esta situación pueda perpetuarse, es muy débil. Una salida para Rusia es posible, éste es como el último aliento del sistema anterior y pueden perder el control hasta el punto de que surja algo interesante. Los rusos demócratas no están del todo desesperados, ven que merece la pena porque algo se puede hacer.

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P. Ya pero, mientras tanto, todo el panorama da mucho miedo.
R. Claro, Rusia es un país terrorífico. Tengo un amigo íntimo árabe que vive allí al que le han dado unas puñaladas mientras iba a su apartamento en Moscú. Es horrible.

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P. ¿Usted llegó a tener problemas con las autoridades?
R. En Chechenia, constantemente. Y eso que terminé allí mi labor en 2001, cuando todavía no había tanto conflicto.

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P. ¿Qué hacía?
R. Trabajar para una ONG. Acción contra el Hambre.

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P. Cuando terminó, ¿dónde fue?
R. Trabajé sobre el terreno unos cuantos años y después decidí dejarlo para, por ejemplo, escribir este libro.

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P. ¿Cuánto tiempo le llevó? Aunque es uno de esos libros que se escriben en la cabeza a lo largo de una vida.
R. En fin, me lo han preguntado 20 veces, así que lo sabrá.

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P. Ya, pero cuéntelo.
R. Pues pasé muchos años meditándolo, y me llevó unos cinco años trabajar a fondo en él, incluyendo la investigación, la escritura, la corrección... La escritura en sí duró poco.

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P. ¿Y no le parece que el resultado es demasiado?
R. ¿Qué?

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P. Pues que se necesita a lo mejor menos de lo que ha escrito para dejar claro todo.
R. No lo entiendo.

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P. Que el trabajo suyo a lo mejor apabulla.
R. No. ¿Por qué?

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P. A veces parece excesivo.
R. Mire, es lo que tiene que ser... No sé.

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P. Es cierto que cada libro tiene su propia medida, su cuerpo.
R. Bueno, yo me empeñé en conseguir lo que me propuse, que lo haya logrado es otra cuestión.

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P. ¿Y qué quería conseguir? ¿Algo parecido a lo que se ha dicho, un Guerra y paz de nuestro tiempo?
R. No, no, no, qué va. Sólo responder a una pregunta sencilla que me planteaba. Y me llevó a algo demasiado largo para lograr una respuesta.

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P. ¿Cuál era la pregunta, la gran pregunta que se planteó?
R. La naturaleza del crimen de Estado.

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P. ¿La naturaleza del mal también?
R. Para mí, lo que es el mal no tiene tanta importancia, eso hay que dejarlo en manos de perspectivas religiosas. El mal es un resultado, no es algo trascendente, ni el bien tampoco. Son acciones que no remiten a estados ajenos al ser humano, dependen de la voluntad de las personas.

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P. Seguramente, ha leído lo que Vargas Llosa dijo de su libro.
R. Eh, pues no recuerdo.

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P. Dijo que era un libro impresionante pero que no dejaba resquicio de esperanza.
R. Ya, es que yo no creo en la esperanza. No tengo esperanza en nada. Si nos fijamos en el mundo, es todo un espanto. Ser una persona decente se pone difícil. En Occidente creíamos que habíamos encontrado un equilibrio, pero para el resto de la humanidad, la vida es una pesadilla.

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P. ¿Y no hay solución, no ve solución?
R. Todos vamos a morir, ¿qué quiere que esperemos?

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P. ¿No hay un hueco para la belleza?
R. Bueno, sí. La belleza está por todas partes.

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P. Menos en su libro.
R. Hay muchísima belleza en mi libro.

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P. Quizás arrasada por todo lo que le rodea.
R. Hay mucha, una puesta de sol bonita lo es, ocurra lo que ocurra. Da lo mismo que la contemplemos desde el Tibidabo que desde, no sé, cualquier sitio. No cambia.

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P. A lo mejor son los ojos de quien observa los que pueden ensuciarlo todo, hasta lo bello. Nos resistimos a ver el mundo a través de esos ojos.
R. Puede ser. La belleza existe a pesar de los seres humanos. Si todos desapareciéramos de este mundo, no acabaríamos con ello. La belleza no depende de quién la observe. Por supuesto que contamos con ella creada por los seres humanos, el arte, sin ir más lejos, pero la belleza existe, naturalmente.

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P. También la belleza se puede retorcer por personajes como éstos.
R. ¿Por quiénes?

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P. Por los nazis.
R. No, eso es demasiado simplón. Eso es propio de los psicópatas. Buscar la belleza o la excitación en el crimen. Pero en el caso del nazismo, hasta los crímenes, que eran una estrategia de Estado, debían ser ejecutados por gente de lo más normal.

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P. ¿Qué piensa de aquellos intelectuales, críticos, víctimas que no creen legítimo escribir del Holocausto si no se ha tenido nada que ver con la experiencia? ¿No les teme?
R. Me importan poco las reacciones, tampoco creo que se deba limitar a nadie. Todos tenemos derecho a un punto de vista.

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P. ¿Y ha encontrado las respuestas que se planteó?
R. Diría que algunos elementos se aclararon. Pero no creo que exista una respuesta. En fin, ya saben cómo funciona ese sistema, cómo se organiza el terror de Estado, puede que se me hayan aclarado cosas aunque persisten, para mí, misterios.

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P. ¿Se puede imaginar cómo fue?
R. Sigue siendo un misterio para mí. El hecho de organizar asesinatos masivos, el hecho de que sólo una persona pueda matar a otra me resulta extraño, raro, que mientras estamos aquí alguien pueda estar torturando en un sótano a un ser humano. Y eso que me he cruzado en la vida con gente que lo hace, con gente que ha asesinado, torturado con sus propias manos. A muchos. Pero aun así, me resulta extraño que en su cabeza quepa querer a sus hijos, a su familia y al tiempo torturar a sus semejantes o a hijos de otros. Intenté analizarlo y verlo a través de los ojos de Max, incluso él mismo trata de entender a quienes le rodean.

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P. ¿Por qué dio a la estructura del libro una forma musical?
R. Está bien contar con el contrapunto.

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P. Así que Bach tiene mucho que ver con este libro.
R. Sí, sí, por supuesto. Me gusta mucho.

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P. Pero si ha dicho que no le queda esperanza y Bach proporciona bastante.
R. Me proporciona belleza, no esperanza. Es bueno saber que ha existido gente que concibe el mundo como Bach. Él creía en Dios, creaba para Dios, su música depende de inspiraciones teológicas, en lo que creía. Yo no lo comparto, pero me quedo con toda la belleza. Bach es precioso, pero nunca evitaría que una persona hiciera daño a otra, aunque me puedo equivocar.

-
P. Es que Bach trasciende lo teológico. Atraviesa lo divino y toca el alma de agnósticos y ateos también.
R. La fuga es una expresión musical del misterio de la Santísima Trinidad. Tres partes en una.

-
P. La Trinidad, ¿no es puro relativismo?
R. Claro, claro, pero para los cristianos es fe.

-
P. Ya, un dogma. Pero un dogma que viene a ser relativo: tres partes para un fin, tres prismas para un objetivo. Es el colmo de la relatividad. ¿Y usted toca algún instrumento?
R. No, no. Me gusta la música antigua y barroca, Purcell, Monteverdi. El siglo XIX, ya no tanto.

-
P. ¿Y Wagner?
R. ¿Wagner? No, por Dios. ¡Qué horror! Mi límite está en Beethoven. Después de eso, me pierdo, puedo aguantar a Chopin.

-
P. ¿Por qué no le gusta Wagner?
R. Porque es insufrible. Es como una papilla, pesada, pastosa. Menos mal que después, con Debussy y Schönberg, regresa la forma, aunque sea una forma discutible, pero es una forma.

-
P. Aparte de la búsqueda de respuestas, este libro denota una ambición profunda. ¿Cuál era, artísticamente?
R. Hacer una obra bien armada.

-
P. Además ganó el Premio Goncourt...
R. Hice todo por evitarlo pero, por desgracia, sí, me lo dieron.

-
P. Pero no lo recogió.
R. No lo quería.

-
P. ¿Por qué? ¿Por qué rechaza un premio que tanta gente ambiciona?
R. No creo que los premios tengan que ver con la literatura. Tienen más que ver con la publicidad y el marketing, pero no con la literatura. No me gusta eso.

-
P. Sí, pero bueno, es un buen premio, bien dotado, puede vivir ahora en Barcelona tranquilamente gracias a su impacto...
R. Me vine aquí antes. Sí, el dinero está bien, es otra cosa. Es que no me gusta la competencia y toda esa basura, a no ser que te interese más el estatus social que el arte. Tampoco escribí este libro para ganar dinero, eso lo puedo asegurar.

-
P. ¿Qué es para usted la literatura? ¿Cómo se contagió de ella?
R. Leyendo.

-
P. ¿Y qué es lo que leyó que le hiciera desear ser escritor? Porque hay libros que lo contagian y otros que no.
R. Desde luego, hay autores que me marcaron, Bataille, Kafka, Beckett, Melville... Y otros tantos.

-
P. ¿Es de los que creen que la novela ha muerto?
R. Sé que existe ese debate, pero no le veo mucho sentido. Mis gustos literarios son prosísticos, incluso sigo descubriendo cosas que me impactan. No veo que haya que arreglar el género.

-
P. Ese desprecio que dicen que ha mostrado usted por la cultura estadounidense, ¿es cierto?
R. No, no.

-
P. ¿Se le ha malinterpretado?
R. La gente ha escrito tanta porquería sobre mí que no le doy importancia. Hay elementos de esa cultura que no me gustan nada, pero no me puedo quejar. Desprecio ciertas maneras conservadoras, retrógradas y fascistas de ella, ese consumismo obsesivo, pero hay cosas muy interesantes al tiempo.

-
P. ¿Se siente un miembro de ese club de Bartlebys que fundó Enrique Vila-Matas?
R. Bartleby el escribiente es un libro que me fascina. Ese personaje que no dejaba de decir que preferiría no hacerlo, en cierto modo, fue mi actitud con el Goncourt, que pasaran de mí.

-
P. ¿En qué anda metido ahora?
R. Pues en nada. Apenas tengo tiempo para concentrarme en cosas serias con todo esto.

-
P. Pero, ¿escribe?
R. No.

-
P. ¿No quiere escribir otra novela?
R. Ya veremos. Me paso la vida en cosas que me vienen de este maldito libro, estoy harto.

-
P. ¿Maldito libro? ¿Ya lo odia?
R. No, haberlo escrito, no. Pero todo esto. Repetir esta entrevista 30 o 40 veces...

-
P. No da muchas.
R. Demasiadas para las que yo concedería. No le veo sentido a no ser que surjan cosas nuevas. Hay que hacerlo, es parte de su trabajo también, deben vender periódicos, es puro comercialismo, no tiene nada que ver con otra cosa. He hecho algunas entrevistas interesantes en las que han surgido algunos elementos nuevos y entonces valen.

-
P. ¿En ésta ha dicho algo nuevo?
R. No.

-
P. Pues añádalo.
R. No tengo más que añadir. –

JESÚS RUIZ MANTILLA
El País 27/10/2007
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492 años de la Revolución (Reforma) Protestante

2009-11-01T12:41:00.004-04:00

Juan Calvino

De aquí que no es accidente que los primeros países en industrializarse fueron quellos que asumieron los principios de la Reforma protestante o, para decirlo mejor, de la revolución protestante.

Por Claudia Hernández

Este 31 de octubre se cumplieron 492 años de la mal llamada Reforma Protestante. Decimos que es un nombre inapropiado porque más que una simple reforma, se trató de una profunda revolución que no sólo cambió un sistema de creencias y valores, sino que constituyó la plataforma para el posterior desarrollo de la ciencia, la cultura y una economía de mercado basada en la eficiencia.

De hecho, Max Weber, conocido sociólogo y filósofo alemán ha planteado la existencia de una estrecha relación entre la reforma protestante como acontecimiento histórico y el posterior desarrollo del sistema capitalista. Por supuesto que no en su versión de capitalismo salvaje como lo conocemos hoy en día.

La tesis de Max Weber está fundamentada mayormente en los aportes del reformador francés Juan Calvino, sin duda alguna el más grande de los teólogos protestantes. Conforme a estos planteamientos, Calvino habría aportado una visión diferente en términos de estructura administrativa para los negocios, el Estado y sus instituciones.

Tal enfoque rompía con la estructura jerárquica vertical en la que, por ejemplo, el presidente está colocado en la cima. Para Calvino primaba y se imponía el criterio de equidad e igualdad.

Su cosmovisión no vertical, más bien planteaba un tratamiento horizontal en término de la división del trabajo. De esta manera, el presidente no es el primero entre sus iguales, es sencillamente el presidente, pero con un rol diferente; un conserje o un jardinero no es el último entre sus iguales, sigue siendo igual, pero con un rol diferente.

La genialidad calvinista (y de aquí su maravilloso resultado) fue introducir la persona de la divinidad en el sistema. Y puesto que se trataba del absoluto, tenía que introducirlo de manera que El (Dios) lo permeara todo.

Para introducir la eternidad en la temporalidad Calvino hizo un ejercicio de transversalidad, eso que hoy en día conocemos como “eje transverso”. Este “eje transverso” lo sustentó en la conocida cita del apóstol Pablo “Hagan todo para la gloria de Dios”.

Lo más importante de todo esto es que el ideal calvinista fue profundamente asimilado por los diferentes países que se abrieron a la revolución protestante, aquella que Lutero había motorizado en la primera reforma.

Todos estos países cimentaron su desarrollo en la proclama “todos somos iguales, solo nos diferencian los roles y sin importar lo que hacemos, debemos hacer todo para la gloria de Dios”. De aquí que no es accidente que los primeros países en industrializarse fueron aquellos que asumieron los principios de la Reforma protestante o, para decirlo mejor, de la revolución protestante.

Está claro que “hacer todo para la gloria de Dios” es hacer las cosas con la debida excelencia, con la necesaria calidad y por supuesto: “bien desde el principio”.

De manera que Calvino se anticipó a lo que Calvino se anticipó a lo que conocemos hoy. El se atrevió a beber de la sabiduría eterna encerrada en el “libro de los libros”. ¡Y he aquí el resultado!, el parto de la industrialización y posteriormente del capitalismo, de la ciencia, de la cultura, del desarrollo, pues si toda verdad es cristiana no hay que tenerle miedo a que la tierra gire, o al libre ejercicio de la ciencia, menos, menos a la escritura revelada; no hay por qué temer a que los hombres se encuentren con la verdad.

Tal era el ideal de Cristo: “conozcan la verdad para que la verdad los haga libres”. Por ello celebramos con regocijo los 492 años de la revolución protestante. Una revolución que todavía es reforma en nuestro país, pero que algún día su luz será más intensa para guiarnos por los senderos del desarrollo y la prosperidad, en justicia y equidad. “Sola escritura, sola gracia, sola fe”.

Claudia Hernández
Vivir; ‘Hoy’; Santo Domingo, RepDom., 1/11/2009

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Fotos de la Semana Intercultural de Valladolid (21-27 sept 2009)

2009-09-27T18:27:00.009-04:00

En el camino artístico de la búsqueda / Carla Filipcic Holm

2009-08-09T10:23:00.001-04:00

Carla Filipcic Holm

Las motivaciones originarias de un artista suelen ser dispares aunque posean puntos en común. Algunos destinos se ven forjados de ante mano y otros se van trazando en una intensa búsqueda que tiene que ver directamente con la búsqueda de la identidad. La soprano Carla Filipcic Holm es sin duda una de las artistas jóvenes argentinas más interesantes, con varios premios en su haber, un repertorio versátil y una voz de un atractivo singular. A pocos días antes de hacer su debut en el Teatro Colón en la ópera Così fan tutte de Mozart, la cantante habló con 'Tiempo de Música' en una charla en la cual reflexiona sobre el quehacer artístico entre otras cuestiones.

- ¿Qué se siente debutar en un teatro tan importante como el Teatro Colón con un personaje con el cual debutaste profesionalmente en el año 2002 para Juventud Lyrica?

Básicamente la diferencia hoy día es que yo en esa época era una inconsciente total. No tenía mucha idea cuando me ofrecieron ese papel. Dije: "Bueno, pruebo a ver si me sale. Si no, no lo canto". No tenía conciencia de la magnitud. En un punto la inconciencia me venía bien porque salía mucho más tranquila; mucho más que ahora que es un teatro más importante y también quiero hacer otras cosas. Porque todos estos años uno fue creciendo y no se conforma como al principio que era llegar al final vivo. Ahora tenés mucha más expectativa, hay gente que ya te conoce.

- Hablemos de Fiordiligi. ¿Cómo abordaste el rol en aquella época y ahora?

-Emmm [piensa] A mí me sirvió hacerla antes porque le conozco los lugares más expuestos En realidad lo que uno tiene que tratar de encontrar es un punto donde la voz salga por el mismo lugar. Ahora le conozco los lugares más expuestos. Hay cosas que podés hacer en el camerino y después en el escenario, que es otro espacio y con la orquesta, uno ya sabe qué cosas no vas a poder hacer. Uno debería encarar todo de la misma forma. Lo bueno de estos roles es que te requieren mucha flexibilidad en la voz. Con otros corrés el riesgo de quedarte en un mismo registro, o muy abajo o muy arriba, como si la voz se desbalanceara. Con Fiordiligi no me ocurre eso. Igual es bravo y muy largo. Me parece que estar en este teatro le añade algo más. No puedo olvidarme que es el Colón: tiene una energía muy especial y es muy grande, eso le añade un extra de dificultad. Sin embargo, es muy grato cantar acá. ¡Es el Teatro Colón!

- Hasta el momento presente, Mozart es en cuanto a ópera es lo que más hiciste. Qué otros roles vos pensás que estarían en tus posibilidades?

-En realidad ya los he hecho casi todos los que están dentro de mis posibilidades. Me parece que sí. Hice Vitellia, Fiordigili, Donna Elvira, la Condessa… La Condessa es uno de los que me falta hacer. Lo hice pero "en off". Ese es un rol que me gustaría hacer en el futuro. Bueno, también en Idomeneo, el pesonaje de Electra quizá más adelante. Pero yo con estos roles si pudiera cantarlos de acá a algún tiempo, ¡soy feliz!

- En una entrevista Maria Callas, a fines de los años sesenta, hablaba de cómo abordaba los personajes y decía que, si bien le prestaba mucha atención a las palabras y al libreto, encontraba la "verdad" de su interpretación en la música.

-¿Cuál es tu postura frente a eso… a tu interpretación, a lo verdadero de tus interpretaciones?

-Si, yo creo que tiene que haber un equilibrio. A mí me pasa que me olvido de cantar y eso es malo. Por un lado es bárbaro: podés no estar pendiente de qué estás cantando. Pero hay ciertas cuestiones físicas que tenés que cuidar porque sino se perjudica el sonido. Entonces, aunque vos estés super en personaje y con un nivel de emotividad muy fuerte, si no estudiás el sonido, hay algo en el medio que se rompe. Pero sí, es cierto. Están las dos cosas. Yo no pongo una cosa por encima de la otra. Cuando uno está en el escenario tiene que ver en qué momento está y dramáticamente que estás diciendo, conectarse con eso y hacer un trabajo previo para hacer que la voz pueda salir lo mejor posible sin estar preocupado. Siempre son las dos cosas que hay que cuidar.

Por ejemplo, en el rondó de Fiordiligi [del segundo acto]: ella está diciendo que es un momento terrible porque se da cuenta que, a pesar de haber creído que era posible amar sólo a una persona, no es así. En verdad siente amor por dos hombres a la misma vez, es amor verdadero y no es una persona horrible. Es una mujer que le ha pasado esto y el mundo se le viene abajo, todas sus creencias. Es un momento de crecimiento. Se produce una madurez muy grande y ella está diciendo que está terriblemente avergonzada de si misma y ante la imagen de su prometido. Tiene que cantar ese rondó, un aria tremenda, súper difícil, y con un sentimiento que de querer meterse hacia adentro y esconderse. Esas son las cosas peligrosas para mí cuando estoy en el escenario. Las cosas que tengo que prestar atención.

- Como que tenés que equilibrar…Claro. Tenés que siempre mantenerte. Darle libertad al texto hasta cierto punto, porque sino el cuerpo te puede poner en una posición que te perjudique: vos estás super compenetrada, tirada en el piso hecha un ovillo y si no cantás el aria, es una porquería. A nadie le sirve.

- ¿Cómo te conectás actoralmente con los personajes?

-Yo hago mucho con la intuición, no tengo una técnica actoral. El año pasado hice Agatha de Die Freischütz [de Carl Maria von Weber] y el anteaño Agrippina [de Georg Friederick Handel], que era una mujer más grande, más malvada absoluta. Agatha era un ser cándido, místico y te conectás con eso. Es la energía que siento y es corporal. Además en un mismo personaje no tenés la misma actitud corporal porque le van pasando cosas que lo cambian. Por ejemplo, Fiordiligi en el duettino al comienzo de la ópera es una cosa y en el rondó es otra porque le pasó algo que la cambió. Entonces eso es intuición pura.

- Entre los cantantes que admirás ¿reconocés un tipo de perfil de la gente que te sensibiliza?

-[silencio] Sí… La gente que a mí me sensibiliza es gente que tiene un compromiso muy profundo con la música, no que canta bien. La gente que canta bien, guau… pero no me encanta. Me impresiona, pero no me conmueve. Me gusta la gente que dice. Prefiero alguien que diga y sepa lo que está diciendo y cómo lo quiere decir, a alguien que emita bellos sonidos nada más.

- ¿Eso mismo es lo que tratás de trasladar a tu propia manera de hacer música?

-Sí. Yo sé que es mi fuerte. Estoy tranquila con mi compromiso con el texto, con el análisis y la vivencia profunda del personaje. Porque me sale así.

La charla nos va llevando por los inicios musicales de Carla Filipcic Holm, desde su paso por el heavy metal, cuando tocaba la guitarra y quería formar una banda, hasta sus inicios en la música académica. "Yo empecé a escuchar musicales. Era una época donde se hacían muchos musicales. Tenía unos amigos que iban, yo empecé a ir y me encantó. Capaz que si iba a ver ópera, no me enganchaba. En un musical, se da otro valor al teatro. [La mezzosoprano] Federica von Stade decía: 'Como cantante lírico, uno tiene que aprender mucho de los cantantes de comedias musicales'. Por el nivel de interpretación que tienen, cómo se juegan por un montón de cosas que en la ópera ahora está empezando a pasar. Así fue en realidad. Después me metí en un coro, porque empecé a estudiar canto".

Luego vino su paso por el Conservatorio Nacional de Música "Carlos López Buchardo" en el cual su iniciática motivación hacia el canto poco a poco fue transformándose: "Cuando yo empecé a estudiar en el Conservatorio, me empezaron a salir cositas, un musical experimental infantil que se hizo, me llamaron y quedé, que estuvimos ensayando un año para hacer cuatro funciones… pero de a poquito empecé a hacer cosas. Hubo una compositora que me escribió cosas para que le estrenara. En realidad empecé a cantar música contemporánea, antes que nada. Empecé a cantar con ella y después me escuchó gente y me fueron llamando. Cositas chiquititas. Después gané un par de concursos".

- Abordaste Haendel, Weber, Mozart, es decir, varios períodos estilísticos… ¿Podrías incursionar en los compositores del bel canto italiano del siglo XIX?

-Sí… no me siento muy cómoda con autores del bel canto del siglo XIX. Creo que siempre uno tiene que cantar algo en lo que sienta cómodo y en lo que se sienta identificado. A mí el bel canto no es un lenguaje que me identifique. Es super sano, es bárbaro, te ayuda a cantar, te enseña muchas cosas, pero no es un lenguaje que me atraiga en particular. Hasta ahora he hecho cosas que disfruté mucho y me enganchaban mucho. Nunca me tocó salir a cantar algo que digo "es trabajo, está bien, me llaman lo hago". Hasta ahora nunca me pasó, pero te puede pasar. Porque cuando uno tiene una carrera te ofrecen cosas que por ahí no te encantan, pero bueno… es una oportunidad. Me parece que cada uno, sobre todo los cantantes, somos todos instrumentos distintos.

Hay cosas que le podés pedir a una flauta pero que no se lo podés pedir - hablando de un instrumento de viento - a un trombón. Hay gente que nace flauta, hay gente que nace trombón, hay gente que nace clarinete. Cada uno tiene una forma de articular coherente al sonido que cada uno puede producir. Uno no puede forzar un sonido. Bah… como poder uno puede, pero no es bueno. Lo difícil para la carrera es encontrar cuál es tu verdadero sonido, por donde tenés que cantar y cómo, qué instrumento sos y qué es lo que podés hacer. Si bien los registros tienen notas en común, es otro sonido. Ese es el criterio con el que yo quisiera seguir: no meterme donde siento que no funciono.

- Solés realizar recitales de música de cámara, además de tu actividad operística. ¿Cuál es la diferencia?, ya que en el caso de la canción es algo mucho más íntimo, no sos un personaje…

-Bueno, justamente eso que vos decís es "la" diferencia. Es la primera y casi única diferencia más allá del sonido. Cuando vos estás en una ópera estás en un personaje. Te olvidás de vos mismo. Estás al servicio de una historia, que tiene un comienzo y que tiene un fin. Cuando vos cantás "cámara", sos vos. Con tu sensibilidad. Compartiendo tu sensibilidad, aquella música que a vos te conmueve y tu emoción con la gente.

Es algo muy hermoso. En algún punto, creo que disfruto de las dos cosas, pero creo que la música de cámara tiene una magia que la ópera no tiene. Aparte uno está solo con la cercanía del público. El público de cámara está más sensible a la emoción y no está esperando que pongas las notas, el agudo, y eso para mí es marco de tranquilidad porque aparte uno en la música de cámara elige. Es como una creación de uno, por supuesto que no la música, pero uno arma, construye algo, no? Por supuesto con el pianista o con el ensamble instrumental. Armar el programa, pensar qué obra va primero, qué obra va después, lo que quiere generar, es otro encanto. Y manejar la energía en un concierto de cámara es mucho más placentero para mí, que en una ópera.

- ¿Qué otras expresiones artísticas te llaman la atención, o frecuentás, que no tengan que ver estrictamente con lo musical?

-La verdad que como disfrutar y que me atraen hay muchas cosas. Pero no tengo tiempo para acercarme a otras cosas. El teatro me encanta y lo disfruto con todo el alma. También el cine. Mi hermana canta en una banda de heavy metal. Voy a sus recitales y me encantan. Yo disfruto de muchas cosas. De exposiciones, si tuviera todo el tiempo lo haría. Porque además todo te enseña. Siempre uno puede aprender de todo. Ir a una muestra también te conmueve y capaz que vos cantás algo y te hace acordar a eso, que te da una imagen que uno necesita. No podés estar solo enfrascado.

- La vida del cantante lírico parece estar signada por el tiempo o las proyecciones. ¿Cómo manejás eso?

-La verdad no tengo mucho tiempo para proyectar tanto por suerte o por desgracia. Tengo bastante trabajo ahora, entonces estoy tratando de estudiar lo que voy a cantar dentro de unos meses, que está bárbaro porque me sirve, es lo que tengo que hacer. A veces sí, uno se desbanda y por lo general te sirve a futuro. Por ejemplo, cuando canté Fiordiligi dije: "algún día me tocará cantarlo de nuevo", y supongo que otras cosas también. Uno no puede estudiar todo lo que hace. Creo que también uno puede estudiar sí ciertos lenguajes, estudiar un rol que cree que en algunos años va a cantar, que uno aprende algo de eso ahora y no se lo banca o no te llega la oportunidad de hacerlo, pero por lo general hasta ahora vine estudiando, tuve la suerte de estudiarlo y hacerlo. Así que no tuve mucha proyección.

- Por último, ¿qué es lo próximo que se viene?

-En un mes me voy a Viena al concurso Belvedere. Después vuelvo y tengo acá la Ópera de Cámara [del Teatro Colón] con La grotta di Trofonio y a fin de año voy a unas "masterclasses" en Alemania de la misma fundación que organizó el Concurso Neue Stimme, en el cual participé en 2005. De esa gente del concurso, seleccionan a un grupo de cantantes y al año siguiente te invitan a unas "masterclasses" con los profesores, algunos del jurado y otros de afuera, así que buenísimo. Estás una semana y dás un concierto. Por ahora eso y es suficiente. Y conciertos de cámara.

Entrevista de Javier Villa

Tiempo de Música

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Un joven dominicano en Buenos Aires - Por Carlos Szwarcer

2009-04-07T09:57:00.005-04:00

Joan Carlos Rodriguez

Un joven dominicano en Buenos Aires

Por Carlos Szwarcer

Primera Parte:

Joan Rodríguez, dominicano, de 24 años de edad, trabaja en la Compañía Orange en el rubro telecomunicaciones. Especialista en “mercadeo”, diseño e implementación de servicios para celulares, aprovechó sus vacaciones para llegarse, por primera vez, a la Argentina. Buenos Aires era un destino ansiado por varios motivos; la estadía de una semana le permitió conocer en vivo y en directo la ciudad.

Nuestro encuentro en el Café Tortoni -el 26 de marzo- tuvo como objetivo entregarle para su padre Pedro, con quien me conecto vía mail desde hace unos años, compartiendo inquietudes culturales, algunas grabaciones de canciones de artistas argentinos que no se consiguen en República Domicana. Me hallé con un exceso de gentileza: mi amigo caribeño me hizo llegar varios productos típicos de la isla. Un diálogo sumamente ameno alentó mi curiosidad por saber qué pensaba su joven hijo sobre Buenos Aires, cómo la imaginaba y qué encontró, a horas de partir hacia su tierra.

- Joan: La cerveza ustedes la toman caliente casi… No caliente pero a temperatura normal. Allá se la toma lo más fría posible y aquí no se le agrega hielo tampoco a las bebidas.

- Carlos: Nosotros el hielo lo usamos. Tal vez no tanto. Será por una cuestión de clima.

En tanto Joan elogia la carne argentina y señala algunas diferencias entre los cortes vacunos de los dos países, decido preguntarle cómo ve Buenos Aires:

- ¿Cuál era tu imagen antes de viajar? ¿Qué es lo que pensabas que era, qué es lo que encontraste? ¿Qué imagen… qué sensación te llevás de la ciudad?

- “Justamente venía pensando sobre lo que antes creía y lo que me voy a llevar. Estaba identificando las cosas que más me llamaban la atención. He tenido la oportunidad de visitar otras metrópolis en América y Europa. Veo que aquí se mezcla un poco la influencia de las colonizaciones europeas… y también veo la fuerte influencia que tiene Latinoamérica en general. Muchas personas migran de Venezuela, de Perú, buscando mejoría. Aparentemente… tengo conocimiento de que la economía argentina es una de las más fuertes que hay en toda la región. Lo que más me ha llamado la atención y lo que más me ha gustado es la gente. Pero lo curioso es que pensaba que era lo que menos me iba a gustar, por el hecho de que del argentino allá se escucha, se piensa, y sobre todo del porteño, que es una persona un poco prepotente, supersticiosa, y que no iba a ser el más dulce, el más agradable para compararlo, por ejemplo, con el venezolano o el brasilero. En realidad no sabría explicar las razones por las cuales es la imagen que tenía”.

- ¿Por que vías te llegó esa imagen?

- “La manera más directa es a través de la televisión, las telenovelas, lo que se transmite a través de los medios. Y, tal vez, es de cierta forma el acento, que sea tan distinto del acento cantado caribeño, tal vez suene un poco altanero…”.

Joan trata de reflejar con un juego de palabras la forma de hablar del porteño, lo hace con un murmullo, casi sin palabras, imitando el tono repite: tan… tan… tan… tan…,e intenta mostrarme cierta soberbia nuestra con una expresión en el rostro que parece caracterizarnos. Nos imita forzando la postura corporal con una cabeza erguida, la pera levantada y mirando de costado. Me impacta la forma en que intenta reproducir el tono y la expresión de un porteño. Le expreso lo interesante que es observarle sus gestos al describirnos y amablemente me dice que si quiero puedo grabarlo con su cámara. Me pareció buena la idea y continuamos la charla. Mientras lo filmaba hacíamos un resumen de lo hablado, tratamos de repetir la escena pero, lamentablemente, sus palabras, sus mímicas tan frescas y contundentes, no fueron las mismas con la cámara delante. No pudimos recuperarlas. Ya se sabe que dos escenas nunca se repiten exactamente. Sin embargo, agrega otros elementos para tener en cuenta. Prueba reflejar nuestros modos con un ejemplo.

- “Viste…me traés la cuchara. No te estás dando cuenta que te estoy diciendo que necesito la cuchara ahora”. Y enfatiza el modo imperativo en pedir las cosas en un sencillo “… tenés más azúcar…”

Joan procura encontrarle una explicación a esa sensación inicial que se tiene al escucharnos, y aclara: “…tal vez la forma, el caribeño no se siente familiarizado con ese tipo de comunicación. El colocar las eses, la pronunciación crea una imagen, es un acento diferente”.

Aclara el joven dominicano que está hablando de los porteños y que no quiere “hacer una acusación general”. Reconoce que se tiene una imagen del lugar por “…lo que se dice, por los medios, la televisión… He conocido algunos argentinos que por cierto me han sido personas de mucho agrado… también he escuchado hablar que el argentino es una persona no muy cálida… y prepotente, por sentirse diferenciado de personas latinas, de otros países”. Joan hace una pequeña mueca y explica: “Pero no se debe confiar. He escuchado cosas buenas y he escuchado cosas malas… Y tenía que venir y comprobarlas, y me doy cuenta que es totalmente diferente. La gente es muy cálida, muy buena, y le encanta nuestro acento. Entonces…, bueno… a nosotros nos encanta el acento igual, aunque lo veamos así. Los hombres quieren venir porque saben que son muy lindas las chicas de Argentina y que hablan muy lindo también”.

- El acento argentino gusta más en la mujer por lo visto…

- Allí retransmiten algunos programas de televisión puramente argentinos. Aunque se vea que es una persona que se cree que es superior a las demás, las personas con las que tuve contacto, veo que la gente es muy buena, muy amable.

¿Cómo somos y qué imagen damos? Por suerte no todo es negativo. Por ejemplo, Joan relata: “Si le preguntas algo en la calle te responden bien y sin problema, y saben sonreír de forma natural”. Algo tan habitual como la sonrisa aparece como algo no esperado de nuestras características, al menos hasta que se nos conoce mejor. Y al joven turista se le vuelve a iluminar el rostro caribeño cuando se refiere a la mujer argentina…

- “Estaba haciendo la comparación con el típico español y decía… bueno aquí están las chicas que no están en España… aquí tienen el aspecto de una persona europea con ese rayito latino… Bueno eso es algo muy personal”.

- Entonces hubo un cambio en cuanto a la imagen que tenías. ¿Hay algo más, con toda sinceridad, negativo, que te moleste?

- “Para nada, estoy fascinado. De hecho empecé a investigar un poco sobre eso para ver cuál es la causa… Y me encontré con lo siguiente conversando con una argentina. Le pregunto: ¿Qué pasa? ¡Creía esto de ustedes y mirá qué me encuentro! ´Si realmente no todos somos así´, me dijo. Entiendo no todo el mundo es igual en el mismo sitio, pero hay una mayoría. Ella (oriunda de Los Toldos, Provincia de Buenos Aires), dijo: ´sí es así… en el fondo, en el final es así, pero se ve mayormente en los porteños´”.

Tratando de encontrarle una razón a las palabras de su amiga Joan reflexiona: “Era la parte central de la ciudad donde empezó todo, donde se concentraba la gente adinerada y eso creo que es un prototipo en todo tipo de sociedad donde la burocracia impera. Pero ella me hizo ese comentario por debajo, me dijo que sí, en realidad lo es, y utilizó una palabra: Cheto”.

- Ella reconoce, de algún modo, que hay algo cierto de lo que se dice. Para el resto del país también la imagen del porteño parece tener esas características.

Nuestro visitante pone un gesto de pregunta y cambia el ángulo de la mirada.

- “Saliendo un poco del tema de la gente. La organización. No hay monedas aquí. Entonces es un lugar muy lindo, la gente es muy buena, sé que hubo un período de crisis, pero a nivel político sé que hay cosas fuera de lugar que sí me impresionaron. No esperé que cosas como esas se vieran, que faltaran monedas. Si me pongo a indagar es algo mucho más profundo que simples monedas. También lo disconforme que se siente el argentino con su forma de gobierno, con el estado. Se siente indignado… también sé que tiene una historia detrás…Y eso es algo también que me impresiona mucho…”.

Seguimos charlando de Buenos Aires, su gente y antes de retirarnos recorrimos los recovecos históricos del Tortoni. Eso es parte de una segunda nota.

Carlos Szwarcer

Buenos Aires, Argentina,

05 de abril, 2009

Continuará…

Fuente:
http://blogs.monografias.com/estampas-de-buenos-aires/2009/04/05/un-joven-dominicano-en-buenos-aires/

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Video relacionado:

http://www.youtube.com/watch?v=nUfnK9Xbg3w

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LA CUESTION BINACIONAL, EL PLURALISMO Y LA RECIPROCIDAD ENTRE DOMINICANOS Y HAITIANOS

2009-01-14T12:35:00.008-04:00

LA CUESTION BINACIONAL, EL PLURALISMO Y LA RECIPROCIDAD ENTRE DOMINICANOS Y HAITIANOS

Apuntes para una discusión abierta sobre el tema migratorio

Por: David E. Arias Rodríguez

Ciertamente hablar la cuestión binacional cuando se trata de temas que conciernen a la Republica Dominicana y la República de Haití es algo que supone asumir compromisos éticos que van más allá de las pasiones propias del nacionalismo irracional y de la oposición a ultranzas de todo lo que concierne al ámbito de los derechos soberanos de todo pueblo.

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Para algunos intelectuales acomodados ideológicamente al nuevo “internacionalismo”[1] que ha sido metamorfoseado por nuevos “imperativos categóricos”[2] dictados por las ideas “globalizantes” entienden que hablar de soberanía resulta un tanto desfasado en una sociedad globalizada, para otros el hablar de integración le causa pavor e implica una perdida de soberanía, por lo tanto hablar del tema sin que el mismo suponga caminar sobre el filo de la navaja de las posiciones de quienes quieren llevar el tema al plano racial o los que creen que el tema de la cuestión binacional corresponde meramente a la esfera de la soberanía resulta algo embarazoso.

Creemos que ante estas dos posiciones encontradas debe anteponerse una actitud reflexiva lejos de las pasiones. Hacer de analista en la cuestión binacional no es nada fácil y sobre todo cuando se mueven muchos intereses poderosos tanto a nivel nacional como internacional en torno a tal cuestión. Es obvio que en el abordaje del tema existen dos ideas contrapuestas: si alguien protesta por alguna decisión que implica adoptar cierta posición que involucre el tema de la soberanía esa protesta es llamada racista y si a esto se le antepone la de los defensores de los derechos de los inmigrantes entonces son acusados de haitianofilos y antinacionales.

Aquellos que utilizan el arma favorita del antirracismo que es la calificación de racista contra todo lo que contradiga sus “principios” no saben que con esta actitud provoca que los ciudadanos que se sienten originarios de un determinado territorio acaben convirtiéndose en realmente racistas por indignación. La militancia antirracista debe ser cuidadosa para que su actitud beligerante no genere racismo y falso nacionalismo.

El concepto de integración

La integración no la vemos en el sentido racial o geográfico-político, sino más bien ciudadano. No es racial pues la lucha por los derechos no puede aplicarse en un país de mezclados como lo es Republica Dominicana. Tampoco geográfico-político pues es la utopía de aquellos que sueñan con “una isla un país” esta muy lejos de hacerse realidad. Están muy equivocados los que piensan que semejante absurdo histórico puede ser posible.

Muy por el contrario lo referido por nosotros cuando hacemos alusión al tema de la integración es el que un ciudadano integrado es aquel que forma parte de la vida civil y cultural aun sea extranjero en un determinado país.

Nadie puede vivir en un país sin tener una idea de su estatus quo, sin poseer identificación, pues esto implica un riesgo tanto para la seguridad ciudadana como para la seguridad nacional. Un ser humano que no ha sido investido de documentación ciudadana es una aberración de los derechos ciudadanos tanto de los anfitriones que deben padecer inseguridades derivadas de la indocumentación como de los huéspedes que ven como sus derechos laborales y demás son constantemente violados. Un extranjero que no es identificado que se encuentra indocumentado es también pasible de abusos de todo tipo ya que carece de derechos al menos de derechos formales y constituidos.

Un ciudadano extranjero no es un ciudadano dominicano salvo que éste decida con arreglo a la constitución y las leyes optar por la ciudadanía dominicana. Para ello opinamos que este ciudadano debería someterse a una serie de exámenes y pruebas que compruebe su verdadera disposición de “Ser dominicano” y que esta dispuesto a respetar nuestras instituciones, leyes e historia como exigen otros países para otorgar ciudadanía. Esto último debe ser aplicable a todos los extranjeros sin distinción.

El sentido de responsabilidad de todo aquel que ejerce y adopta posiciones políticas debe tomar la ética de la responsabilidad social frente a la fácil ética de los dogmas ideológicos. Una posición ideológica o de principio puede tener buenas intenciones pero el no adoptar posiciones responsables en el ejercicio público y político puede traer graves consecuencias fruto de una marcada irresponsabilidad frente a su propio país y finalmente también ante los propios inmigrantes que supuestamente defiende.

Es difícil abordar el tema de la inmigración de nacionales haitianos dentro del marco de la cuestión binacional como ya dije sobre todo cuando quien escribe es ciudadano de uno de los países involucrados donde existen las insondables cadenas de significantes culturales que son emanadas de condiciones históricamente determinadas, las cuales hacen que las construcciones conceptuales respondan a distintos estímulos acuñados por la memoria social. Esto aplica para los ciudadanos de ambos países implicados.

Analizar lo más objetivamente posible un tema conflictivo es una tarea ardua y que no deja contentos a mucho de quienes leen este artículo. Los temas migratorios envuelven elementos éticos y de percepción, saber que la inmigración aporta fuerza de trabajo para el desarrollo (muchas veces explotadas) y que a la vez la inmigración de nacionales haitianos como fenómeno social , económico y cultural plantea la incursión descontrolada de personas procedente de una cultura diferente históricamente antagónicas (si se quiere) que buscan un mejor destino en un medio social que le es extraño, a pesar de su cercanía geográfica y el pensar que este ciudadano haya venido para poder sobrevivir y lidiar con un medio que considera hostil y desconocido (pero mejor que en su país de origen) hace que nazca la semilla para el cultivo de nuevas formas de ghettos [3] o espacios poco integrados con el sistema social del territorio anfitrión.

Diferencia entre pluralismo y la multiculturalidad que tanto se promueve

Según Giovanni Sartori “el pluralismo, es una integración voluntaria y racional, suma valores, mientras el multiculturalismo fracciona y fragmenta, crea pequeñas sociedades cerradas, de necesidad identitaria en las que ya se disuelve la premisa de que todos los ciudadanos son iguales y liquida así la ciudadanía, balcaniza”. [4]

Nuestro problema no es aceptar la diversidad sino que el provocar integraciones sin ciudadanizar a los individuos es prácticamente un error de principio que afecta los contenidos culturales y las instituciones sociales.

Es bueno señalar que cuando hablamos de ciudadanizar no nos referirnos al concepto entendido en términos legales únicamente, sino al proceso de asumir (por parte del inmigrante) la cultura y los valores de la sociedad anfitriona y respetarla. Las actas de nacimientos y cedulas dominicanas no equivalen a integración.

Conceder ciudadanía sin ningún tipo de exigencias a personas que en gran parte vienen dispuestas a no integrarse y que acaban formando grupos o ghettos que no son integrables es un error, pues un grupo humano aislado puede en un futuro constituirse en un grupo de presión en contra precisamente de la sociedad que los acepto y decidió acogerlos, es uno de los grandes errores que cometen muchos “defensores de los derechos de los inmigrantes”.

Creemos en las protestas y las luchas reivindicativas siempre que estas sean para el bien del conjunto de la sociedad, no de grupos autoproclamados diferentes y facciones que atenta contra la integridad del cuerpo social.

Los nacionales extranjeros que no quieren integrarse fragmentan la sociedad y rompen el principio de igualdad ante la ley para una sociedad que aspira a ser plural y democrática algo que ha costado muchos sacrificios para poder construirse. La no integración supone principios claros de una división del trabajo renuente a factores de movilidad social positiva.

Coexistencia de los principios de reciprocidad y ciudadanía

Nos referimos a que el principio de la reciprocidad supone que, la entrada voluntaria a un país donde no se pertenece ya sea por razones de nacimiento o de su condición jurídica-constitucional donde éste ciudadano obtiene mejores condiciones de vida que en su propio país considerando que nadie lo ha obligado a hacer semejante traslado, entonces es racional que este ciudadano huésped tiene que ajustarse a los valores básicos de la sociedad que lo ampara[5].

Si este ciudadano no acepta, no es que merece ser expulsado del territorio de la nación anfitriona, pero es un inmigrante que no ha comprendido el carácter reciproco que implica el beneficio de una ciudadanía y por lo tanto no puede tener los mismos derechos que otros que si se han integrado: nadie puede gozar de los beneficios y vivir en un país cuyas reglas no acepta, tan sencillo como esto.

Una sociedad que promueve el aislamiento y fragmenta los espacios étnicos culturales inicia sin darse cuenta una disolución balcánica de lo que debería ser una sociedad pluralista. Una sociedad abierta como paradigma libertario es una sociedad realmente plural donde ésta existe como antítesis a aquella que es cerrada y segregacionista culturalmente.

Se trata de poder definir el valor de la diversidad, la solidez del pluralismo dentro de nuestros propios parámetros culturales sin influencias de percepciones foráneas sobre nuestra realidad binacional y aquí queremos hacer un alto: decimos percepciones foráneas porque el nivel de desinformación y la gran cantidad de elementos inconexos que se ciñen en el debate binacional es algo muy propio del cual se han hecho consideraciones cuyos análisis categóricos han sido influenciados por construcciones teóricas de otras latitudes, lo cual no permite hablar con propiedad sobre la cuestión a las partes involucradas en el tema dominico-haitiano. Por tal motivo no creemos que realmente exista una “concepción” en el sentido propio de la palabra que esté gravitando como paradigma para guiar los designios políticos de la cuestión binacional.

Lo más importante antes de abordar cualquier discusión conceptual es practicar la tolerancia de las ideas contrarias y aceptar los puntos medios para los acuerdos.

Es importante resaltar que hablamos particularmente de acuerdos y no de consenso como muchos pregonan puesto que el consenso es una utopía irrealizable en el ámbito de las relaciones políticas y mucho menos en materia de políticas migratorias ya que toda negociación en este plano implica ceder en puntos y derechos importantes para cada una de las partes para con ello lograr un entendimiento y una salida satisfactoria a la problemática.

La importancia de la tolerancia en los temas migratorios es un valor que deben asumir las dos partes esenciales involucradas en el fenómeno de las migraciones: la población anfitriona y la población huésped una y otra son parte de una misma realidad las cuales se ven afectadas recíprocamente y condicionadas por el medio social y el territorio donde gravitan.

Con estos elementos teóricos conceptuales debemos enfocarnos y consolidar el concepto de diversidad la cual no es dañina, sino que esta es un valor agregado que debe saberse utilizar, y a partir de esto saber su correcta interpretación y el no ignorar el hecho de que una sociedad donde se respete la diversidad influirá definitivamente en que podamos desarrollar nuevas significaciones que logren cobrar significado en la practica y movilicen la sociedad en el plano de la realidad misma que a ella le toca vivir.

Estas nociones deben ser capaces de ofrecer pistas para la configuración de un orden social construido a partir de la tolerancia, los acuerdos y el pluralismo: estas son las tres piezas claves con las cuales marcha una sociedad democrática. Si no tomamos en cuenta el valor ético de la tolerancia podrían ambas sociedades implicadas colapsar

El error de contenido de las discusiones ha sido el fundamentarse sobre premisas falsas y el pensar que las nociones sobre una sociedad plural deben estar asociadas a conceptos infinitamente dúctiles y capaces de soportar todo tipo de distorsiones.

La apertura sistémica como plantean algunos de nuestros intelectuales dominicanos seducidos por los cantos de sirena del humanismo abstracto, forman parte de los grupos de quienes plantean una integración total fruto de la entrada indiscriminada de todo aquel que quiera hacerlo sin considerar que la naturaleza social de los hechos económicos condicionada por factores determinantes en el orden material como el espacio y los recursos naturales que son factores finitos y limitados y que a la postre repercutirá en la calidad de vida tanto de los anfitriones como de los huéspedes y sobre todo que lo hacen sin tomar en cuenta lo mas peligroso que es el hacer una integración en el sentido burdo de la palabra sin medir sus secuelas.

Integrar sin medir consecuencias constituye una irresponsabilidad que podría tener derivaciones imprevisibles que posiblemente desencadenarían en violencias del tipo nacional-territorial y quizás convertirse en detonantes de una verdadera conflictividad xenofobica futura.

Es bueno saber que la entrada indiscriminada sin una categorización efectiva de los movimientos migratorios supone la admisión de fuerzas culturales que pueden resultar ajenas a las ideas pluralistas si estas son involuntaria o voluntariamente aisladas.

Una propuesta de cooperación binacional: La Agencia Dominicana de Cooperación Internacional

Podría parecer un desatino proponer una Agencia Dominicana de Cooperación Internacional, pues muchos dirán que República Dominicana es un país pobre y del tercer mundo que más bien “necesita que lo ayuden”. Pero resulta que la realidad es otra: por citar un solo ejemplo actualmente una parte importante de los presupuestos de salud y educación se invierten en proporcionarle servicios de asistencia a nacionales haitianos y sin embargo no existe una correspondencia entre los aportes del pueblo dominicano y la evidencia estadística reflejada en los sacrificios económicos de dicho pueblo.

Es necesario evidenciar ante la comunidad internacional nuestros aportes para paliar la situación de calamidad del pueblo haitiano y que por medio de esta oficina de cooperación puedan ser canalizados y evidenciados los recursos dominicanos como parte de una contribución del pueblo dominicano a la problemática de pobreza extrema de Haití.

Esta oficina deberá organizar, institucionalizar, clasificar y llevar un control estadístico de los aportes del estado dominicano en materia de salud, educación y seguridad ciudadana al pueblo haitiano.

La ADCI podría encargarse por medio de la Secretaría de Planificación y Desarrollo de canalizar los recursos internacionales para todo lo concerniente al tema binacional que dicho sea de paso no se resume al tema fronterizo como se piensa ya que los nacionales haitianos se encuentran en todo el territorio nacional y sus problemas son transgeograficos por lo que no puede ser objeto de localización espacial en punto especifico del territorio.

También la Agencia Dominicana de Cooperación Internacional podría promover proyectos de desarrollo e inversión en la Republica de Haití así como canalizar la inversión privada haitiana en República Dominicana.

Por ultimo hemos de significar que la cuestión binacional no está lo suficientemente debatida y falta voluntad en muchos casos para afrontar de manera valiente y creativa los desafíos que dicha cuestión supone.

Proponemos que se designe una comisión interministerial para diseñar un anteproyecto de ley donde discuta ampliamente el tema de las líneas de acción en el plano de la cooperación y la reciprocidad entre ambos países.

Santo Domingo, D.N,
27 de Diciembre del año 2007

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Notas:
[1] El socialismo fue el primer movimiento político que acuñó el término internacionalismo y, ciertamente, los ideales internacionalistas se basan de forma prominente en los principios del movimiento socialista. Durante el siglo XX, el internacionalismo dejó de ser un asunto exclusivamente integrado en el ámbito del socialismo, aunque aún recibe la mayor parte de su apoyo por parte de la izquierda política. El mercado libre globalizado contemporáneo no se puede definir como internacionalismo, ya que éste promueve únicamente la integración económica, mientras ignora los aspectos políticos y sociales. Es por ello que hacemos hincapié en que a decir de muchos teóricos socialistas la derecha es muy hábil en tomar conceptos de izquierda e incorporarlos para sus fines sino démosle un vistazo al concepto “Sociedad Civil” que es el líder de los conceptos plagiados el cual tiene el raiting del mayor numero de acepciones contrapuestas.

[2] El Imperativo categórico es un concepto central en la ética kantiana, y de toda la ética deontológica moderna posterior. Pretende ser un mandamiento autónomo (no dependiente de ninguna religión ni ideología) y autosuficiente, capaz de regir el comportamiento humano en todas sus manifestaciones. Kant empleó por primera vez el término en su Fundamentación de la metafísica de las costumbres (1785)

[3] Un ghetto o gueto (del dialecto veneciano ghetto, fundición de hierro, por la fábrica alojada antiguamente en el barrio posteriormente reservado a los judíos) es un área separada para la vivienda de un determinado origen étnico, cultural o religioso, voluntaria o involuntariamente, en mayor o menor reclusión. El término se empleó, originalmente, para indicar las juderías; el uso se ha extendido hoy a cualquier área en la que la concentración de un determinado grupo social es excluyente .En la estructura urbana actual, se ha procedido a aplicar a los barrios dispersos separados del resto de la ciudad y poblados por cualquier concentración de una minoría determinada de origen étnico, cultural o religioso (por ejemplo, un Barrio Chino, o una comunidad Amish. Las ciudades que presentan mayores guetos son: Madrid, Nueva York y Miami.
[4] El País, 8 de abril del 2001 “ la inmigración sin limites es una Amenaza”, entrevista a Giovanni Sartori.
[5] Ibid 4

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¿Existe un dialécto dominicano?

2009-01-04T10:28:00.021-04:00

APUNTES PARA EL ESTUDIO DEL
IDIOMA ESPAÑOL EN SANTO DOMINGO

Lo siguiente es una transcripción documentada de frases escuchadas por el autor de boca de dominicanos pertenecientes a la base de la pirámide social; hombres, mujeres y niños de las clases mayoritarias urbanas y rurales. Hay cientos de ejemplos adicionales a los aquí transcritos. Para ensanchar el número de estos ejemplos, invito al lector a poner consciente atención a la forma en que el dominicano llano habla. Vale decir, que las frases descritas a continuación son entendidas por todo el espectro social dominicano: desde académicos hasta analfabetas.

En criollo dominicano --------------------Traducción al castellano

Etue pa bebémelo abajoese paluelú....Esto es para bebérmelo debajo de ese poste de luz
El fuállayel…………………………………………….....El fue allá ayer
Bajiá compruno plátano.......................Bajé a comprar unos plátanos
Contuí cácara……………………………………. .....Con todo y cáscara
Lo vué challí………………………………………. .....Voy a echarlo allí
Yo le vuá brinduna………………………………....Voy a brindarle una
Po vé ..............................................Pues vé
Tamolito……………………………………………. .......Estamos listos
Tú vavé ............................................Vas a ver
No se pué prendé ……………………………….....No se puede prender
Jae comué .......................................Sabes cómo es?
Vinién, eperán y se fuén……………………...Vinieron, esperaron y se fueron
Pónde quello van? ............................Para dónde van ellos?
Diuna ve taquí …………………………………… ...Enseguida estas aquí!
Tú noá comío na hoy? ......................Tú no has comido nada hoy?
Esué pa'paguel……………………………………… ..Eso es para pagar el... (teléfono, etc)
Yo vuá poniúna calta ......................Voy a poner una carta
Vacá melfavol………………………………………...Ven acá hazme el favor
Eso ta crú ......................................Eso está crudo
Se comiúna libre ….. .......................Se comió una libra de...
Cualquiá se va ...............................Cualquiera se va
Esué puno……. ................................Eso es para uno...
Esué pun .......................................Eso es para un...
Cayuna……………………………………………….......Cayó una...
Pa bucún .......................................Para buscar un... (problema, etc)
Pa bucasiuna pedrá….......................Para buscarse una pedrada
Qué pejejese? ...............................Qué pez es ese?
Esejún………………………………………………….....Ese es un...
Nián siquiá……………………………………………....Ni siquiera (expresión arcaica rural)
Esué jierro to .................................Eso es todo de hierro
Si esuéjasi no voy pallá………………………..Si es así no voy para allá
Macuna, macún...............................Masticó una, masticó un...
Ondequiá que me ve…………………………….Donde me ve
Ondequiá que ten ...........................Donde estén
Yo noí na………………………………………………....No oí nada
Esué comié ....................................Eso es comida de...
Pa qué tu tá?..................................Para qué tú estás?
Yo lo que me tué porí .....................Estoy por irme (quiero irme)
Etué pimprimilo...............................Esto es para imprimirlo
Tuá vitua luí? .................................Has visto a Luis?
Tengun dolué..............………………………..Tengo un dolor de (cabeza)
Le tiruna pecosá .............................Le tiró una pescozada
Tu taí?............................................Estás ahí?
Yo te vuá deciuna cosa ...................Voy a decirte una cosa
Se bebiún………………………………………………...Se bebió un...
Paquiún dia ....................................Para que un día...
Onde tuté?......................................Dónde está usted?
Cuánto nío hay? .............................Cuántos nidos hay?
Jeibiún; Jelbiún……………………………………....Herví un (huevo)
Po noé jasí .....................................Pues no es así

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Narración en criollo (rural) dominicano:

“Palilo lió unoje plátano pacéle creé a lo muchacho quel taba fumando cigarro. La lió con una jebre cáñamo y lenvolvió con papel grí. Le prendiún fóforo y comensuá jalalo y a lalgá jumo. Pareciún muciégalo. Lo muchacho no lo vián vito toavía, jata que Palilo rompió a tosé por tuel jumo que se taba tragando. Diuna vé lo muchacho lo vién ajogándose, salién juyendo pondel payudalo...”(p.s.r.)

Traducción:
Palilo envolvió una hoja de plátano para hacerle creer a los muchachos que él estaba fumando cigarro. La amarró con una hebra de cáñamo y la envolvió con papel gris. Le prendió un fósforo y empezó a halar y a echar humo. Parecía un murciélago. Los muchachos no lo habían visto todavía, hasta que Palilo comenzó a toser a causa de todo el humo que se estaba tragando. Tan pronto los muchachos lo vieron ahogándose, corrieron hacia él para ayudarlo... (p.s.r.).

Recopilación y transcripción de Pedro Samuel Rodríguez
Pedsarod@gmail.com
Santo Domingo, Rep. Dominicana.
Abril, 1994.-
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Lectura recomendada: Posible origen portugués de la 'i' cibaeña:

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Umberto Eco Lecture: An Illustrated Presentation on the History of Beauty and Ugliness

2008-10-31T10:46:00.002-04:00

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Jornadas Buenos Aires Italiana

2008-10-14T08:39:00.009-04:00

Leticia Maronese

Jornadas Buenos Aires Italiana
-Algunas reflexiones sobre la identidad porteña-

Por Carlos Szwarcer

Durante los días 8, 9 y 10 de Octubre, en la sede de la Manzana de las Luces, ubicada en Perú 272, se desarrollan las Jornadas “Buenos Aires Italiana”, organizadas por la Dirección General de Patrimonio e Instituto Histórico y la Comisión para la Preservación del Patrimonio Histórico Cultural del Ministerio de Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Con la propuesta de “profundizar la mirada sobre los procesos de migración en tanto fenómenos universales e históricos” se generaron, a partir de la apertura misma del evento, profundas reflexiones sobre la idiosincrasia porteña.

La Directora General de Patrimonio, Lic. Liliana Barela, y la Secretaria de la Comisión de Preservación, Lic. Leticia Maronese, nos recibieron durante el receso del mediodía de la primera jornada.

Debajo de una de las arcadas centenarias que rodean el recinto de la antigua Sala de Representantes, Liliana Barela se expresó sobre el movimiento cultural en la ciudad: “Buenos Aires se ha vuelto una plaza muy exigente en el sentido de que hay tanto para ver y la gente no tiene mucho tiempo. Aseguramos, además, que estas Jornadas se van a editar. Va a quedar, como va a pasar con la sefaradí, como pasó con la gallega, idish, y demás, el testimonio escrito”.

P- Es todo un desafío mostrar la diversidad cultural a través de cada inmigración. ¿Cuál es el proyecto a mediano y largo plazo?

R- La idea es que en el 2010, para el bicentenario, podamos hacer la Buenos Aires de la diversidad de las comunidades en este clima de respeto y de conocimiento por el otro que es la mejor manera que tenemos de vivir esta ciudad. Me parece que es una ciudad con puntos y enclaves pero no con guetos. Disfrutemos de eso.

P- La convivencia es una característica para remarcar. ¿Qué experiencia recordás al respecto?

R- Siempre comento lo hermoso que me resultó el día que fui a ver la ceremonia de San Expedito, que se da en el barrio de Once y al lado había ortodoxos judíos celebrando una festividad al mismo tiempo. Yo decía esta es la ciudad que amamos, de la diversidad que nos hace libres y diferentes.

Leticia Maronese, refiriéndose a la impronta de la inmigración italiana, describió: “Los que han hablado han comentado la gran importancia de lo italiano pero su característica de ´inasible´, es como que está en todos lados y no está muy específicamente... No como los rasgos culturales de otras migraciones que se los pueden encontrar en forma específica y muy visualizable. La italiana está tan incorporada que, a veces, no se puede deslindar. No se puede discernir, por ejemplo, la comida, se confunde. Se habla de la ´milanesa napolitana´ que no existe en Nápoles, es argentina… argentina.

Me llamaron la atención- agregó con sorpresa - los estudios realizados en CEMLA (Centro de Estudios de Migratorios Latinoamericanos): mucha gente que en el 2002 fue allí a averiguar sobre sus parientes inmigrantes se pensaba que era para obtener la ciudadanía, la búsqueda del pasaporte. Y no. La mitad de las personas iba para saber sus orígenes, sus ancestros. Y me parece que tiene que ver con esto que es muy fuerte: buscar la identidad".

Pero para la Secretaria de la Comisión esta problemática, además, es parte de algunas preguntas propias, sobre temas familiares potenciados a partir de estos encuentros que movilizan: “Mi papá, Maronese, era del Véneto. Yo no me canso de arrepentirme de no haberle preguntado cosas a mi papá que murió hace 20 años. Si pudiera preguntarle hoy, le preguntaría porqué no se nacionalizó. Pertenezco a una generación que la política tuvo mucha importancia y me molestaba muchísimo que mis padres no votaran. Me quedó eso por preguntarles...”

P- En algún punto entran a jugar los conceptos de inmigración, nacionalidad, estado. ¿Qué contradicciones se pueden observar?

R- Yo creo que hay una falla, no de ´nacionalismo´ sino en la construcción de una nación. Que nos fue más fácil construir un estado. Incluso el estado hace agua por los cuatro costados y, a veces, me pregunto porqué los argentinos –y ésa sí es característica nuestra- no respetan las leyes. El estado no existe. Una vez leí a un constitucionalista catamarqueño que decía que eso era el producto del gran componente inmigratorio de la Argentina y que los colectivos sociales habían respondido más a su colectividad que al estado. Y a lo mejor esto tiene influencia. Esto es muy real, es para estudiarlo… Cuántas preguntas a los abuelos. Y mis dos hijos que son porteños, que se llaman Waisman, tienen una abuela italiana, una abuela gallega, un abuelo judeo-alemán y la abuela judía rusa.

En este sentido cuando indagamos cómo se articula el concepto de nación con el de la convivencia de diferentes identidades, y las diferencias con EEUU y Europa Liliana Barela afirmó: “Bueno, esas son construcciones nacionales diferentes a la que tuvimos nosotros. En los Estados Unidos tienen minorías que ya son mayorías en su propio territorio. Lo mismo pasa con los franceses, que quién discute la nacionalidad francesa, pero si siguen sin tener hijos van a ser todos marroquíes… ¿O sea de qué vamos a estar hablando en 20 ó 30 años?”

Maronese agregó: “Yo creo que los argentinos no eran afectos a sacar la ciudadanía pero no sé, tendría que investigarlo. La falta de apego a las leyes, a las normas, un estado que se ha desflecado, que no existe, que se ha desfondado. Yo creo que hay un debilitamiento del estado-nación que es general, que a los argentinos algo nos pasa con eso. A lo mejor tiene que ver con estas solidaridades a la propia colectividad y no a algo superior. Es un tema que me desvela y que me gustaría estudiarlo. La verdad que tengo un montón de preguntas. Estamos en una época de tanta crisis que uno tiene más preguntas que certezas”.

P- Qué interesante para los que estamos en Historia Oral como para abordar estas temáticas...

R: Muy interesante -respondió Barela-, estamos trabajando para el 25 de mayo del 2010, para el bicentenario. Estamos haciendo registros de cómo se celebraba el 25 de mayo en diferentes momentos de la historia.

Había concluido la primera mesa y nos acercamos a la expositora Alicia Bernasconi, secretaria general del CEMLA, quien para responder sobre la inmigración italiana, la nacionalidad y las preguntas que surgieron en el recinto sobre el voto o la ciudadanía, señaló: “Un amigo mío, el historiador José Moya, decía que los argentinos se preocupan demasiado por el tema de la identidad y que no tienen identidad y él dice: ´nosotros los vemos de lejos y decimos allá viene un argentino´. La identidad argentina tiene esa peculiaridad de cierto cosmopolitismo, que a mi juicio es lo más beneficioso que le ha pasado si uno mira el resultado de lo que ha sido esta sociedad como integración de flujos provenientes de distintos lados. No completa, porque hoy estamos rechazando, hoy no hay esa actitud integradora con respecto a los migrantes latinoamericanos que recibimos. Tampoco completa porque en su momento los europeos fueron muy discriminadores con el criollo también”.

P- Más allá de estos rasgos de complejidad propios de la diversidad, ¿cómo percibe el presente?

R- En el núcleo urbano, ya no es una opinión académica –aclara-, a mí me gusta esta sociedad argentina donde todo el mundo se mezcla, donde mis hijos pueden contar entre sus antepasados españoles, italianos, polacos, y ucranianos, entonces a mí me gusta esa sociedad, esta es una opinión de alguien que vive y que quiere vivir en un mundo así.

Buenos Aires, 8 de octubre de 2008.
Carlos Szwarcer © 2008.

Fotos

Foto 1: Lic. Leticia Maronese

Foto 2: cartel del evento

Foto 3: Alicia Bernasconi junto a la Lic.Liliana Barela

Para Orbe Quince

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Los retoños sefaradíes de Buenos Aires

2008-08-30T12:29:00.019-04:00

"Los retoños sefaradíes de Buenos Aires"

- Sobre la Jornada 'Buenos Aires Sefaradí', desarollada el día 4 de agosto de 2008 en la Manzana de Las Luces, antigua Sala de Representantes. Buenos Aires, Argentina -

Por Carlos Szwarcer

Cada día sale el sol. La rutina de la gran ciudad nos lleva a pensar que aún con el paso apresurado del tiempo nada cambia demasiado. Y no es así. ¿Cuánto ha pasado desde nuestra niñez? Un soplo. Y mejor ni preguntarse cuánto han cambiado las cosas desde entonces. Resistirme a creer que los orígenes se desvanecen deja un ritmo de tambores desacompasados golpeando en mi corazón.

En la tarea de tomar testimonios muchas veces pensé, con desazón, que las voces del presente sólo eran anacrónicos y desesperados ramalazos del ayer tironeados desde el presente. ¿Qué podía esperar si los que brindaban sus historias con apasionamiento descreían sobre el futuro del legado de sus ancestros? ¿El anhelo por retener la tradición -bellas y coloridas mariposas-, no sería, acaso, una trasnochada quimera?

Pero poco me importó lo que vaticinaran las investigaciones sobre el futuro de las tradiciones en un mundo globalizado, ni lo que la razón me dictara. Fue más fuerte la intención de que “algo” de aquellos remotos días perduraran y de que las costumbres de nuestros abuelos no se convirtieran en polillas fosilizadas lo que, al fin, me guió con cierto instinto atávico. Vaya a saber qué me habrá hecho tan empecinado. ¡Por suerte!

En los claustros había escuchado: “…de nada sirve el ´saber´ si lo guardamos para nosotros. Sólo tiene valor y sentido nuestro esfuerzo cuando comunicamos lo sabido”. Estas palabras, más o menos, me signaron. Y de aquellas horas desesperadas por ordenar y articular centenares de metros de cintas de casetes con “retazos de vidas” capturados por prehistóricos grabadores, quedaron, aunque más no sea, algunas reflexiones hilvanadas, textos pergeñados en días tormentosos, en noches de insomnio, intentando recrear palabras, dichos, refranes, sabores, olores, imágenes de cinco siglos, de ayer no más.

Esta obsesión por preservar y divulgar me ubicó en espacios más amplios que el de las serenas y cristalinas aguas de la identidad. Si bien, de algún modo, la variedad ya había estado presente en el universo de mi primer vecindario, extendí las alas y crucé los suburbios, más allá del linaje de la casa paterna, allí donde se acentuaban los matices y las diferencias. Estalló la diversidad que enriqueció mi cosmovisión.

¿Quién no tiene dudas? La incertidumbre aplasta o moviliza. El conocimiento de otras realidades lejos de menguar mi pertenencia al pasado familiar, la afianzó. Aunque las palabras de los sabios me señalaban que “una generación pasa y otra… y todo es vanidad de vanidades…”, seguí adelante descubriendo que también en los laberintos de la vida están la búsqueda y los momentos de felicidad. Aprendí que desentrañar el pasado esclarece el presente y que los mejores lugares para encontrarse con uno mismo pueden estar allí donde brilla lo heterogéneo. Así pues anduve batallando por tan diversos parajes del espíritu, por senderos transitables a fuerza de un puñado de convicciones que me sostuvieron.

En estos últimos años, convocado por el Ministerio de Cultura, encontré espacios adecuados para participar en temas relacionados con el patrimonio cultural tangible e intangible que conforman el rompecabezas de la idiosincrasia porteña. Dar a conocer hitos históricos barriales, instar al reconocimiento y la protección de varios sitios paradigmáticos fueron parte de las acciones promovidas.

Exponer el portentoso patrimonio cultural de Buenos Aires marcado por la pluralidad se potenció en estos últimos años por la gestión de funcionarios del área cultural que hicieron hincapié en las inmigraciones. Se organizaron, a tal efecto, actividades y jornadas: Buenos Aires Gallega; Gitana; Idish; Negra; Boliviana… Y llegó el turno de los sefaradíes.

La Jornada “Buenos Aires Sefaradí”, que se desarrolló en la Manzana de Las Luces, en la antigua Sala de Representantes de la Ciudad de Buenos Aires, transcurrió en doce horas que vigorizaron el espíritu. La metodología científica de los especialistas convivió en una atmósfera mágica, casi ritual, con la vital expresión de la cultura popular “in situ”. La sapiencia y la experiencia de vida de nuestros mayores junto a la participación de la juventud. Fue todo enriquecedor, aún las molestas dificultades técnicas que sirven para recordarnos que somos seres humanos presos, a veces, de la avanzada tecnología.

Me asombró, como la primera vez, “Sefarad”, la historia sefaradí, la expulsión, la búsqueda de nuevos hogares, el Mediterráneo sembrado de djidios (judíos sefaradíes), la llegada a la Buenos Aires cosmopolita. La presencia en los barrios, el despliegue de las tradiciones, el humor, la gastronomía, así como la pesadumbre y el horror del Holocausto transmitido en el testimonio de un sobreviviente que rehizo su vida construyendo su familia en esta ciudad en la que encontró “su lugar en el mundo.”

La mejor consecuencia de mi humilde actividad como coordinador general de este encuentro quizás haya sido que la variedad de las temáticas y la participación de distintas generaciones sedujeron a un público heterogéneo que siguió con interés la propuesta. Refranes admirablemente resguardados, compilados y expresados con sabiduría y sentimiento y la presencia poco común de jóvenes, mostraron que a pesar de tantas dificultades hay historia y sangre nueva de docentes y alumnos trabajando por conocer los orígenes, tomar testimonios, preservar la identidad. ¡Excelente! Eso soñé…

La vasta cultura judeo-sefaradí que se exhibió tuvo también un final soñado: luego de la amplia gama del abanico de costumbres, un cierre con la música y las canciones típicas que coronaron un día inolvidable.

En esta Jornada, organizada en el ámbito del Ministerio de Cultura por la Dirección General de Patrimonio e Instituto Histórico y la Comisión para la Preservación del Patrimonio Histórico Cultural de la Ciudad de Buenos Aires, lució la singularidad sefaradí en un espacio común de nuestra sociedad como parte de la esencia multicolor de esta ciudad.

Buenos Aires. Agosto de 2008.
Carlos Szwarcer © 2008.
http://www.cronoscultural-arg.galeon.com/

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Fotos:
De arriba hacia abajo:
1- Mesa: [de Iz a Der] María Cherro de Azar, Laura Benadiba, José Menascé, y Carlos Szwarcer.

2- Eleonora Noga Alberti cantando junto a Mario Kirlis y su orquesta Oriental

3- Imágen de jóvenes: Daniela Lin, Abigail Felstein, Yessica Wecjman, Giselle Arena.

4- Vista del recinto de la antigua Sala de Representantes donde se desarrolló la Jornada.( Imagen gentileza Dir. Gral. de Patrimonio e Instituto Histórico de la Ciudad de Buenos Aires).

5- Cartel de evento

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Científicos alemanes descubren un cuadro oculto de van Gogh

2008-08-09T11:28:00.004-04:00

Bajo el verde de "Grasgrond", uno de los cuadros Vincent van Gogh, el pintor holandés había ocultado el retrato de una mujer. Un grupo de científicos descubrió la figura con ayuda de una novedosa técnica de rayos X.

Centro Alemán Sincrotrón de Electrones es el curioso nombre que se comprime en las siglas DESY. Y DESY, el centro más importante de Alemania dedicado a la investigación de la física de partículas, se ha puesto al servicio del mundo de la cultura.

Armados con una novedosa técnica de rayos X, un grupo de científicos del DESY con sede en Hamburgo se trasladó al museo de arte Kröller-Möller de la localidad holandesa de Otterlo con la intención de desvelar hasta el último secreto oculto tras la pintura Grasgrond del maestro Vincent van Gogh.

Con calidad fotográfica

Van Gogh, como otros muchos pintores a los que la fama, y el dinero, les llegó demasiado tarde, solía reciclar sus lienzos. No es curioso encontrar cuadros repintados entre su obra, y ya en diciembre del año pasado a los investigadores del DESY les llamó Grasgrond la atención.

“Primero hicimos unas radiografías normales y gracias a ellas supimos que debajo de Grasgrond había algo”, cuenta Wolfgang Drube, del DESY. “La radiación a la que hemos sometido ahora al cuadro es unas 10.000 veces mayor a la de los rayos X comunes que usa, por ejemplo, la medicina, y tan fina como la mina de un lápiz”, continúa.

Ese “algo” del que encontraron indicios los científicos era el retrato de una mujer, que adquiere tras las últimas radiografías cuerpo y detalles. “Al someterla a la radiación, la materia reluce. Hemos medido cada uno de los puntos de esa fluorescencia y, puesto que se corresponden con un elemento químico, nos han aportado información sobre los pigmentos de color utilizados”, explica Drube.

Un ordenador se encargó entonces de analizar cada uno de esos pigmentos y componer con ellos una imagen de 17,5 por 17,5 centímetros con la calidad de una fotografía. En ella pudo observarse la imagen de la dama retratada por Van Gogh antes de decidirse a dedicar esa superficie a un paisaje.

Entender a van Gogh

“Esta técnica nos abre todo un abanico de nuevas posibilidades”, asegura Drube. Van Gogh pintó el prado de Grasgrond en 1887 cuando residía en París. Los expertos del DESY creen que al menos un tercio de los cuadros del holandés ocultan otras pinturas tras de sí. Con estas reconstrucciones, a los historiadores de arte les resultará más fácil la labor de entender y conocer la evolución artística de van Gogh en todas y cada una de sus fases.

Agencias/ lb

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Vender la vida para comprar carburante

2008-07-20T15:12:00.003-04:00

Por José Carlos García Fajardo

“Mientras siga muriendo gente de hambre, no es sensato que utilicemos grano en nuestros motores”, declaró el investigador Pablo Vera, del Instituto de Biología Molecular y Celular de las Plantas, dedicado a la búsqueda de biocarburantes independientes del sector alimentario.

Añade que no deberíamos permitir que la tecnología de primera generación, como el bioetanol, se convierta en sustituto de la gasolina, que se obtiene de los cereales. La escalada especulativa de los alimentos es debida a los intermediarios, los lobbies y los mercados financieros que están especulando con las materias primas. Es absurdo vender la vida para comprar carburante.

Los biocombustibles de primera generación necesitan grano, el mismo del que salen las barras de pan y las tortillas de maíz. Necesitamos sacar energía de los cultivos de la madera. Pero no se puede decir de la noche a la mañana “voy a degradar la celulosa de la madera en glucosa para sacar etanol”. Queremos biocombustibles ya, de bajo precio y sin investigación. Y eso no puede ser.

Lo más obvio, reducir nuestras “necesidades” de velocidad y no someternos al imperio de las máquinas no se toma en consideración. Vamos deprisa a ningún sitio. Corremos enloquecidos dentro de un laberinto.

El informe Evaluación Económica de las políticas de apoyo a los biocombustibles, estima que subvencionar y promover el oro verde resulta muy caro, no contribuye a la seguridad energética, reduce sólo muy poco las emisiones de CO2 y propulsa el incremento de los precios de la alimentación en el planeta.

Los biocarburantes eran presentados hace una década como una triple solución a la inestabilidad crónica del suministro de petróleo, a las emisiones de gas con efecto invernadero y a los bajos ingresos de las familias de agricultores. Pero la OCDE opina que las políticas que Estados Unidos, Canadá y la Unión Europea han puesto en marcha desde hace casi diez años para promover el biocarburante tiene efectos negativos por ese inmenso aparato de subvenciones, mandatos, precios subsidiados y desgravaciones fiscales.

Los técnicos reconocieron que habrá que comprobar si las investigaciones sobre una segunda generación de biocarburantes dan resultados, mientras que reconocieron que el etanol sacado de la caña de azúcar en medios tropicales ya es eficaz, pero no transferible a otros países porque provocarían desertización y hambre.

Por ello sugieren que se supriman las subvenciones al cultivo de cereales, remolacha u oleaginosos para carburante en Estados Unidos, la Unión Europea y Canadá, sustituyéndola por una liberalización de importaciones de biocarburante tropical. Aunque con el riesgo de incrementar las superficies de cultivo, que contribuiría a destruir más selva primaria tropical.

Es más barato reducir el consumo de energía, sobre todo en el sector de los transportes, que sustituir unas fuentes por otras, por lo que pide mayores esfuerzos en este sentido. Ayudará también mejorar la investigación, tanto en el sector de los biocarburantes como en el de la energía solar, las pilas de hidrógeno y otras tecnologías prometedoras.

Sin embargo, España, donde los biocarburantes suponen casi el 2% de los combustibles usados en el transporte, culpa a las petroleras de la campaña contra el biocarburante y niega que sean la causa del encarecimiento de los alimentos.

El número de personas que pasan hambre en el mundo aumentó en 133 millones en 2007, según el Departamento de Agricultura de Estados Unidos; 849 millones de personas ya sufren la escasez. El precio del arroz ha subido un 70% en un año, el del trigo se ha duplicado y el del maíz ha subido un 25% en dos meses.

La Agencia Europea de Medio Ambiente considera que no está claro que los biocarburantes mitiguen el efecto invernadero y sí que deforestan bosques tropicales; el FMI afirma que son los principales culpables del alza de los alimentos. Pero el Gobierno español insiste: “Los alimentos han subido por el alza continua del petróleo y porque los últimos años ha habido muy malas cosechas en grandes productores, como Australia o Ucrania”. Lo cual sólo es cierto en parte, pues la especulación es la mano que mece la cuna y expande la muerte.

España importa un 83% de la energía que consume y los biocarburantes son una de las pocas fuentes autóctonas. Por último, dicen que permiten mantener la agricultura y recuperar cultivos como la remolacha y el girasol y mantener la población rural.

Los defensores de los biocarburantes exponen que hay alimentos, como el arroz, que se encarecen pero que no sirven para fabricar biocombustibles.

Los ecologistas, partidarios de los biocarburantes, piden ahora que se reconsidere el objetivo.

Los expertos creen que en el futuro los biocarburantes tendrán que proceder de algas o de residuos orgánicos para no interferir en la alimentación. Pero los intereses financieros y de las petroleras pretenden beneficiarse todavía más de sus inversiones antes de dedicar sus esfuerzos a conseguir nuevas tecnologías que no contaminen tanto la atmósfera y que ayuden a paliar los efectos del hambre en el mundo.

José Carlos García Fajardo
Profesor Emérito de la Universidad Complutense de Madrid (UCM)
Director del CCS
fajardoccs@solidarios.org.es

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Tecnología: YouTube, lo más buscado en Google por los españoles este año

2007-12-26T09:17:00.000-04:00

ELMUNDO.ES

MADRID.- El top 10 de las búsquedas realizadas por los españoles en Google en 2007 está encabezado por las redes sociales, con la popular página de vídeos YouTube en el número uno, según informó el buscador.

Tras la página propiedad de Google se encuentra se encuentra la red social Badoo, creada en 2006 y que actualmente cuenta con alrededor de 12 millones de usuarios registrados. En la tercera posición está eBuddy, una página web de una compañía holandesa, que proporciona servicios de mensajes instantáneos, tales como MSN Messenger, AIM o Google Talk.

La popular página Fotolog está en la cuarta posición. Con alrededor de 12 millones de usuarios registrados, es, de largo, la comunidad de fotoblogs más grande de Internet.

La página de perfiles Hi5 está sexta, mientras que en la séptima posición se encuentra la red social MySpace, en la octava la enciclopedia 'online' Wikipedia y en la novena el término compraventa.

En el top 10 de búsquedas, conocido como Zeitgeist, se han colado dos series españolas de televisión, 'Yo soy Bea' de Telecinco, en la quinta posición y 'El Internado' de Antena 3, décimo.

Paulina Rubio y el divorcio express
Además, Google también ha hecho pública unas clasificaciones añadiendo ciertas palabras de referencia, como premios, fiestas, festivales, dietas, bodas o divorcios. El premio más buscado ha sido los Goya, en fiestas gana las fiestas del Pilar, el festival ha sido el Festimad, mientras que la boda y el divorcio más buscados han sido la boda de Paulina Rubio y el divorcio express respectivamente.

Como hecho curioso, Google explicó que "cabe comentar que el 25% de las búsquedas que se reciben en un día cualquiera son nuevas, es decir, que no se han visto antes".

Hace unas semanas, la compañía también hizo pública la lista de los términos más buscados en Google en Estados Unidos este año. La lista la copan la tecnología y el entretenimiento, con el iPhone de Apple en el número uno. En la lista también se encontraban Webkinz, TMZ, YouTube, MySpace o Facebook.

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'Cuaderno de MATERIALES' UCM [Filosofía y Ciencias Humanas] Novedades

2007-12-15T13:02:00.002-04:00

http://www.filosofia.net/materiales//portada.htm

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Bajo el mismo cielo

2007-11-23T13:01:00.000-04:00

“Me pregunto si habría una forma de comprar un trozo de desierto en Egipto para esa gente que nos avergüenza; tendrían que asignarles los trabajos más duros”, declaró el Ministro de Exteriores de Rumania, Adrián Cioroianu, en una televisión estatal para mostrar su rechazo a la etnia gitana.

El carácter incendiario de esta intervención avivó la polémica suscitada por un decreto aprobado por el Gobierno italiano, con el que se permitiría expulsar a los ciudadanos de la Unión Europea (UE) considerados peligrosos, en referencia clara a los rumanos afincados en Italia. Las palabras del ministro achacan a la minoría romaní, tan sólo un millón y medio de los 20 millones de habitantes que residen en el país, la mala imagen que Rumanía proyecta en el exterior.

Los políticos italianos respondían mediante esta disposición al cruel asesinato de una mujer a manos de un inmigrante rumano de origen gitano, que tenía la intención de robarle el bolso. La iniciativa ideada por Walter Veltroni, actual alcalde de Roma y probable sucesor de Prodi en la presidencia del consejo de ministros, no ha dejado indiferente a nadie. Las réplicas no se han hecho esperar desde los países y organismos implicados en el conflicto. La más inmediata fue la reunión de urgencia que tuvo lugar en Roma entre el primer ministro rumano, Calin Popescu Tariceanu, y su homólogo italiano.

Tras este encuentro, en el que se trató de abordar de manera conjunta la crisis que ha afectado a la comunidad rumana asentada en Italia -más de medio millón de personas-, las aguas han vuelto a su cauce en un río muy agitado por el ambiente preelectoral en el que viven los italianos. Así, tras la advertencia de la Comisión Europea de Justicia, que dictaminaba que toda expulsión de un ciudadano de un Estado miembro de la Unión Europea debe ser individual y apelable ante la justicia, el Gobierno encabezado por Giorgio Napolitano ha suavizado su postura y las expulsiones serán puntuales.

Prodi y Tariceanu se pudieron de acuerdo para formar una fuerza policial conjunta y por la petición a Bruselas de fondos estructurales para la creación de programas de integración social para los inmigrantes sin recursos dentro de la UE. Esta aproximación política será el clavo ardiendo al que se tendrán que agarrar los más de dos millones de rumanos que viven en el extranjero, el 10% de la población. Una presencia que desde el uno de enero, fecha en la que Rumanía pasó a formar parte de la UE, se ha multiplicado en países como España y la propia Italia debido a la libre circulación de la que disfrutan los ciudadanos comunitarios.

En Rumanía el sueldo base, según datos de Eurostat, es de unos 300 euros brutos al mes; mientras el salario medio de un trabajador en la UE es de 2.041 euros. La renta por habitante apenas alcanza el 30% de la media comunitaria. La desigualdad económica ha dado como resultado una desbandada de ciudadanos rumanos hacia otros países en busca de condiciones de trabajo más favorables. Desde la caída del comunismo en 1989, uno de cada diez rumanos ha abandonado el sureste europeo en busca de una vida mejor.

La iniciativa de Veltroni en Italia o las palabras xenófobas de Cioroianu, que no ha sido relevado de su cargo, le han devuelto la vida a los fantasmas de la intolerancia de la vieja Europa. Los gitanos son ahora lo que en décadas anteriores fueron los judíos o incluso los masones: víctimas de la segregación social y cultural de los pueblos. Europa vuelve a tropezar con las mismas piedras que en América oprimieron a los indígenas o que en África Central edificaron el genocidio de Ruanda entre tutsis y hutus.

Los prejuicios y los estereotipos continúan siendo parte activa de una Europa que aspira a ser un “espacio común” pero que todavía no comprende que todas las razas, pueblos o religiones respiran y conviven bajo el mismo cielo.

David Rodríguez Seoane
Periodista
CCSolidarios

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El rockero que merece un Nobel

2007-10-15T13:19:00.000-04:00

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Aunque no se considera a sí mismo un poeta, el autor de "Blowin in the Wind" es uno de los mayores virtuosos de la lengua inglesa del siglo XX y de lo que va del XXI. Con años de retraso --salvo por algunas excepciones notables-- los académicos y los críticos literarios reconocieron ese talento, y en 1996 comenzaron a llegar, desde Estocolmo, las primeras noticias sobre la candidatura de Dylan al máximo premio de la literatura.

Por Pablo Gianera

"No me llamo poeta porque no me gusta la palabra. Soy un artista del trapecio", le contestó Bob Dylan a Nora Ephron en una entrevista de 1965. No había en la respuesta soberbia disfrazada de pudor sino, más bien, la comprensión definitiva y temprana de que, como en el famoso cuento de Franz Kafka, el individuo que practica un arte no necesita otra cosa que su instrumento, un entrenamiento intransigente y un instinto imperioso.

Dylan es más y menos que un poeta: es un artista. Un acróbata temerario de las palabras. Y, sin embargo, salvo por algunas excepciones notables, tardaron mucho los académicos y los críticos literarios en percatarse de que ese hombre desdeñoso y reticente, insoportablemente genial, de formación azarosa y plagiado por músicos de dudosa reputación era uno de los mayores virtuosos de la lengua inglesa de todo el siglo pasado y de lo que va del XXI.

Sin ir más lejos, las primeras noticias acerca de la candidatura de Bob Dylan al premio Nobel de Literatura empezaron a llegar recién hacia fines de 1996, cuando se organizó en Estocolmo un comité de campaña, apoyado, desde los Estados Unidos, por el poeta Allen Ginsberg -miembro además de la American Academy of Arts and Letters- y Gordon Ball, profesor de la Universidad de Virginia. En su justificación, Ginsberg afirmaba: "Dylan es uno de los más grandes bardos y juglares norteamericanos del siglo XX y sus palabras han influido en varias generaciones de hombres y mujeres de todo el mundo".

Y Ball, por su lado, escribió: "Aunque es conocido como músico, sería un grave error ignorar sus extraordinarios logros en el campo de la literatura. Dylan ha devuelto la poesía de nuestra época a su transmisión primordial a través del cuerpo, revivió la tradición de los trovadores. Su obra excede los límites de la cultura popular". Ambos comentarios eran tan precisos como protocolares. Desde entonces, su nombre ha rodado por los escritorios nórdicos. A esta altura de las cosas, Dylan no necesita ese premio. Recibió ya distinciones variopintas, desde el Oscar por la canción "Things Have Changed" (incluida en la película Fin de semana de locos ) hasta, en junio de este año, el Príncipe de Asturias de las Artes ("es una de las máximas figuras de la canción, en la que combina, de una manera magistral, la belleza de su poesía y su compromiso ético", fue el dictamen del jurado) pasando por varios Grammy.

Además, en los últimos ocho años grabó tres de los discos más rotundos de su carrera: Time Out of Mind (1997), Love and Theft (2001) y Modern Times (2006). Mientras tanto, se puso a la venta hace una semana un disco triple antológico, que recupera 51 de sus canciones más relevantes, se espera el primer remix de uno de sus temas ("Mostly Likely You Go Your Way (And I ll Go Mine)", se editó localmente en DVD Don t Look Back -el documental de D. A. Pennebaker que registra una gira por Inglaterra del año 1965- y se presentó en Venecia la película biográfica I m Not There (ver nota en página 13). Y, acaso lo más importante de todo, también este mes las editoriales Global Rhythm y Alfaguara acaban de publicar en España (el volumen llegará a Buenos Aires en diciembre) Letras 1962-2001 , puntual edición bilingüe, en traducción de Miquel Izquierdo y José Moreno, del equivalente en inglés Lyrics 1962-2001 .

A los sesenta y seis años, sigue siendo el más contemporáneo de nuestros contemporáneos. No sería exagerado decir que si Bob Dylan no hubiera existido, el mundo sería un lugar radicalmente distinto, tal vez menos rico, seguramente más desamparado. "Algunos dicen que soy un poeta" La transformación de Robert Allen Zimmerman -el nombre con el que nació el 24 de mayo de 1941, en Duluth, un pueblo al norte de Minnesota- a Bob Dylan, el nombre con el que eligió identificarse por primera vez en Twin Cities, implicó mucho más que un fenómeno de nominación: marcó el nacimiento de su identidad como poeta.

El hecho de que tomara prestado el nombre de otro poeta, el inglés Dylan Thomas (un dato que siempre refutó con escasa persuasión) y que esa elección tuviera lugar en un arrabal de los Estados Unidos impone un emblema certero a cuya tentación resulta difícil no ceder: la del antropófago dispuesto a deglutir materiales culturales de diversas procedencias y a ignorar las excluyentes distancias entre lo alto y lo bajo. Dylan fue el primer poeta cuya voz habló multiplicada en miles de bares por los parlantes de los juke boxes .

Como dijo Allen Ginsberg: "Fue un riesgo artístico tentar si el gran arte podía enlatarse en un juke box . ...l probó que eso era posible". Las canciones son objetos tridimensionales: comprenden la palabra, la música y la voz. Pero Dylan advirtió siempre que lo importante de sus canciones eran las palabras y, en segundo lugar, la música. "Hace mucho tiempo que escribo canciones, y las letras de las canciones no las escribo simplemente para cubrir el expediente, las escribo para que se puedan leer. Si se le quita aquello que es propio de la canción -el ritmo, la melodía- todavía las puedo recitar", explicó a mediados de la década del sesenta. ¿Por qué los poemas que hacen las canciones de Dylan son tan buenos? Esa es la pregunta que se hizo, y respondió con imbatible maestría, el crítico inglés Christopher Ricks -profesor, aunque ya retirado, de las universidades de Cambridge y Boston- en Dylan s Visions of Sin , el libro más brillante que se haya escrito sobre las letras del autor de "Blowin in the Wind".

En línea con los requisitos de otro crítico, William Empson, Ricks se propone no tanto constatar que los poemas son buenos sino mostrar cómo es que llegaron a serlo. A lo largo de la visita apasionante a los siete pecados capitales que propone el título, Ricks teje un entramado de las citas -deliberadas o involuntarias- y de las referencias ocultas que recorren, como vetas, sus poemas, desde John Donne y Lord Byron hasta Philip Larkin. Dylan posiblemente sea uno de los poetas en lengua inglesa con mejor oído desde el victoriano Alfred Tennyson y, como observa agudamente Ricks, uno de los grandes rimadores de la historia de la literatura en su lengua. Los ejemplos son numerosos, pero bastaría decir que los pares skull ("calavera") y Capitol ("Capitolio"), de la canción "Idiot Wind" en el disco Blood on the Tracks (1975), sense (aquí "sentido común") y coincidence ("coincidencia") de "It s All Over Now, Baby Blue", o crave ("deseo") y grave ("tumba"), de "Someday Baby" en Modern Times exceden por completo las meras exigencias de consonancia de un canción y arman unidades de sentido tan asombrosas como imprevistas, hechas de la colisión productiva entre el sonido y el sentido.

Precisamente Larkin, que solía escribir una columna sobre jazz en el Daily Telegraph en la que cultivaba su intolerancia para cualquier música posterior a los años veinte, tuvo la perspicacia de comentar elogiosamente Highway 61 Revisited (1965) y de asegurar: "Hay un larguísimo tema, ´Desolation Row , cuya melodía es encantadora y que probablemente tenga una letra inaudible y misteriosa porque se limita a murmurarla". Dylan sabía maniobrar con los énfasis entre el sonido y el sentido. Sabía qué palabras debían pronunciarse y por qué. "Un poema es una persona desnuda. Algunos dicen que soy un poeta", escribió en las notas a Bringing It All Back Home (1965).

Iluminaciones

Dylan encontró desde muy temprano -sobre todo desde The Freewheelin Bob Dylan (1963), su segundo disco- la llave maestra para convertir su vida en una obra de arte, aunque sin incurrir en la poesía confesional. Acaso la vida de un hombre resulte insuficiente para explicar su obra, pero es seguro que la obra de un artista puede explicar su vida. La maduración de Dylan como poeta fue supersónica.

Hasta que la fama le estalló en la cara, su poética avanzó con la velocidad de un quasar. Bringing It All Back Home , Highway 61 Revisited y Blonde on Blonde (1966) son la secuencia anfetamínica de ese movimiento. Dylan se comportó siempre como un quintacolumnista del pasado. Nunca se demoró en los dobleces de su propia historia; en cambio, se ocupó de encontrar y crear afinidades entre tradiciones disímiles. Con palabras y músicas que muchos habían leído y escuchado antes, armó una constelación de escandalosa singularidad.

Hay aquí desajuste cronológico mínimo pero no menor: los letristas de rock de los sesenta, John Lennon y Paul McCartney incluidos, se formaron con los textos de Dylan, pero Dylan no se formó con las letras de rock sino con el blues, el folk y la poesía moderna. En Crónicas , el libro fragmentario de memorias que publicó en 2005, Dylan cuenta el modo minucioso en que estudió, por ejemplo, las canciones de Robert Johnson, el cantante de blues rural de los años treinta, casi completamente olvidado a comienzos de los sesenta: "Copié las letras para examinar con detenimiento la construcción, la asociación libre que usaba, las luminosas alegorías, las verdades envueltas en la abstracción del sinsentido". Dylan conocía ya en profundidad las largas tiradas de versos parecidas a sermones del cantante folk Woody Guthry, su ídolo de juventud.

A la alquimia le faltaba un único elemento, que llegó por mera coincidencia o como un azar travestido en destino. Suze Rotolo, su novia de los sesenta, la misma chica que aparece en la tapa de Freewheelin , lo introdujo hacia 1961 en la obra del poeta francés Arthur Rimbaud, sobre todo Una temporada en el infierno y las "Cartas del vidente". "Todo tenía sentido", explica Dylan. "Ojalá alguien me lo hubiera mencionado antes". Rimbaud fue el reactivo que hizo posible la condensación imaginaria del folklore de Guthry y los blues de Johnson con la prosa espontánea de Jack Kerouac, otro de los nombres decisivos en la educación artística de Dylan, especialmente en su manera de escribir a golpes de sueños o iluminaciones, sin volver nunca atrás. El procedimiento era claro. Como él mismo dijo: "Escribo siguiendo cadenas de imágenes".

En este sentido, la electrificación musical de Dylan -tan deplorada en su momento y entendida como una traición al folk- fue, además del efecto del espíritu de los tiempos, una demanda inmanente de los textos. Era el pensamiento de Dylan, antes que los instrumentos que usaba, aquello que se había vuelto eléctrico. Las palabras acarrearon el sonido y el timbre de los instrumentos. El relato que arman muchas de sus canciones no progresa según las consecuciones de la retórica. "Tengo ideas y las escribo, nada más", dijo en alguna de esas conferencias de prensa de los años sesenta, verdaderas performances de la provocación en las que desnudaba, con respuestas a contrapié, la inepcia de los cronistas.

Dos grandes líneas recorren la poesía de Dylan. Una, vinculada al folk, pero también al poema Kaddish de Ginsberg, acumula historias y episodios. La cantante Joni Mitchell observó una vez que Dylan instalaba mesetas melódicas para extender sobre ellas una narración completa. Así funcionan, entre otras canciones, "A Hard Rain s A-Gonna Fall", o "Highlands" incluido en Time Out of Mind (1997). Otra, más cercana a Rimbaud, es la que moldea "Visions of Johanna", canción del disco Blonde on Blonde (1966) en la que las estrofas acumulan secuencias de imágenes engarzadas por conexiones subterráneas o virtuales. Otra cosa es la religión. La entonación mística de muchas de sus canciones procede de William Blake, pero, sobre todo, de la Biblia. La relación de Dylan con la Biblia fue compleja y viró del interés literario a la conversión religiosa.

Hacia fines de la década de 1970, abandonó la religión judía -a la que retornó sin embargo últimamente-, abrazó el cristianismo ("Jesús me tocó el hombro y acepté su invitación", explicó) y grabó Slow Train Coming (1979) y Saved (1980), discos con letras de encendida devoción y débil poderío poético que, sin embargo, se leen como el testimonio de una experiencia y preceden a la resurrección lírica de Oh Mercy (1989).

Criptógrafo consumado, Dylan cifra las lecturas y la biografía en cada una de sus letras. En la apocalíptica "Not Dark Yet", canción que Ricks vincula inteligentemente con la "Oda a un ruiseñor" de John Keats, se lee el verso: "Detrás de toda belleza hubo siempre algún dolor". No habrá una descripción más perfecta, y a la vez más innecesaria, de Planet Waves (1974) y Blood on the Tracks , discos conmovedores en los que convirtió en drama su divorcio con Sara Lownds.

Esos versos son autónomos, con un sentido volátil que espera ser completado. Y el enigma no se menoscaba al saber, por ejemplo, que "el caballo de Paul Revere" mencionado en "Tombstone Blues" es en verdad un saludo al poema "The Landlord s Tale: Paul Revere s Ride" de Henry Longfellow. La ambigüedad es, para el poeta, una estrategia de la supervivencia. Los poemas de Dylan son irreductibles. No se les puede dar jaque mate porque se salen siempre del tablero. Como toda la poesía que vale la pena recordar, sus versos son talismanes. Los arabescos de las palabras siguen diciendo algo cuando se pensaba que ya lo habían dicho todo. Algo semejante ocurre con el hombre que los escribió.

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Gianera De la Redacción de LA NACION

Bs. As., Argentina/ 13 de octubre de 2007

Fuente: Fil-en-Dom, Santo Domingo, Rep. Dominicana

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El fin de la utopía multicultural

2007-10-14T21:26:00.001-04:00

Según el politólogo estadounidense Francis Fukuyama, el fracaso de la integración de los musulmanes en Europa es una bomba de tiempo que ya ha contribuido al terrorismo y puede llegar a convertirse en una amenaza para la democracia

Por Francis Fukuyama

Las modernas sociedades liberales de Europa y América del Norte tienden a tener una identidad débil; muchas celebran su pluralismo y multiculturalismo, afirmando que su identidad consiste, de hecho, en no tener identidad. Pero la identidad sigue existiendo en todas las democracias liberales, aunque con diferente carácter en América del Norte y en los países de la Unión Europea.

Según Seymour Martin Lipset, la identidad estadounidense siempre ha sido de naturaleza política, ya que los Estados Unidos nacieron de una revolución contra la autoridad estatal basada en cinco valores fundamentales: igualdad, libertad (o antiestatismo), individualismo, populismo y laissez faire .

La identidad estadounidense está arraigada en las diversas tradiciones étnicas, particularmente en la que Samuel Huntington definió como la cultura "angloprotestante", de la cual derivan la famosa ética protestante del trabajo, la tendencia al asociacionismo voluntario y al moralismo en política. Estos aspectos clave de la cultura estadounidense se encuentran distantes de sus orígenes étnicos a principios del siglo XXI, y se han convertido en patrimonio de la mayoría de los nuevos estadounidenses.

Después de la Segunda Guerra Mundial, en Europa cundió un intenso esfuerzo cuyo propósito era crear una identidad europea "posnacional", pero muy pocos la consideraron genéricamente europea. Con el rechazo de la Constitución europea en Francia y en Holanda en el referéndum de 2005, los ciudadanos manifestaron claramente que no están dispuestos a renunciar al Estado y a la soberanía nacional. La vieja identidad nacional europea subsiste, y la población conserva un fuerte sentido de lo que implica ser inglés, francés o italiano, aunque no sea políticamente correcto afirmar tal identidad. La identidad nacional en Europa, comparada con la identidad en los Estados Unidos, continúa basada sobre los aspectos étnicos.

La mayor parte de los países europeos tiende a concebir el multiculturalismo como un friso en el que deben coexistir diferentes culturas, más que un mecanismo de transición para integrar a los recién llegados a la cultura dominante.

Sean cuales fueren las causas, el fracaso europeo del intento de crear una mejor integración de los musulmanes es una bomba de tiempo que ya ha contribuido al terrorismo, que por cierto provocará una reacción más firme de los grupos populistas y que posiblemente llegue a convertirse en una amenaza para la democracia europea misma. La solución del problema requiere un cambio del comportamiento de esa minoría inmigrante y de sus descendientes, pero también del de la comunidad nacional dominante.

El primer paso de una solución es admitir que el viejo modelo multicultural no ha tenido gran éxito en países como Holanda y Gran Bretaña, y que es necesario sustituirlo por intentos más enérgicos para integrar a la población no occidental a una cultura liberal común. El viejo modelo multicultural estaba basado en el reconocimiento de los grupos y de sus derechos. A causa de un erróneo sentido de respeto por la diferencia -y tal vez por sentimientos de culpa poscoloniales-, se otorgó a las comunidades culturales una excesiva autoridad para fijar las reglas de conducta de sus miembros.

El liberalismo no puede basarse en los derechos de los grupos, porque no todos los grupos sostienen valores liberales. La civilidad de la Ilustración europea, de la cual es heredera la democracia contemporánea, no puede ser culturalmente neutral, dado que las sociedades liberales tienen valores propios que resguardan la igualdad de los valores y de la dignidad de los individuos. Las culturas que no aceptan esas premisas no merecen igual protección en una democracia liberal. Los miembros de la comunidad inmigrante y sus descendientes merecen ser tratados en un plano de paridad como individuos pero no como miembros de la comunidad cultural.

En lo referido a la ley, no hay motivo para que una muchacha musulmana reciba un trato diferente del que se le da a una cristiana o a una judía, sea cual fuere la concepción de la ley que tengan sus padres. El multiculturalismo, tal como fue concebido originalmente en Canadá, en los Estados Unidos o en Europa, era en cierto sentido una "apuesta al fin de la historia": la diversidad cultural era considerada como una suerte de adorno del pluralismo liberal, que proporcionaba comida étnica, vestimentas coloridas y trazas de tradiciones históricas peculiares a una sociedad considerada confusamente conformista y homogénea.

La diversidad cultural era algo que se practicaba mayormente en la esfera privada, donde no conducía a ninguna violación seria de los derechos individuales ni minaba el orden social esencialmente liberal. Por el contrario, hoy algunas comunidades musulmanas plantean exigencias de derechos grupales que simplemente no pueden adaptarse a los principios liberales de igualdad entre los individuos.

Esas exigencias incluyen la exención especial de la legislación familiar válida para todos los miembros de la sociedad, el derecho de excluir a los no musulmanes de ciertos acontecimientos públicos o el derecho de oponerse a la libertad de expresión en nombre de la ofensa religiosa. En tales casos extremos, la comunidad musulmana ha expresado incluso la ambición de desafiar el carácter laico del orden político general.

Los derechos de grupo atacan a los derechos de otros individuos de la sociedad y trasladan la autonomía cultural fuera de la esfera privada. Pedir a los musulmanes que renuncien a los derechos de grupo es mucho más difícil en Europa que en los Estados Unidos, porque muchos países europeos tienen tradiciones corporativas. La existencia de escuelas cristianas y judías financiadas por el Estado en muchos países europeos dificulta, por principios, la argumentación en contra de un sistema escolar sostenido por el Estado y destinado a los musulmanes. Estas islas de corporativismo funcionan como un precedente importante para la comunidad musulmana y obstaculizan el mantenimiento de un muro divisorio entre la religión y el Estado.

Si Europa quiere establecer el principio liberal de un pluralismo basado en el individuo, deberá enfrentar el problema que representan esas instituciones corporativas heredadas del pasado. La modalidad con que se entiende y se vive la identidad nacional posiblemente constituya una barrera para la integración de los recién llegados, que no comparten la etnia ni la religión de las poblaciones originarias. No habría que eliminar este sentido de pertenencia a un lugar y a una historia, pero sí habría que abrirlo tanto como sea posible para los nuevos ciudadanos.

A pesar de sus orígenes absolutamente diferentes, los Estados Unidos puede enseñarles algunas cosas a los europeos en lo referido a la construcción de formas de ciudadanía y de pertenencia posétnicas. La vida estadounidense está colmada de ceremonias y rituales pararreligiosos destinados a celebrar las instituciones políticas democráticas del país, mientras que los europeos, en cambio, han desritualizado intensamente su vida política. Estas ceremonias son a veces muy importantes para asimilar a los nuevos inmigrantes. Además, en gran parte de Europa, la combinación de leyes rígidas del mundo laboral y de generosidad en cuanto a los beneficios de seguridad social explica por qué los inmigrantes no llegan en busca de trabajo, sino de beneficios sociales.

Muchos europeos afirman que el sistema menos generoso de bienestar social de los Estados Unidos priva de dignidad a los pobres. Pero es más bien al contrario: la dignidad se desarrolla gracias al trabajo y a la contribución que, por medio del trabajo, hace una persona al resto de la sociedad. En diversas comunidades musulmanas de Europa, casi la mitad de la población sobrevive de los beneficios sociales, circunstancia que contribuye directamente a infundir en ellos un sentimiento de alienación y desesperación.

El dilema de la inmigración y de la identidad converge con el problema mayor de la falta de valores de la posmodernidad. El ascenso del relativismo ha hecho que a los posmodernos les resulte más difícil apuntalar valores claros y también, por lo tanto, los valores compartidos que a los inmigrantes se les exige aceptar como propios como condición necesaria para la ciudadanía. Más allá de la celebración de la diversidad y de la tolerancia, a los posmodernos les resulta difícil ponerse de acuerdo acerca de la sustancia de un bien común al cual aspirar en conjunto. La inmigración se ve obligada a plantear de manera particularmente angustiosa la pregunta: "¿Quiénes somos?".

Si la sociedad posmoderna pretende avanzar hacia una discusión más seria de la identidad, tendremos que sacar a la luz las virtudes positivas que definen qué significa ser miembros de una sociedad más amplia. En caso contrario, corremos el riesgo de ser aplastados por los que están más seguros de su propia identidad.

Gentileza revista Atlantide y Corriere della Sera
Traducción: Mirta Rosenberg

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Google Earth descubre una gran esvástica en base de EEUU

2007-09-29T15:06:00.000-04:00

1. • Tras el revuelo originado, el edificio será reformado para no herir sentimientos
2. • El arquitecto afirma que la Armada sabía que el complejo tenía forma de cruz gamada

EL PERIÓDICO
BARCELONA
Google Earth, es decir, cualquier aficionado desde casa con un ordenador y un programa que se puede descargar gratuitamente de internet, ha metido en un aprieto esta vez --porque no es la primera-- a la Armada de Estados Unidos. Un singular edificio de una base naval de San Diego (California) es, a vista de satélite, una inquietante, temible e incompresible gran cruz gamada sobre suelo norteamericano. Busquen San Diego en Google Earth. Vayan al puerto. Está en la calle de Tulagi, en una de las esquinas del muelle cuadriculado de la base anfibia Coronado US Navy. Si se desea una vista todavía mejor del descubrimiento, la competencia de Google Earth, el Maps-Live de Microsoft, ofrece una imagen aún más nítida.

Es una victoria más de la gran comunidad internauta. Ha cosechado otras, pero esta le costará a las fuerzas armadas estadounidenses unos 600.000 dólares (430.000 euros). Es la cifra que se destinará a camuflar, com placas solares y vegetación, el aspecto actual de la construcción militar.

EDIFICIO DE LOS AÑOS 60
Descubierta la inaceptable forma del edificio, la Liga Antidifamación de Estados Unidos se puso en marcha. Primero, investigó. El edificio (de hecho, son cuatro que forman un único conjunto) fue construido a finales de los años 60. El arquitecto del complejo, John Mock, afirmó esta semana que la Armada "sabía que iba a parecer" una esvástica, pero "no lo es, son cuatro edificios en forma de ele". Algo así como afirmar, sin enrojecer, que la sede del Departamento de Defensa de EEUU no es un pentágono --figura que da nombre al complejo--, sino cinco edificios rectos.

Y como siempre en estos casos, el suceso ha explotado en internet y ha llevado a los blogueros a debatir largamente sobre el complejo. Algunos conjeturan que fue construido por prisioneros de guerra alemanes de la segunda guerra mundial en homenaje a Adolf Hitler.

Otros apuntan que los edificios vecinos parecen aviones que apuntan a la esvástica. Y como en EEUU siempre es fácil encontrar a quien todo lo analiza desde un punto de vista cristiano, hay quien señala que los edificios, de lado, recuerdan las cruces del Calvario. Y, para más inri las cruces señalan hacia Jerusalén. Incomprensiblemente nadie apuesta porque el edificio sea un homenaje a los vikingos, diseñadores de esta cruz y que representa esquemáticamente al sol.

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EXPOSICIÓN DE ARTE: “ESFERAS, FLUJOS Y COMPLEJIDAD EXTRAHUMANA”_Obras de Adolfo Vásquez Rocca en Buenos Aires y Málaga.

2007-09-02T21:00:00.000-04:00

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En Galería Sónar -Buenos Aires-

http://www.psikeba.com.ar/obras/expo2/Adolfo_Vasquez_Rocca_Exposicion.htm

Agosto – Noviembre de 2007

http://www.psikeba.com.ar/obras/expo2/Adolfo_Vasquez_Rocca_Exposicion.htm
http://www.psikeba.com.ar/obras/expo2/0001_Complejidad_Extrahumana.htm

Lic. Rosa Aksenchuk
Curadora
Buenos Aires

Y

Espacio Expositivo Itaca [Homines Arte y Cultura] Málaga.

Dirección:

http://www.homines.com/itaca/vazquez_condicion_posthumana/index.htm

Lic. Susana Hermoso-Espinosa García

Museóloga e Historiadora del Arte, Málaga

http://revista.escaner.cl/node/318

Por Rosa Aksenchuk

"La producción pictórica de Adolfo Vásquez Rocca, tras exploraciones en el arte objetual y conceptual en su vertiente analítica, es otro registro de su trabajo crítico y ensayístico en torno a la condición posmoderna. El imaginario de esta muestra se nutre de los temas de la alteridad y los problemas identitarios del hombre contemporáneo, de su conflictuada relación con el paroxismo tecnológico y su agobio ante el vértigo de la información, así como frente a la alienación en las sociedades postmodernas. Las obras ofrecen una conceptualización del futuro. El espacio cultural de la reproducción, la era de la clonación y la cosificación del ser humano. La excesiva medicalización de nuestras sociedades, convertidas en verdaderos Estados terapéuticos. El autor avizora como la explosión de las nuevas tecnologías no sólo está conformando nuevas formas de subjetividad, sino también, y esto es lo más provocador, una 'nueva carne'. El cuerpo ha dejado de ser algo natural, se imponen los implantes, los injertos. La muestra es así una tentativa de comunicar la invasión del cuerpo, su fragmentación e incluso su vaciamiento".

"Operando desde las imágenes la desestabilización del cuerpo como un híbrido difícil de precisar. En estas imágenes por momentos turbadoras, aparece el sujeto en su radical alteridad en el límite de estar ya desposeído de sí mismo, sin intimidad posible, totalmente expuesto en la sociedad del espectáculo, vuelto hacia las formas de la exterioridad. Nuestra soledad demanda un espejo simbólico en el cual poder reencontrar a los otros. Buscamos en el espejo la unidad de una imagen a la que sólo llevamos nuestra fragmentación, arrojados a la extrañeza de un mundo sin coartada dramática. Más allá de la representación de la realidad, nos topamos con estas obras en una especie e Laboratorio donde se ensaya la provisional puesta entre paréntesis del mundo para auscultarlo. Así la obra de Adolfo Vásquez Rocca, anacrónica y contemporánea, impone un irreductible singularidad que subvierte el eclipsante ideario de nuestro tiempo.

Una vez más la cuestión del estatuto de lo "humano" -de "Las Reglas para el Parque Humano"- nos sumerge en el apasionante debate en torno a la existencia en sus límites o más allá de ellos, en la condición posthumana, allá donde asoma el sobre-hombre de Nietzsche; El Cuerpo sin Órganos de Deleuze, el autor, filósofo de profesión, sabe dejar pistas escatológicas y claves hermenéuticas para remitirnos a un ideario y a un corpus de autores que con resonancias espirituales y postmetafísicas han dado cuenta del hombre contemporáneo en algunos casos como una animalitas fracasada -un metafísico animal de la ausencia- según lo ha denominado Sloterdijk o como un simulacro, como una paroxística representación de sí mismo al infinito, según la expresión de Baudrillard".
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"Así, como en "La sociedad del espectáculo" y "La transparencia del mal", ante el horror de lo real que amenaza ciertamente con devorarnos, la existencia desfallece, se hunde en las procelosas aguas del nihilismo; con "El desprecio de las masas" nos toca hoy ubicar remotos oasis, en el desierto del mediodía del mundo moderno. Mientras tanto una masa indigna, llegada con retraso a una Ilustración ya desilusionada, se solaza en recrear "La violencia de lo sagrado", sin recaer en guiños moralistas ni incurrir en en el exceso discursivo, en el dibujo psicologista indiscriminado de lo demasiado humano, sino de manera contenida estas obras nos permiten emocionarnos con la soledad turbadora de personajes que parecen deambular en búsqueda de un tiempo jamás recobrado".
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"Con la Exposición que aquí presentamos -"Esferas, flujos y complejidad extrahumana"- nos toca hoy repensar una existencia digna en el horizonte omnímodo del nihilismo, cuando tanta "Arqueología del saber" y otras tantas potencias redentoras a las cuales confiaron los hombres el rescate de su ser, han periclitado, convertidas en parodias de simulacros neuróticos o incluso psicóticos".
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"La morfología y la anatomía se encuentran en una mesa de disección, la que parece ser su paleta de colores o de materiales -mejor aún- de la fatiga de material. De la fatiga de las historias, de la deriva del yo, de su final disolución, tal como lo insinúan la borradura de los rostros en estas pinturas. El hombre que ha dejado de ser humano, para adentrarse en una condición post-humana, el cyborg, el androide -con referencias a la cópula animal-máquina. O tal vez se trate de máquinas célibes. De injertos, prótesis e implantes. La atmósfera de estas pinturas es la de la trasgresión de fronteras entre lo natural y lo artificial. Elementos de este tipo encontramos en buena parte de la obra ensayística del artista".

"Sensible a los avatares de nuestra época, Adolfo Vásquez Rocca se asoma a través de sus obras, en una mirada apocalíptica, a los escenarios de la devastación, a la gestión de la catástrofe. En su pintura se observan sujetos replicantes deambulando en escenarios postnucleares, alterados sinápticamente como consecuencia de la polución ambiental y los elevados niveles de estática que se emiten desde pantallas y monitores sin testigo. Se advierte también la disolución de la identidad en el advenimiento de una era eugenésica en la que el cuerpo de neurólogos y cirujanos se ha posicionado como casta dominante, el gobierno está en manos de obsesos de la experimentación genética. Es la dictadura de la prescripción farmacológica. El eje articulador de la muestra parece así estar constituido por las nociones de "alteridad" e "identidad". Una iconografía de la desaparición y del olvido, con su consecuente iconográfica famélica en la representación de la figura humana, estilizada hasta la anorexia, nueva deriva a-perceptiva en tiempos de crisis alimenticio-identitaria. Una deriva replicante de la identidad en la que ya no hay vestigios de reconocimiento posible".

http://www.psikeba.com.ar/obras/expo2/Adolfo_Vasquez_Rocca_Exposicion.htm
http://www.psikeba.com.ar/obras/expo2/0001_Complejidad_Extrahumana.htm

Lic. Rosa Aksenchuk
Curadora
Buenos Aires

http://www.psikeba.com.ar/RA/autor.htm

EXPOSICIÓN

"LA CONDICIÓN POSTHUMANA II; 'ESFERAS, FLUJOS Y COMPLEJIDAD EXTRAHUMANA'"

Autor: Adolfo Vásquez Rocca
Fecha: Agosto – Noviembre de 2007
Lugar: Espacio expositivo ITACA, Málaga.

Dirección:

http://www.homines.com/itaca/vazquez_condicion_posthumana/index.htm

Por Susana Hermoso-Espinosa García

"Exposiciones como la que ahora nos ocupa, nos sitúan ante un hecho sociocultural que reclama una reflexión exigente capaz de orientar hacia el interior. Si la pintura, como pensara Norman Bryson, tiene algún poder intrínseco, que ejerce su propio territorio, ese es el exceder las fijezas de la representación; un sabotaje se produce entre la mirada y el vistazo, en un desplazamiento hacia el placer que aporta el cuerpo del pintor a la superficie bidimensional:'el cuadro puede estar eclipsado en sus propias representaciones, puede desaparecer como un dios, en la abundancia de sus atributos; pero es hacia fuera, desde su musculatura invisible, y no hacia adentro, desde su mirada ávida, hacia donde fluyen las imágenes'.

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En una referencia analítica de las obras concretas que se nos presentan en esta exposición, observaremos que ellas componen un amplio abanico de posibilidades de las pocas tendencias de nuestro, por otro lado, casi inagotable actual lenguaje plástico se escapan. La hibridación de objetos la realiza Adolfo Vásquez Rocca con una fuerza, de veras impresionante por la originalidad de su inventiva y por el cúmulo de sugestiones que comporta.

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El estilo de este artista transita de una manera muy particular por la 'nueva figuración', no es un simple nuevo realismo al modo de la tendencia concreta acuñada por Pierre Restany; nada hay que sea caprichoso, sino que todo está animado por una intencionalidad y alumbrado por una conciencia lucida. Es realmente un arte crudamente realista, aun cuando no se trata una representación, o mera ilustración cosmética, sino de la presentación de una realidad que por momentos deviene incomoda y corrosiva, un poco como Bacon y otros autores de la Escuela del Desastre.

Por esto la obra que aquí presentamos no es sólo una crónica de nuestro tiempo y nuestra condición posthumana, sino también un estigma de la circunstancia, una exudación extraestética y anestésica al modo de recursos farmacológicos que nos permiten enfrentar la realidad diluida de su amenaza y sin coartadas dramáticas. Es, precisamente, esta función de diagnostico de época y estrategias de sobrevivencia lo que determina el valor polisémico y multilineal de de esta Exposición que a través de miradas provocadoras e interpelaciones invitan al dialogo con la obra.

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En Adolfo Vásquez se cumple una vocación decidida de hallar un lenguaje plástico adecuado al descontento con la posmodernidad y los vicios del mundo moderno; de partir de una idea crítica para desarrollar una obra contundente en la que la anécdota cobra una dimensión universal y cuya lectura es un invitación a adentrarse en un simulacro cuyo efecto es el de la perplejidad al constatar que vivimos en un universo extrañamente parecido al original, donde -las cosas aparecen, como señalaba Baudrillard, replicadas por su propia escenificación".

Curadora

Lic. Susana Hermoso-Espinosa García
Museóloga e Historiadora del Arte, Málaga

http://www.psikeba.com.ar/obras/expo2/Adolfo_Vasquez_Rocca_Exposicion.htm

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Álvaro Mutis

2007-08-27T11:22:00.000-04:00

Álvaro Mutis
1923

Álvaro Mutis nació en Bogotá. Hijo de un abogado que había sido secretario de un presidente y luego ingresó a la diplomacia, en 1925 viajó a Bélgica con su familia, como ministro consejero de la Embajada en Bruselas, donde el futuro poeta viviría hasta los nueve años, cuando su padre murió, de repente, a la edad de 33. Pero el personaje que mas intervino en su formación de niño fue su madre, un ser muy especial. Según García Márquez,

“Estos exabruptos de Álvaro nos sorprenden menos a quienes conocimos y padecimos a su madre, Carolina Jaramillo, una mujer hermosa y alucinada que no volvió a mirarse en un espejo desde los 20 años porque empezó a verse distinta de como se sentía. Siendo ya una abuela avanzada andaba en bicicleta y vestida de cazador, poniendo inyecciones gratis en las fincas de la Sabana.

En Nueva York le pedí una noche que se quedara cuidando a mi hijo de 14 meses mientras íbamos al cine. Ella nos advirtió con toda seriedad que tuviéramos cuidado, porque en Manizales había hecho el mismo favor con un niño que no paraba de llorar, y tuvo que callarlo con un dulce de moras envenenadas. A pesar de eso se lo encomendamos otro día en los almacenes Macys, y cuando regresamos la encontramos sola. Mientras los servicios de seguridad buscaban al niño, ella trató de consolarnos con la misma serenidad tenebrosa de su hijo: 'No se preocupen. También Alvarito se me perdió en Bruselas cuando tenía siete años, y ahora vean lo bien que le va'.”

La temprana muerte de su padre les hizo regresar a Colombia donde ocuparon una hacienda en Coello, parte de la herencia que habían recibido del difunto. Allí, en ese lugar del trópico, parece haber surgido buena parte de la materia que nutre sus escritos.

Nocturno

Esta noche ha vuelto la lluvia sobre los cafetales.
Sobre las hojas de plátano,
sobre las altas ramas de los cámbulos,
ha vuelto a llover esta noche un agua persistente y vastísima
que crece las acequias y comienza a henchir los ríos
que gimen con su nocturna carga de lodos vegetales.
La lluvia sobre el zinc de los tejados
canta su presencia y me aleja del sueño
hasta dejarme en un crecer de las aguas sin sosiego,
en la noche fresquísima que chorrea
por entre la bóveda de los cafetos
y escurre por el enfermo tronco de los balsos gigantes.
Ahora, de repente, en mitad de la noche
ha regresado la lluvia sobre los cafetales
y entre el vocerío vegetal de las aguas
me llega la intacta materia de otros días
salvada del ajeno trabajo de los años.

Aún cuando nunca terminó el bachillerato, Mutis frecuentó en Bogotá al poeta de derechas Eduardo Carranza, cuando era profesor de literatura en el Colegio del Rosario, regido por jesuitas, pero los billares de los cafés cercanos, el Europa y París, pudieron más que las altisonantes declamatorias del joven maestro del piedracielismo, fanático admirador de Primo de Rivera y Mussolini.

A los 18 años ya trabajaba como director de la Radio Nacional de Colombia y para 1948, según dice todo el mundo, publicó un libro que nadie ha visto nunca, porque habría desaparecido entre las batallas del 9 de Abril, La balanza, en compañía de Carlos Patillo Roselli y con supuestas ilustraciones de Hernando Tejada. Luego ingresaría a la Compañía Colombiana de Seguros y la empresa de aviación Lansa. Debido al manejo caprichoso de unos dineros de la multinacional imperialista Esso, donde era jefe de relaciones públicas, se vio obligado a dejar Colombia y viajó a México en 1956, donde reside hasta nuestros días.

A los tres años de su arribo a México, se hicieron efectivas las demandas en su contra y Mutis fue detenido en la cárcel de Lecumberri, durante 15 meses, acusado de sobornar a los miembros de la Constituyente de Rojas Pinilla contra una eventual nacionalización del petróleo, expediente que sería borrado, literalmente, del mapa, gracias a la intervención de su amigo, el entonces canciller y futuro presidente de Colombia, Alfonso López Michelsen.

A los pocos años de salir de la cárcel, se convirtió en gerente de ventas para América Latina de la Twentieth Century Fox, y luego de la Columbia Pictures , y así continuó durante 23 años, hasta que en 1988 se jubiló. Porque como ha dicho alguien recientemente, Mutis sólo en estos lustros postreros ha vivido de los libros, pues durante años gozó de las canonjías de sus numerosos empleos de publicista, desde locutor de noticias y actor de radionovelas, director de la Radio Nacional y la emisora Nuevo Mundo; vendedor de publicidad para televisión; director de un programa de Encuentros de Televisa; o de la publicidad de la cervecería Bavaria y la corporación de doblajes Cinsa, donde prestaba su voz para narrar las persecuciones de la policía de Chicago a los amigos de Al Capone.

Mutis es el escritor colombiano que mas premios ha recibido en la historia de su nación: Comendador de la Orden del Águila Azteca, Doctor Honoris Causa por la Universidad del Valle, Gran Cruz de la Orden de Alfonso X el Sabio, Gran Cruz de la Orden de Boyacá, Orden al Mérito, Orden de las Artes y las Letras del gobierno de Francia, Premio Cervantes, Ciudad de Trieste de Poesía, de la Crítica "Los Abriles", del Instituto Italo-Latinoamericano de Roma, Grinzane-Cavour, Médicis, Nacional de las Letras, Nacional de Poesía, Nonino, Príncipe de Asturias de las Letras, Reina Sofía de Poesía Iberoamericana, Roger Caillois, Rossone d'Oro y Xavier Villaurrutia,

Tanto la llamada “poesía” como la “prosa” de Mutis son ejemplos flagrantes del arte de la sociedad de consumo. Un “arte” que vende el mejor de sus productos: el rechazo ramplón de lo que conocemos como modernidad, con sus ofertas de igualdad, libertad y fraternidad, consideradas por Mutis otras supersticiones de nuestro tiempo. Para él la literatura fue mera entonación o estilo, no comunicación. Heredero de la voz radial de Jorge Zalamea en sus traducciones de Perse, Mutis hizo de sus monodias presagio de la vacuidad, o como él prefiere llamarla: desesperanza.

Desde Los elementos del desastre (1952), Reseña de los hospitales de ultramar (1959) y Los trabajos perdidos (1964) el asunto es lo mismo. Según José Miguel Oviedo "todos sus poemas revelan la misma actitud" pues animados por una idea fija, "todas las palabras empleadas en el fondo son iguales ya que es uno mismo el sentido que se les otorga..." Y agrega: “Mutis es uno de esos poetas que, a cualquier edad, escriban lo que escriban, dicen siempre lo mismo...” Cobo Borda ha descubierto, además, que “Un libro de Enrique Molina, Costumbres errantes o la redondez de la tierra, aparecido en 1951, manejaba los mismos tópicos de Mutis.”

Decadencia, soledad, ruina física y moral, trivia, abulia, pocilgas, camastros, mendrugos, trapos y errancia son las rutas y geografías que recorre sin descanso, y sin que importe al lector, Maqroll El gaviero, sosías y único pretexto literario de Mutis. Todo ello singularizado en cafetales, techos metálicos donde retumban las lluvias, catres desvencijados que resisten la angustia de quien descansa en ellos, hoteles de puerto de mar o de tierra, trapiches, quebradas murmurantes, mujeres opulentas de baja o dilapidada condición, socavones de minas, frutas descomponiéndose por el horrendo calor que nos acosa por todas partes, viejos combatientes desamparados y perdidos, colegios, hospitales, etc.

Y como en las óperas de magia, el cambio de telón apenas deja sospechar un cambio de escenografía: Bengala, Riga, Lisboa, Nueva Orleáns, Tashkent, Akaba, Caucasia, Alaska, Trinidad, Jamaica, Spira, Amberes, Cocora, Paramaribo, Hamburgo, Cádiz, Belem do Pará, etc., todos los caminos llevan a lo mismo. Quien maneja los hilos del místico aventurero Maqroll, y el aventurero mismo, nunca conocieron las gratificaciones de la salud corporal, el diálogo y el entendimiento, sólo la peste del cuerpo y el monólogo. Para ellos, avezados forajidos, acaso apenas importe reflejar en los Otros y ¿el lector? su chorro de voz y la miseria de sus recuerdos. Octavio Paz, reseñando Los elementos del desastre, resumió lucidamente ese mundo:

“El paisaje espiritual y físico del Gaviero es insoportable de varias maneras. Enumeraré algunas: la precisión en el horror chabacano, la alianza del esplendor verbal y la descomposición de la materia, la descripción de una realidad anodina que desemboca en la revelación, apenas insinuada, de algo repugnante; la familiaridad con las imágenes desordenadas de la fiebre y, también, con las repeticiones del tedio y del aburrimiento; el gusto por las cosas concretas e insignificantes que, a fuerza de realidad, se vuelven misteriosas; la predilección por el encuentro de objetos cotidianos y vulgares en un escenario extraño, presencias que no dejan de producir escalofrío….”

Harold Alvarado Tenorio

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Dejemos de exprimir el planeta

2007-07-28T13:07:00.000-04:00

Por Rocío Ruiz-Calero

CCS

El 50% de la Tierra se encuentra transformada. Menos del 17% de todos los continentes es tierra virgen y la mitad de la superficie terrestre se ha convertido en terreno de cultivo o pasto. La acción humana se extiende como el peor depredador sobre la naturaleza y sus efectos son numerosos.

La alteración artificial del planeta se observa en la “domesticación” de ecosistemas enteros. Los bosques naturales desaparecen al ritmo de unos 14 millones de hectáreas cada año. La transformación de grandes extensiones forestales o selváticas en plantaciones de monocultivo ha provocado el aumento de brotes de enfermedades y parásitos. Además, especies de grandes mamíferos han desaparecido en favor de otras más pequeñas, que invaden y arrasan terrenos. Nos encontramos en el periodo de mayor extinción de especies vegetales y animales, debido al excesivo consumo humano y la contaminación de los recursos naturales.

El mapa del mundo presenta una encrucijada de líneas de transporte y vías que conectan todos los continentes. La creciente construcción de puertos, puentes y carreteras, para impulsar y facilitar el comercio y las comunicaciones entre los países ha causado un gran impacto en el medioambiente. Además, ha provocado el desplazamiento de la fauna y la alteración de su ritmo biológico y son también el medio perfecto para la transmisión de enfermedades humanas llegadas de otras zonas y que, en ocasiones, los países receptores no están preparados para afrontar.

El impacto de la acción humana sobre los ecosistemas marinos también tiene sus efectos. Un 60% de las principales pesquerías del mundo se encuentran afectadas por la sobrepesca, y el número de vías marítimas es cada vez mayor. Ecosistemas como las marismas, los arrecifes de coral o los manglares han sido gravemente dañados y ya están desapareciendo en algunas zonas.

Las presas, construidas para mejorar el riego, producir electricidad o controlar las inundaciones, se convierten en barreras que impiden las migraciones de los peces y destruyen zonas de reproducción de las especies autóctonas. Además, modifican el volumen de agua de los cauces pues almacenan casi seis veces más agua que la que llevan los ríos. La costa tampoco escapa a la agresión del hombre. En Europa, 22 mil kilómetros cuadrados de zona costera están cubiertos por cemento o asfalto.

En las ciudades, la constante y creciente edificación no planificada ha supuesto una drástica reducción de los espacios naturales. Estas reservas urbanas resultan vitales para las personas y su número desciende a un ritmo descontrolado. Por otra parte, la proliferación de las ciudades junto a su creciente masificación ha provocado una mayor demanda de recursos, lo que conlleva un mayor impacto sobre los ecosistemas. Las ciudades ocupan sólo el 2% de la superficie terrestre del mundo, pero sus habitantes causan un impacto desproporcionado en el medio ambiente. En el años 2030, unos 5.000 millones de habitantes vivirán en ciudades, por lo que la necesidad de agua, de cereales o de madera se triplicará, pero la capacidad de muchos ecosistemas para proporcionar estos productos habrá disminuido de forma alarmante.

Por este motivo, son necesarias estrategias de desarrollo capaces de combinar el crecimiento de la población, el cuidado de los ecosistemas, la tecnología y el acceso controlado a los recursos.

Las cuestiones ambientales se encuentran íntimamente ligadas al desarrollo. A lo largo de la historia los ecosistemas han sido trabajados para obtener de ellos alimentos, materiales como la madera o el carbón, recursos energéticos, medicinas, etc. Pero con el paso del tiempo esta actividad se ha transformado en una explotación intensiva que ha dado lugar a la destrucción del medio ambiente.

El desarrollo no debe estar reñido con la protección y el cuidado de nuestro planeta. La clave para frenar la espiral de destrucción que el ser humano ha desencadenado sobre la naturaleza se encuentra en la armonía entre crecimiento y sostenibilidad. Y luchar por ella es tarea de todos.

Rocío Ruiz- Calero
Periodista
Centro de Colaboraciones Solidarias CCS

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Para salvar el planeta: 'Live Earth'

2007-07-09T16:10:00.000-04:00

Lenny Kravitz

'Live Earth', 24 horas de música para salvar el planeta

El maratón musical acabó en Brasil con la actuación de Lenny Kravit

08/07/2007

Redacción Central. (EFE).-

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Artistas del todo el mundo agitaron hoy la conciencia de los ciudadanos sobre el calentamiento global con el maratón musical de conciertos "Live Earth" que empezó en Australia y concluyó en Brasil tras haberse celebrado en varios países más a lo largo y ancho del planeta.En la ciudad australiana de Sydney las danzas tradicionales de los aborígenes animaron un espectáculo que comenzó a las 10.00 hora local (00.00 GMT), con sus instrumentos de viento ancestral fabricado a base de un tronco gigante de eucalipto y con la bienvenida al público a través de una pantalla gigante del ex vicepresidente estadounidense Al Gore.

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Japón tomó el testigo con un concierto doble que comenzó a mediodía en Tokyo y continuó hasta bien entrada la noche en Kioto. El cartel, que atrajo a unos 10.000 espectadores, incluyó a los estadounidenses Linkin Park, la Yellow Magic Orchestra de Ryuichi Sakamoto, compositor de la música de los Juegos Olímpicos de Barcelona, y Michael Nyman, autor de la banda sonora de El Piano.

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Shanghai vivió la tercera actuación del "Live Earth",-y la más pequeña- bajo una tormenta de lluvia ácida, propia de la estación, y de una atmósfera habitualmente neblinosa y gris.Al espectáculo de tres horas acudieron cerca de 3.000 personas, que se congregaron a los pies de la torre de televisión Perla de Oriente (la más alta de Asia, con 468 metros), en el corazón del distrito financiero, para escuchar a una decena de estrellas locales y a la soprano británica Sarah Brightman. "No sólo la próxima generación depende de nosotros, nosotros también somos esa generación, así que salvémonos a nosotros mismos", exclamó el solista del grupo de rock Soler.
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En África, el continente que según los expertos más va a sufrir los efectos del cambio climático, el "Live Earth" llegó a Johannesburgo de la mano del Soweto Gospel Choir, retomando el hilo de la protesta musical. Cerca de 12.000 personas se congregaron al norte de la ciudad para escuchar el reggae de UB40, a la cantante beninesa Angelique Kidjo, al senegalés Baaba Maal y a los sudafricanos Danny K, entre otros.
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En Europa, "Live Earth" arrancó a mediodía con la actuación de la colombiana Shakira en Hamburgo, en una actuación que quedó aguada por las lluvias tormentosas que azotan el norte de Alemania y que hicieron que solo unos pocos miles de aficionados se concentrasen en el estadio de fútbol del equipo de la ciudad. El mítico grupo británico Génesis dio comienzo al concierto de Londres, en un remodelado estadio de Wembley colmado de espectadores, en un día moderadamente soleado.
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En Washington las estrellas de la música "country" Garth Brooks y Trisha Yearwood dieron el pistoletazo de salida interpretando el tema "We Shall Be Free", en el concierto que se celebró en un local del Museo del Indio Americano, en que también actuó el grupo indígena "Blues Nation". En Nueva York, "Live Earth" se celebró en el Giants Stadium de Nueva Jersey, en las afueras de la ciudad de los rascacielos, y contó con la presencia Al Gore.

También intervinieron los actores Leonardo di Caprio, ecologista comprometido, y Kevin Bacon, quien abrió la fiesta en Nueva Jersey. "El calentamiento global ha dejado de ser una teoría para convertirse en realidad. No podemos permitirnos el lujo de defraudar a las futuras generaciones", dijo Di Caprio en su aparición, al final del evento, para luego presentar a Gore.
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En un abarrotado estadio de los Giants actuó la banda inglesa The Police, junto a estrellas como Roger Waters, Smashing Pumpkins y Bon Jovi.Lenny Kravitz bajó el telón del "Live Earth" en Brasil. En Río de Janeiro el guitarrista estadounidense puso fin a una jornada de recitales que duraron cerca de siete horas y llenaron de música y conciencia los casi cuatro kilómetros de la playa de Copacabana, donde se calcula que se apiñaron cerca de 400.000 personas.
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El maratón musical fue organizado por Al Gore, quien aseguró que sólo han sido el comienzo de una campaña de tres años para tratar de "curar al planeta".

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Exposición del fotógrafo Eric Kassels : Creatividad y humor como herramientas

2007-07-08T13:49:00.000-04:00

Extraños en el carrete

Creatividad y humor son las herramientas de este fotógrafo
La exposición de Eric Kessels en la iglesia de los Hermanos Pescadores de Arlés.

ALFREDO MERINO
ARLÉS (FRANCIA).- La primera sensación al entrar en esta muestra de 'Los encuentros de Arlés' es que el marco escogido resulta excesivo para su contenido. Situada en el centro de la vieja localidad francesa, la iglesia de los Hermanos Pescadores, es un pequeño templo de paredes llenas de ventanales, por cuyas vidrieras el sol llena de luz las viejas naves de piedra.

Las colecciones que acoge: fotos corrientes, vulgares en su cotidianeidad. Hasta aquí la primera imagen. Hay que ir más allá. Precisamente lo que nos propone este artista holandés que descubre y expone lo cotidiano.

Un punto de vista alejado del objetivo con el que fueron disparados los cientos de imágenes que reúne esta muestra. Kessels las llama vernaculares, de aficionados. La perspectiva que nos muestra es, por el contrario, elaborada e indica su maestría como publicista y editor gráfico.

Creatividad y humor son las herramientas de este artista que tiene su territorio de trabajo entre el cubo de basura de los laboratorios y los rincones perdidos de los álbumes familiares.

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Ternura y tragedia
A mitad de camino entre la ternura y la tragedia, la selección fotográfica de Kessels nos con simpatía una visión ignorada de nuestra sociedad.

El viaje de un día en taxi por Centroeuropa de un inválido, las maneras que tiene de salir de un coche rojo una rubia, los cientos de imágenes de perras preñadas que circulan por internet o los policías clónicos alineados en un lateral del templo son algunas de sus propuestas.

Aunque, a la hora de elegir, tal vez las dos colecciones que más llaman nuestra atención son la hilarante serie 'Fotografías equivocadas' y el inquietante grupo de 'Extraños en nuestras fotos' .

La primera reúne todas aquellas imágenes que guardamos como únicas y que son verdaderamente horripilantes o, si le ponemos piedad al asunto, incomprensibles. El retrato de nuestra pareja en el que sólo se ve el reflejo del cristal que está entre ella y el objetivo de la cámara, o la foto que, según asegura Kessels, la hizo un aficionado a la naturaleza, quien después de aguardar varios días la llegada de un león en Kenia, logró esta instantánea en la que sólo se ve una enorme mancha oscura como el carbón en su centro. "¡Juro que el león está aquí! ¡Miren!", dice con sorna, mientras señala el negro de la foto.

Por su parte, 'Extraños en nuestras fotos' acoge a todos esos personajes anónimos que, sin saber cómo ni por qué se han colado por las esquinas de las instantáneas cotidianas que hacemos en nuestro álbum de fotos familiares. Kessels les busca, aísla y compone con ellos un panel que descubre los mil y un caminos que podemos recorrer a través de una simple imagen.

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http://www.elmundo.es/elmundo/2007/07/04/cultura/1183559646.html

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Una exposición en Barcelona acerca a los libros y objetos de Cortázar

2007-07-03T11:17:00.000-04:00

Aurora Bernárdez, viuda del escritor argentino,
posa en la exposición dedicada a Cortázar.
Foto: A. Moreno

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La muestra pretende reconstruir a través de cientos de documentos la identidad del escritor

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Libros de Pablo Neruda o García Márquez dedicados, poemarios con garabatos en español y en francés, o volúmenes que conservan sorpresas en su interior son algunos de los objetos que se muestran en la exposición Los libros de Cortázar, en la Fundación Círculo de Lectores de Barcelona.

Formada por más de 4.000 documentos, fundamentalmente libros y revistas, la biblioteca de Cortázar fue donada en la primavera de 1993 por su viuda y legataria universal, Aurora Bernárdez, a la Fundación March, que la conserva en Madrid y que ahora da a conocer en la ciudad condal una pequeña muestra.

El presidente de la Fundación March, Javier Gomá, opina que esta exposición, que ya pudo verse en Madrid en 2005, "permite bucear en el alma y los secretos del escritor", mientras que Bernárdez, que ha viajado de París a Barcelona para la inauguración, ha destacado que su marido "nunca fue un coleccionista bibliófilo, aunque amaba los libros que había leído con placer, y que, a veces, eran de ediciones discretas".

En la exposición figuran dos curiosas separatas: una que contiene un breve poema visual, titulado '720 círculos', con las instrucciones para poder leerlo, y otra en la que se recoge el capítulo 126 de Rayuela, que su autor nunca incluyó en la novela que lo hizo mundialmente famoso.

"A Julio, tu estás por aquí en unas páginas", es una dedicatoria de Pablo Neruda de 1970, mientras que en la primera página de la primera edición de 'La casa verde', de Mario Vargas Llosa, se puede leer "A Julio y Aurora, los primeros lectores de esta novela de caballerías peruanas..."

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A bolígrafo o con un lápiz Cortázar anotaba mucho en los libros que le interesaban, a veces cortas frases como "Pinochet se los venderá a los yanquis, es lo más seguro" (en las memorias de Pablo Neruda), mientras que en otras ocasiones apostaba por una simple exclamación a pie de página: "Bello como Hölderlin", en un poemario de Pedro Salinas.

Precisamente su viuda aseveró que "subrayaba mucho porque establecía un diálogo con el autor, puesto que para él la lectura era una forma de relación privilegiada con alguien".

En la exposición también se da a conocer una anécdota, que Bernárdez ha confirmado, en el sentido de que el escritor y su esposa en un viaje en tren que efectuaron por Italia en los años 50 tiraban por la ventanilla las páginas que iban leyendo de ediciones baratas de novela negra que compraban en los quioscos de las estaciones.

La viuda del narrador ha contado que Julio leía primero y luego arrancaba la página y se la pasaba a ella, que la acababa lanzando fuera del tren porque "ya no valía la pena guardarlas. Lo importante es recordar lo leído".

Respecto a cómo se relacionaba Cortázar con los libros, Aurora respondió que era alguien habituado a pedir prestado y a prestar, que mantenía, especialmente, "relación con el contenido" de lo que leía y ha descubierto que "no toleraba escuchar música o que le hablaran", mientras estaba abstraído en esa tarea.

Habitualmente, en su casa de la calle Martel de París, el argentino tenía los libros colocados en las estanterías por orden alfabético, pero "sabía muy bien donde estaban los que le importaban, aunque reinara allí el desorden".

Autor que cuenta con nuevas generaciones de lectores jóvenes que siguen interesándose por su obra, según corrobora su viuda a partir de los mensajes que encuentra en su tumba, ahora vuelve a estar en voz de muchos al haberse utilizado su palabra para un anuncio de coches, lo que ha defendido su viuda, porque "se hizo bien" y porque "Cortázar siempre adoró los automóviles".

La exposición de Barcelona, que se podrá ver hasta el 21 de julio, coincide con la publicación del volumen VI de sus Obras Completas, dedicado a la obra crítica

http://www.elcultural.es/Noticias.asp?c=501301

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"Blade Runner" cumple 25 años

2007-06-30T13:14:00.000-04:00

Harrison Ford

Humanidad en ruinas

'Blade Runner', ese universo mojado y nocturno poblado de replicantes y policías, cumple 25 años

JUSTO NAVARRO
Había un amigo de mi padre que, cuando yo era niño, cada vez que aparecía por mi casa me decía: "Mírame a los ojos, que vea qué has hecho, quién eres". Me lo recuerda Blade Runner y su máquina para observar las reacciones oculares de los individuos sometidos al test de identificación de androides, la prueba Voight-Kampff.

Estamos en la Tierra, después de la guerra atómica, extinguidos los animales y sustituidos por copias. La ingeniería genética permite la construcción de robots o réplicas de seres humanos para el trabajo en las minas de las colonias planetarias. Hay replicantes que se rebelan, huyen del espacio exterior, buscan a sus creadores en la Tierra para pedirles que alarguen su programa de vida, como quien reza por su salud. Un cuerpo especializado de policía los persigue, localiza y liquida en el acto. A esto no se le llama ejecución, sino jubilación o retiro.

La base era una novela de Philip K. Dick, ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, de 1968, caricatura de la época, capaz de hacer humor con horror.

Mientras el marido, policía, se va a su trabajo de matón honrado, la esposa, en casa, se programa una depresión de seis horas en el órgano Penfield de estados de ánimo. Dick imaginaba Los Ángeles en 1992: monstruosos edificios de apartamentos roídos por el polvo atómico.

Blade Runner, la película de Ridley Scott, de 1982, de la que ahora se cumplen 25 años, nos lleva a Los Ángeles del año 2019, universo mojado y nocturno, asiatizado, de chinos y egipcios fabricantes de ojos y serpientes y tallarines, entre llamaradas y humaredas, oscuridad, lluvia infinita y anuncios luminosos de refrescos y aparatos electrónicos de 1982. Esta negrura incandescente es el bosque para la cacería de robots. La tecnología es otra máscara de la barbarie.

Ridley Scott, autor de Alien (1979), se especializaba en plagas e infecciones en espacios claustrofóbicos: la astronave de mercancías Nostromo, con sus fluidos que penetran en el organismo e inoculan un alien, o Los Ángeles de Blade Runner, obra maestra, inaugural, que, en sí misma, parece impura, contaminada de géneros diversos, fusión infecciosa de novela negra, ciencia-ficción, terror, tebeos, imaginería de la industria religiosa y de la industria musical pop.

El vestuario y los personajes salieron del dibujante Moebius, que ya había colaborado en Alien, antes de diseñar un parque de atracciones en San Francisco. El cine, que se había alimentado de la novela, se alimentaba de tebeos y cine, más que de la fábula de Philip K. Dick. La industria de la imagen podía vivir de sí misma, según demostraba Blade Runner, con su combinación nunca vista de clichés vistos muchas veces.

El futuro de Blade Runner es anacrónico: ventiladores de aspas y ordenadores gobernados por la voz humana, detectives fumadores y bebedores, policías sudorosos bajo la misma gorra de hace 50 años y en coches patrulla voladores.

El carácter del cazador de robots, verdugo soltero en la película, está en su gabardina, la cara cortada, los dedos rotos en la pelea, en los labios que dejan sangre en la copa de aguardiente. Es un hombre de silencio violento y palabra cáustica de cine negro de los años cuarenta; 2019, año posatómico, es vigilado por reflectores y haces de luz de la Segunda Guerra Mundial. Todo se amalgama y se enturbia de todo, como lo humano y lo artificial, lo orgánico y lo inorgánico. En 1982, cuando se estrenó Blade Runner, la realidad se parecía a nuestra realidad: Israel invadía Líbano por el sur a principios de junio en la operación Paz para Galilea, con 40.000 soldados.

La realidad de 2007 quizá imite la irrealidad de 2019 filmada por Ridley Scott, los bloques de viviendas en el extrarradio, sacralizados en Blade Runner como templos orientales, o sólo convertidos en ruina, futuro en ruinas, es decir, artístico. Altavoces volantes llaman a emigrar al mundo exterior. Existen individuos que se amotinan en el trabajo, se dan a la fuga, secuestran una astronave. Sienten un ansia irrefrenable de libertad. Tienen sentimientos humanos. Como cualquier humano, ni siquiera aceptarían que son máquinas. Tienen un implante de memoria: recuerdan unos padres, amigos de la infancia, un perro. Y, aunque no se acuerden de nada, la vida les parece una cosa agradable. Conocen el dolor de tener miedo, sangran, quieren vivir, lloran porque se mueren. Son replicantes perfectos, si es que todos los humanos de Blade Runner no son humanoides que todavía no han pasado la prueba Voight-Kampff.

Conocen, incluso, la crueldad humana, el instinto de venganza y de supervivencia.

El cazador los mira a los ojos. ¿Se sonrojan? ¿Fluctúa la pupila? ¿Se dilata el iris? Les dice quiénes son. Los aterra. Los mata mientras la ciudad se deshace bajo la lluvia, como el último replicante, que salvará la vida de su asesino antes de dejarse morir como Cristo, asistido en su agonía por la paloma o el Espíritu Santo en vuelo, un gran fogonazo de mal gusto épico-místico final.

Los únicos que lloran en Blade Runner son los replicantes. Tener sentimientos ha resultado un crimen. Es punible reaccionar humanamente, resistirse a la opresión, rebelarse contra las circunstancias, sufrir, querer vivir en paz, amar a los semejantes, sentir rencor, pero también piedad por el enemigo.

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La Universidad Complutense y Microsoft premiarán con 3,000 Eur. al diseño web más accesible

2007-06-29T19:04:00.000-04:00

La Universidad Complutense de Madrid y Microsoft Ibérica han convocado la segunda edición de los Premios de Diseño Accesible, que otorgarán 3.000 euros al diseño más accesible e innovador y que fomente la accesibilidad a las tecnologías de la información y de la comunicación para las personas con discapacidad.

El objetivo de este premio, concedido a través de la Cátedra Microsoft de Accesibilidad a la Educación, es 'promover y fomentar el interés de los diseñadores de páginas de internet por la accesibilidad' y, al mismo tiempo, conseguir que el diseño para todos sea un parámetro fundamental en el planteamiento, diseño y puesta en marcha de portales web, para que la red pueda ser un herramienta útil también para las personas con discapacidad.

Los trabajos candidatos pueden presentarse hasta el próximo 31 de octubre de 2007, y deberán consistir en un diseño software para desarrollar páginas web accesibles. Este software deberá, necesariamente, generar código HTML o XHTML que cumpla las normas de accesibilidad del protocolo WAI en nivel de prioridad AA.

Los trabajos presentados deberán incluir un manual de usuario detallado y documentación suficiente para poder estudiar en todos sus extremos el código. El software deberá funcionar en sistemas Windows, si bien se deberá garantizar la portabilidad a otros sistemas.

El fallo de los premios se hará público en un plazo no superior a 90 días a partir del día siguiente a la fecha de finalización del plazo de presentación de los trabajos (31 de octubre de 2007). Las bases de la convocatoria se encuentran publicadas en la dirección web

' http://cmae.mat.ucm.es/cmae/premios/ii-convocatoria '.

Terra Actualidad - Europa Press

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Entrevista a Amos Oz : "Es difícil ser profeta en la tierra de los profetas"

2007-06-28T09:37:00.000-04:00

Amos Oz

El escritor israelí Amos Oz (Jerusalén, 1939) fue galardonado ayer con el Premio Príncipe de Asturias de las Letras por la brillantez de su literatura, su contribución a vislumbrar los problemas universales de nuestro tiempo y su defensa de la paz y la lucha contra el fanatismo.

Narrador, ensayista y periodista, Oz, que fue uno de los creadores en 1978 del movimiento pacifista Paz Ahora, ya había sido propuesto el año pasado para este galardón, que, con él, premia por vez primera la creación literaria en lengua hebrea. La distinción, dotada con 50.000 euros y la reproducción de una escultura de Joan Miró, la recibirá en Oviedo el próximo mes de octubre.

El escritor israelí Amos Oz fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Letras por la brillantez de su literatura, su contribución a vislumbrar los problemas universales de nuestro tiempo y su defensa de la paz y la lucha contra el fanatismo.

La obra literaria de Amos Oz se estudia en las escuelas de Israel, un país muy lector, donde sus libros son de los más vendidos. Como la mayoría de sus compatriotas masculinos, ha participado en varias guerras. Pero nunca ha escrito sobre aquellas experiencias. Fundó el movimiento pacifista israelí Paz Ahora en los setenta. Pero su influencia política ya no es la que fue. Es partidario de llegar a acuerdos con los palestinos. Y eso le coloca a la izquierda del israelí de a pie. Candidato al Nobel, fue finalista del Príncipe de Asturias de las Letras el año pasado. Oz ganó ayer lo que considera "un reconocimiento maravilloso".

A los 14 años, Amos Klausner se cambió el apellido por el de Oz (fortaleza, en hebreo) al mudarse a un kibutz (las granjas colectivas que simbolizaron el socialismo sionista). Sus tres hogares son un recorrido por la historia israelí. Creció en una familia religiosa en una Jerusalén aún bajo el mandato británico. Abandonó el hogar familiar por el kibutz. Desde hace dos décadas vive en Arad, una ciudad creada para poblar el desierto del Negev.

Oz supo de la concesión del premio en su casa, poco antes de salir de viaje. Volaba a Londres y de ahí a Brasil, a un festival literario. Metódico, encendió su móvil a la hora exacta a la que había citado a El PAÍS. Contestó en un inglés impecable desde el taxi camino del aeropuerto.

Pregunta. ¿Considera que abordar tan a menudo la historia y la identidad lastra su literatura?

Respuesta. No siempre escribo sobre historia e identidad. Si me pide una palabra, diré que escribo sobre familias. Si me pide dos, diré que escribo sobre familias infelices.

P. ¿Sería usted escritor si no hubiera vivido en primera persona, a los nueve años, la creación del Estado de Israel y después su convulsa historia?

R. Me convertí en escritor por las historias que me contaba mi madre cuando era niño y gracias a la erudición de mi padre. Hubiera sido escritor de haber nacido en cualquier lugar del mundo, siempre que hubiera tenido los mismos padres.

P. Pero Israel, sus escenarios, sus avatares, sus gentes son esenciales en sus libros.

R. Cualquier escritor que se precie escribe sobre su pueblo, sus circunstancias, su ambiente. No soy una excepción.

P. ¿Dónde se ubica usted? ¿Pertenece a una literatura israelí? ¿A una literatura judía, más amplia, sin fronteras?

R. Pertenezco a la lengua hebrea. El hebreo moderno es mi instrumento musical.
P. A principios del siglo XX era una lengua muerta, la del culto judío. Hoy tiene más de 10 millones de hablantes. El hebreo y usted han madurado juntos.

R. Mucha de la historia del hebreo moderno ha ocurrido ante mis ojos. He participado en ella. Y estoy muy orgulloso del resultado. Me encanta trabajar con esta maravillosa lengua.

P. En Una historia de amor y oscuridad, para muchos su gran obra, cuenta su niñez. En Oriente Próximo existe poco amor y cada vez más oscuridad.

R. En esa novela autobiográfica hay mucho amor por los libros y la lengua hebrea. Hay un amor tierno por la familia. Y también, mucha oscuridad por la pérdida de mi madre, que se suicidó cuando yo tenía 12 años.

P. ¿Y en la región? ¿Cómo está el balance de amor y oscuridad?

R. Tenemos oscuridad, amor y esperanza. Veo una oportunidad real de que haya progresos entre los israelíes y los palestinos. El divorcio entre los palestinos extremistas y moderados hace posible que Israel haga la paz con los palestinos moderados.

P. Usted está muy comprometido con la paz, pero ¿de verdad lo cree posible?

R. Es difícil ser profeta en la tierra de los profetas. Hay demasiada competencia. Creo que hay una oportunidad de lograr un compromiso histórico entre los moderados palestinos y los moderados israelíes.

P. ¿Y qué ocurrirá con el resto de los palestinos?

R. Ellos deberán deshacerse del fanatismo y el fundamentalismo. Mientras no lo hagan, no tienen esperanza.

P. ¿Cómo es la paz que usted quiere?

R. Creo en una solución de dos Estados a lo largo, más o menos, de las fronteras del 67. Habrá que hacer algunas modificaciones, acordadas, al trazado. Tenemos que dividir la casa en dos apartamentos. Habrá que intercambiar tierras para reconocer la realidad demográfica en los territorios palestinos y en Israel.

P. ¿Mantener algunas colonias judías?

R. Sí, pero a cambio de tierras vacías en otro lugar que se entregarán a los palestinos. Ellos tendrán Gaza y Cisjordania.

P. ¿Y Jerusalén?

R. Jerusalén será la capital de ambos Estados. La capital israelí en el oeste de la ciudad y la palestina, en el este.

P. Está escribiendo su próximo libro. ¿Puede adelantar algo?

R. Siempre soy reacio. No me gusta someter mi embarazo a los rayos X. No es bueno para el bebé.

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BIBLIOGRAFÍA SELECCIONADA
Una pantera en el sótano. Oz describe la historia de un muchacho judío que, en tiempos de mandato británico en Palestina, entabla relación con su enemigo.
Una historia de amor y oscuridad. Una autobiografía en forma de novela, de los orígenes de su familia a su historia de infancia y juventud.
De repente en lo profundo del bosque. Cuenta la historia de un pueblo sobre el cual ha recaído una extraña maldición: la desaparición de todos los animales...
El mismo mar. Todos los personajes de esta obra están separados de su objeto de amor

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Reconocimiento a un virtuoso de la lengua hebrea MARIO VARGAS LLOSA
"Su compromiso no está de moda en esta era 'light"

Mario Vargas Llosa (Arequipa, Perú, 1936) conoció a Amos Oz a principios de la década de los setenta, cuando el escritor israelí, antes de ganar fama mundial, vivía en un kibutz en el que trabajaba en el campo de día y escribía de noche. Para el escritor peruano, Oz es representante de un tipo de intelectual comprometido, "no muy de moda en esta época de literatura light".

Vargas Llosa lo encuadra, más bien, con una corriente de pensamiento que, en los años cincuenta y sesenta, daba por hecho que el escritor no sólo tenía una responsabilidad artística, sino también cívica y moral. "A través de su escritura, participaba en el debate y aportaba una voz libre, independiente y justa en medio de los grandes conflictos", reflexionaba ayer el autor de La fiesta del Chivo desde Lima, antes de tomar un avión hacia Madrid. Vargas Llosa celebra la implicación de Oz y rechaza las acusaciones de que el compromiso es una actitud arrogante o pretenciosa.

Un compromiso que, en el caso de un escritor, israelí y laico, como Oz, lo llega a colocar al borde del precipicio interior: "Significa un desgarro, y eso está presente en la obra novelística y ensayística de Oz", afirma Vargas Llosa.

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Defensor de la paz, enemigo del fanatismo

JAVIER CUARTAS – Oviedo
Amos Oz, académico de la Lengua Hebrea, catedrático de Literatura Hebrea en la Universidad Ben Gurion (Beer-Sheva, Israel) y profesor visitante en la Universidad de Oxford, fue el candidato favorito este año al Príncipe de Asturias de las Letras desde el primer momento de las deliberaciones. La candidatura del escritor israelí -propuesta, al igual que el año pasado, por la catedrática de Literatura Rosa Navarro Durán- gozó del apoyo sistemático de 19 de los 20 miembros del jurado en todas las rondas de descarte y también en la última, en la que sólo uno de los jurados mantuvo su respaldo al finalista, el escritor albanés Ismaíl Kadaré.

El acta reconoce en Oz su contribución "a hacer de la lengua hebrea un brillante instrumento para el arte literario" y su aportación a "la revelación certera de las realidades más acuciantes y universales de nuestro tiempo, con especial atención tanto a la defensa de la paz entre los pueblos como a la denuncia de todas las expresiones del fanatismo".
El pais/28.6.07

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Amos Oz, escritor israelí, gana el premio Príncipe de Asturias de las Letras 2007

2007-06-27T11:19:00.000-04:00

Amos Oz

El intelectual apoya con sus novelas y ensayos la reconciliación entre palestinos e israelíes

El escritor israelí Amos Oz ha ganado el Premio Príncipe de Asturias de las Letras 2007, que se falla hoy en Oviedo. A las últimas rondas de votaciones del jurado presidido por el director de la Real Academia Española, Víctor García de la Concha, han llegado también con opciones el albanés Ismail Kadaré, la canadiense Margaret Atwood, el coreano Ko Un y el italiano Antonio Tabucchi.

Amos Oz está considerado como uno de los intelectuales israelíes más comprometidos con la búsqueda de una salida pacífica al conflicto entre Israel y Palestina.

El escritor israelí ha manifestado que se siente "honrado" por haber sido galardonado porque este reconocimiento viene de un país, España, cuya cultura admira.

35 candidaturas de 23 países

A la edición de este año concurrían 35 candidaturas procedentes de 23 países, entre las que figuraban también la del novelista japonés Haruki Murakami, el escritor británico Martin Amis y los poetas Antonio Gamoneda y Germán Belli de la Torre. Antes de la constitución del jurado, García de la Concha lamentó la ausencia de "los grandes escritores en lengua española", lo que atribuyó al "desaliento" de sus promotores tras seis años de "sequía" en los que el premio fue para autores en lengua extranjera.

El nombre más mencionado por la mayor parte del jurado fue desde el principio el del israelí Amos Oz, un autor por el que se decantaron varios de sus miembros, como el fundador del diario La Razón, Luis María Ansón, el escritor Juan José Armas Marcelo y los catedráticos de Literatura Rosa Navarro y Andrés Amorós. Este último recordó que Oz ha sonado también recientemente para obtener el Premio Nobel.

Una apuesta por la paz

Para Ansón, el "gran acierto" de universalizar los Premios Príncipe de Asturias ha permitido optar a esta distinción a autores "de primer relieve" como Oz, quien une a su "indudable categoría literaria" su apuesta por la paz entre israelíes y palestinos.

Armas Marcelo, considera a Oz como un autor "minoritario", lo que en su opinión "no quiere decir nada", pues cuenta con un amplio reconocimiento intelectual y académico internacional. Armas Marcelo ha lamentado también la ausencia de escritores españoles al margen de Gamoneda o del novelista Arturo Pérez Reverte.

El cuarto galardón de este año

El Premio Príncipe de Asturias de Las Letras está destinado a galardonar a la persona, grupo de personas o institución cuya labor creadora o de investigación represente una contribución relevante a la cultura universal en los campos de la Literatura o la Lingüística, según explica la Fundación. El galardón, dotado con 50.000 euros y una estatuilla diseñada por Joan Miró, es el cuarto que se falla este año tras los de Cooperación Internacional (Al Gore), Artes (Bob Dylan) e Investigación Científica y Técnica (Ginés Morata y Peter Lawrence).

En ediciones anteriores obtuvieron este premio autores como José Hierro, Juan Rulfo, Ángel González, Mario Vargas Llosa, Camilo José Cela, Claudio Rodríguez, Carlos Fuentes, Francisco Umbral, Günter Grass, Augusto Monterroso, Doris Lessing, Arthur Miller, Susan Sontag, Claudio Magris y Paul Auster, quien lo recibió en la última edición.

El país/27.6.07

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Lirismo y reflexiones de Nancy Morejón

2007-06-26T23:17:00.000-04:00

Nancy Morejón

Por Mercedes Santos Moray

(CUBARTE) El ensayo, género por excelencia para el sujeto, ha devenido con el tiempo árida monografía, estudio ancilar que pierde en calidades y bondades estilísticas tras una presuntuosa cientificidad, cuyo objetivo teórico suele disminuir en lectores y cultores su expresión poética.

Sin embargo, resulta alentador encontrarse con otra mirada, más próxima a los orígenes de aquellos textos de Miguel de Montaigne, contribución seminal al género, cuando la ocasión nos entrega, nuevamente, el placer de la lectura y gracias a esa escritura que no renuncia a sus valores estéticos per se , volver a encontrar en el ensayo tanto el lirismo del sujeto como el desarrollo conceptual que avalan, desde planos gnoseológicos, tal discurso.

Nancy Morejón no sólo es poeta en versos, lo ha demostrado desde el testimonio y en su propia oratoria, dentro del canon de la promoción cultural, sino también cuando se adentra en el ámbito de lo literario desde su condición de ensayista, desde la que se nos revela como lo que es, una de las más sólidas intelectuales cubanas.

Desde su búsqueda, aprehensión y definición identitarias, esta escritora asume sus ensayos, como toda su poética, desde su “condición de mujer y de mi condición de negra”, elementos sustanciales de su discurso literario y de su propia eticidad dentro del plural y nada homogéneo panorama de las letras cubanas contemporáneas.

Conmueve leer su poema Madre, como su explícita alusión a “Angélica Hernández, modista y ama de casa; huérfana y peregrina”, su progenitora, ese “fantasma” que es también su raíz y alimento, en clara referencia a la reflexión de Virginia Woolf quien solía afirmar que detrás de toda escritora “aletea el fantasma de su madre”.

Y es que Nancy Morejón, habanera nacida y educada desde sus orígenes populares en el barrio de Los Sitios, en el hoy populoso municipio de Centro Habana, hija de marino andariego y trabajador, libre de pensamiento y de prejuicios, entre vecinos que tocaban rumba de cajón, deudora de la ética y de la estética de quien podemos considerar su mentor, el poeta

Nicolás Guillén, derivado luego en profuso objeto de sus propias reflexiones, es también resultado de esa mixtura de razas y tradiciones, síntesis transculturada de una nacionalidad que ella evoca en su poesía y en su prosa.

Dentro de una zona de la intelectualidad cubana vemos a muchos egresados de aquella controversial, polémica e igualmente querida Escuela de Letras y de Artes, nacida de la Reforma Universitaria en los años 60 del pasado siglo, contexto de la formación académica y espiritual de Nancy Morejón, que la hacen a ella, como a tantos de nosotros y nosotras, deudores de quienes fueron no sólo nuestras profesoras en las aulas, sino interlocutores y estímulo para nuestro propio desarrollo como personas. Me refiero a esa pléyade de maestros y maestras, verdadero privilegio compartido, bosque en el que espigamos a la sombra de Vicentina Antuña, Rosario Novoa,

José Antonio Portuondo, Mirta Aguirre y, sobre todo, con la amorosa comprensión y generosidad de Camila Henríquez Ureña.

En el cuaderno Ensayos, publicado por la Editorial Letras Cubanas, donde se reúnen varios textos de Nancy Morejón, críticas y reflexiones, ponencias y discursos académicos, diálogo abierto como lo es el ensayo en su génesis, ella incluye un poema que cualquiera de nosotros hubiera deseado haber escrito, dedicado a Camila, quien nos enseñó, como lo afirma Nancy, la sustancia oral de la literatura, y que la letra sólo es contingencia pero y sobre todo, nos dio una atmósfera de estudio y de enriquecimiento cuyas huellas están en cuanto de bueno alienta en nuestras vidas y en nuestras obras.

“Estábamos desprovistos de arco y flechas. No conocíamos a Horacio, ni el carácter dolce y utile de las letras. Camila nos hundió en el valor del conocimiento, en las aguas del Artibonie y en las de la imago.Ya nunca más salimos a flote sino que respiramos en sus cuevas marinas una sal de medusa incomparable. Permanecimos sumergidos como una nueva catedral en el centro de los corales.”

Desde los socráticos encuentros (diálogos y aprendizaje) en el despacho de Nicolás con Eliseo Diego, hasta su exploración en las raíces de nuestra nacionalidad, con mirada crítica, como cuando Nancy se adentra en Cecilia Valdés, revalora a Ramón de la Sagra en sus relaciones con Saco y la sacarocracia ante la esclavitud, como en toda referencia suya al entorno cultural y literario del Caribe, ya en la plástica de Manuel Mendive o ante las obras de los haitianos Jacques Roumain y Jacques Stephen Alexis, como en sus exploraciones sobre el género, y en particular, sobre la mujer negra dentro del contexto cultural y social, como en su proyección hacia el presente demuestra esta mujer la agudeza de su juicio y también su fina sensibilidad.

Y esta se hace palpable en otros escenarios como cuando busca las coordinas de

Dulce María Loynaz en su amorosa relación con Cuba, mientras refuta la presunta hermeticidad de la poética de José Lezama Lima o valora la trascendencia de ese escritorazo que es nuestro bienamado Mario Benedetti, porque el periplo ensayístico de la Morejón, que habla de sus lecturas y meditaciones, así como de la solidez de su formación universitaria y de su amplia caja de resonancias, tiene además la virtud de presentarnos la asimilación de las fuentes múltiples de su escritura, sin depender de citas ni apostillas en las que se suele descansar, pidiendo prestado al otro el pensamiento ausente en el discurso propio que tanto lastra mucho ensayismo actual.

En ese diálogo intrínseco con la cultura, digerida desde su estado natural, como enriquecimiento del yo, del pensamiento y del alma, en el flujo y reflujo de las mareas donde se forja una personalidad y un criterio, mucho nos recuerda Nancy Morejón a Martí, a ese ensayismo suyo que se desbordaba en cuanto ideas y belleza, nada ancilar de otros géneros, expresión legítima de la literatura cubana que, desde sí, ganaba y gana trascendencia universal.

Cubarte 18.6.07

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El antropólogo Héctor Díaz-Polanco interviene en el foro da Cultura Galega sobre identidades

2007-06-26T17:04:00.000-04:00

Héctor Díaz-Polanco

De: La voz de Galicia

El antropólogo social y sociólogo mexicano Héctor Díaz-Polanco protagoniza el jueves una nueva sesión del seminario interdisciplinar O(s) Sentidos da(s) Cultura(s) , que se celebra desde hace unos meses en el Consello da Cultura Galega coordinado por el profesor y miembro de esta institución Ramón Máiz.

El foro tiene como objetivo abordar los debates e investigaciones más recientes sobre la pluralidad de nociones y prácticas de la cultura en ámbitos de la Filosofía, la Antropología, el Arte, la gestión y los estudios culturales o las políticas del multiculturalismo. La conferencia de Díaz-Polanco, considerado uno de los principales especialistas en temas étnicos y autonómicos de América Latina, se titula Tesis sobre diversidad, identidad y globalización.

El Consello da Cultura, como ha hecho con otros ponentes en este foro, ha colgado en Internet el texto, para que las personas interesadas en participar en el debate puedan conocerlo.

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Aislamiento en los chats

2007-06-25T18:09:00.000-04:00

Por Carlos Miguélez*

Cada vez más personas utilizan los chats para comunicarse. La realidad virtual dificulta el acercamiento de las personas por los avances en las comunicaciones que MacLuhan predijo. El uso de las tecnologías en Internet genera un autismo que ahoga la esperanza del auge que trae ese formidable instrumento de comunicación a los movimientos de solidaridad.

Internet encoge el mundo, nos aproxima y nos debe hacer sentir responsables solidarios uno de otros. Facilita el intercambio rápido de mensajes entre personas separadas por distancias hasta hace poco inabarcables. Permite contar cosas, plantear los problemas y el malestar que se perciben en el mundo, protestar y promover la búsqueda de propuestas alternativas.

Con los chats, la gente comienza a sustituir formas sociales establecidas para la comunicación interpersonal, uno de los pilares de la solidaridad, sin sustituirlas por otras alternativas igualmente dignas. Solidario proviene de solidus, moneda de oro utilizada por los romanos. La palabra solidaridad se refiere a una realidad firme que se logra mediante la relación entre personas diferentes así como a la responsabilidad asumida entre ellas, que se unen porque se saben seres abiertos a los demás, seres de encuentro y no islas.

El Messenger no es más que un recurso útil para personas que se encuentran lejos de sus seres queridos, un método eficaz para emitir mensajes cortos y una herramienta de trabajo.

En la comunicación cara a cara es preciso desarrollar habilidades comunicativas, utilizar bien el lenguaje y mover el cuerpo en sintonía con lo que se dice para que se comprenda mejor el mensaje. La gente se oculta detrás de su pantalla cuando utiliza los chats. Nunca podrán sustituir las miradas, los gestos, los movimientos corporales que delatan los estados de ánimo y que muchas veces son más elocuentes que las palabras. Ni tampoco los tonos de voz ni los silencios de las conversaciones telefónicas.

Con el abuso de los chats las personas sienten menos la necesidad de salir al encuentro de los demás y corren peligro de aislarse. Mientras chatean, algunas personas son capaces de hablar de distintas cosas, de poner en la pantalla símbolos de corazón y de mostrar una cortesía y un afecto que no muestran en un encuentro frente a frente. Si somos incapaces de saludar a nuestros vecinos, si no tenemos gestos afectuosos con las personas y si no somos capaces de mirar y de escuchar, ¿cómo podremos ser solidarios con los demás?

El analista Nicholas Negroponte habla de la contracultura que emerge de las nuevas tecnologías y sostiene que la tecnología digital puede ser una fuerza natural que atrae a la gente en su búsqueda de una mayor armonía universal.

Esto es verdad si las tecnologías se utilizan para lo que realmente sirven. Tenemos acceso a una cantidad enorme de información. Sólo es preciso saber buscar y saber discernir. Internet puede ser el espacio de encuentro de una contracultura similar a la que se dio en los años sesenta a raíz de tantas guerras e injusticias.

Si la gente aprende a utilizar las nuevas tecnologías en busca de propuestas alternativas, como pretendieron la beat generation y los hippies, se podría consolidar una cultura no violenta y solidaria. Se hará posible que las nuevas autopistas de la comunicación lleven a millones de personas a espacios de encuentro para compartir experiencias y proponer alternativas junto con las necesarias protestas.

Quizá el auge de los blogs suponga el movimiento de contracultura que Negroponte sugiere y convertiremos todos juntos las autopistas de la información en las que podamos sabernos libres, felices y solidarios. Todo dependerá del uso que se le dé a este nuevo fenómeno. No es aconsejable que cada persona se haga responsable de un blog, porque éste, como los jardines, necesita su cuidado so pena de marchitarse. El peligro en Internet es que termine por convertirse en el medio por el cual muchas personas pudieran afirmar su aislamiento.

Nos encontramos en un momento de grandes esperanzas. Es preciso que las tecnologías sirvan a la gente, no que las personas se pongan al servicio de las tecnologías.

* Periodista

Centro de Colaboraciones Solidarias CCS

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Comienza el rodaje de 'Los sabios de Córdova'

2007-05-31T20:47:00.000-04:00

Maimónides

Averroes

CÓRDOBA, 29 (EUROPA PRESS)
La delegada de Desarrollo Económico y Turismo de la Diputación de Córdoba, Ana María Romero, anunció hoy que, "después de casi un año de gestiones, lideradas por la Córdoba Film Commission, ha comenzado por fin el rodaje" del documental 'Los sabios de Córdoba: Averroes y Maimónides en su tiempo y el nuestro', del director norteamericano Jacob Bender.

A través de un comunicado remitido hoy a Europa Press, Romero explicó que ello ha sido posible "gracias, fundamentalmente, al apoyo de producción de la empresa MLK Producciones, que, para el mundo audiovisual andaluz y español, es una seña de seriedad y calidad".

Romero recordó que, "ya en mayo de 2006 y de la mano de la Córdoba Film Commission, el presidente de la Diputación, Francisco Pulido, y yo misma nos entrevistamos con el director norteamericano Jacob Bender, para conocer de primera mano las características de dicho proyecto".

Desde aquel momento la institución provincial se interesó por la contribución que dicho proyecto hacía al entendimiento entre las tres grandes culturas y religiones: la cristiana, la musulmana y la judía, en el contexto de la Alianza de Civilizaciones que viene impulsando el Gobierno español, en el seno de la Organización de las Naciones Unidas (ONU).

De hecho, este documental aborda las relaciones existentes entre las tres comunidades, para cuestionar el llamado 'choque de civilizaciones', que se ha convertido desde el 11 de septiembre de 2001 en el principal desafío de Occidente.

Con este propósito, 'Los Sabios de Córdoba' quiere mostrar experiencias y testimonios a nivel mundial que desmontan el enfrentamiento entre Oriente y Occidente o la supuesta contradicción entre Islam y democracia, y propone un reflejo en la Historia, a través de las vidas e ideas de Averroes y Maimónides, dos estudiosos, uno musulmán y otro judío que, desde la Andalucía del siglo XII, proyectan un discurso contemporáneo sobre el pluralismo, la tolerancia y la reconciliación árabe-judía en las actuales Israel y Palestina.

Según subrayó por su parte Jacob Bender, 'Los Sabios de Córdoba' se está produciendo "con la cooperación sin precedentes de organizaciones, estudiosos, líderes religiosos, e individuos alrededor del mundo, tanto cristianos, como musulmanes y judíos". De hecho, en Estados Unidos, 'Los Sabios de Córdoba' ha recibido el apoyo de el National Council of Churches of Christ in USA, el Islamic Society of North America, y el United Synagogue Council, las tres organizaciones cristiana, musulmana, y judía, respectivamente, mas grandes de Norteamérica y que representan a cerca de 60 millones de personas.

En España, este documental está avalado desde el principio por el Gobierno Español, a través del Ministerio de Asuntos Exteriores, siendo la figura y la opinión del ministro, Miguel Ángel Moratinos, una de las de mayor peso en la narración audiovisual.Debido al interés mostrado por ambas partes, la Córdoba Film Commission, como oficina de promoción audiovisual de la provincia de Córdoba que opera bajo las directrices de Ana María Romero, ha propiciado un nuevo encuentro entre el presidente de la Diputación de Córdoba y el director y coproductor de la película, en esta ocasión acompañado por el productor ejecutivo español de MLK producciones, José Antonio Hergueta.

En dicho encuentro, Pulido ha sido informado de los últimos detalles del proyecto, así como de las peculiares características del rodaje. Pulido reiteró su total apoyo a tan importante y trascendente obra y ha comprometió una aportación económica para su realización, sumándose así a la lista de entidades colaboradoras, entre las que cabe destacar el United Status Institute for Peace, la Carnegie Corporation of New York o la Islamic Society of North America, que han visto en 'Los Sabios de Córdoba' una oportunidad de oro para seguir luchando por la paz y el entendimiento entre culturas y religiones.

Pulido apuntó para terminar que "con 'Los Sabios de Córdoba' el mundo entero se reencontrará con una Córdoba acogedora y universal, tolerante con las personas y con las ideas, capaz por ello de liderar, debido al peso específico de su historia, pero también al dinamismo de su presente, un proyecto de futuro como es la Capitalidad Europea de la Cultura en 2016".

Lukor

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Murió el 'enfant terrible' de la pintura alemana, Jorg Immendorff

2007-05-31T07:54:00.000-04:00

Jörg Immendorff fue discípulo de Beuys y amigo y retratista oficial del ex canciller Gerhard Schröder. Recurría a orgías y excesos de cocaína para olvidar su enfermedad.

En el mundillo del arte era llamado "el monarca de la pintura". Jörg Immendorff declinaba toda interpretación de su obra. "Como observador no busco historias en una pintura, lo que busco es magia", solía decir sobre sus cuadros de gran formato en los que a menudo aparecían figuras históricas. El conjunto de cuadros titulado "Café Alemania", lo lanzó a la fama a finales de los años 70. Las pinturas de gran formato abordan la división alemana, desde la Segunda Guerra Mundial hasta 1990, pero más que un fenómeno alemán, en ellas el pintor plasma sus impresiones sobre dos países que eran frontera de dos potencias enfrentadas.

Artista de protesta

Nacido en 1945 en la localidad de Bleckede, en Baja Sajonia, Immendorff estudió con Teo Otto y Joseph Beuys en la Academia de Arte en Düsseldorf. Empezó su carrera en los años 60 dándose a conocer inicialmente como artista de protesta. Pronto se situó como uno de los principales exponentes del neoexpresionismo alemán con un tono satírico en su obra.

Con la muerte de Immendorff, Alemania pierde uno de sus artistas más renombrados, un creador multifacético cuya obra alcanzó un prestigio internacional. Pese a ser amigo y retratista oficial del excanciller Gerhard Schröder, Jörg Immendorf tenía más fama en el exterior que en Alemania misma. En 1997 recibió el premio Marco del Museo de Monterrey, México, por su obra Accumulation 2. Su obra recorrió varios países de América Latina.

Fama internacional

En 1985, una gran exposición con los principales exponentes del neoexpresionismo alemán llevó obras de Immendorff y de otros 16 artistas germanos al Museo de Arte Moderno de Chapultepec, México. La muestra provocó gran interés en el medio artístico por su agresividad, fuerte colorido y temas descarnados.

En el 2003, otra muestra con obras de la colección del Deutsche Bank llevó obras de Immendorff y otros representantes del neoexpresionismo alemán nuevamente a México, y posteriormente a Brasil, Argentina y Chile.

A partir de los años 90 comenzó una nueva fase creativa marcada por su interés en el dadaísta Kurt Schwittler, la escritora y crítica de arte estadounidense Gertrude Stein y el pintor cubano- francés Francis Picabia. Condenado a muerte tras diagnosticarle en 1998 una variante de la esclerosis conocida como la enfermedad de Lou Gehring, el pintor reconoció recurrir a la cocaína para enfrentar sus ataques de terror. En el año 2000 se casó con su alumna búlgara, Oda Jaune, 30 años más joven que él

Orgías y cocaína

En el 2003 Immendorff saltó a los titulares de la prensa al ser encontrado por la policía en un hotel de lujo de Düsseldorf en medio de una orgía. El pintor yacía desnudo en la cama con nueve prostitutas a su alrededor. También fue encontrada una bolsa con 56.000 euros y 12 gramos de cocaína en un cenicero.

El artista reconoció todos los cargos contra él y dijo en su defensa que tan sólo estaba dando vida a sus fantasías eróticas de inclinación oriental, pero que nunca llegó a mantener relaciones sexuales. Immendorf reconoció que durante los dos últimos años había celebrado por los menos unas 27 fiestas similares. El artista, visiblemente pálido y nervioso, explicó ante el Tribunal de Düsseldorf que esas fiestas obedecían al impulso provocado por su avidez de vivir.

El sentido de la vida

Una de las últimas obras del artista fue la ilustración de una Biblia que tuvo una edición limitada a 105.000 ejemplares que contenían 25 gráficas del pintor. Pese a no considerarse religioso, Immendorff dijo que la Biblia es más actual que nunca cuando uno la toma como símbolo de la búsqueda del sentido de la vida del hombre.

La enfermedad que padeció durante la última década, que atrofia progresivamente los músculos, lo confinó a una silla de ruedas. El invierno pasado, la Nueva Galería Nacional de Berlín acogió una gran retrospectiva con la obra del artista con motivo de su 60 aniversario.
Eva Usi /Deutsche Welle

Immendorff: arte y dolor

Jörg Immendorff es el pintor contemporáneo alemán más famoso. Pero el destino, además de éxito, le ha deparado también una seria enfermedad y escándalos. En Karlsruhe se le dedica ahora una exposición.

Verse pueden más de 70 obras de Immendorff, entre cuadros, grabados y plásticas, clasificadas en tres periodos creadores del artista de los años 60 hasta 1995.

Sólo faltan los trabajos más recientes de Immendorf, que actualmente tiene 61 años de edad y desde hace ocho años sufre de la incurable enfermedad esclerosis lateral amiotrófica (ELA), está paralítico hasta el cuello y depende de un aparato de respiración y una silla de ruedas.

"A la cuarta fase de creación de Immendorf nunca hallé un acceso", dice Erika Rödiger-Diruf, directora del museo Städtische Galerie y curadora de la muestra.

Un regreso a la historia

La exposición "Facetas de una obra" presenta la obra de este artista político en forma cronológico-temática y comentada con particular esmero. Es un periplo de regreso a la historia de Alemania y del mundillo del arte alemán: Immendorff, alumno de Teo Otto y Joseph Beuys, nunca quiso –en una época en que todo su entorno tendía al conceptualismo y el minimalismo– desprenderse de lo figurativo.

En sus tempranos trabajos de los años 60 y 70, Immendorff caricaturizó a la elite política de entonces en una mezcla de cómic con realismo socialista, en imágenes que hoy se nos antojan ingenuas en vista de las dimensiones de los problemas posneoliberales.

Pero el por entonces maoísta Immendorff tenía algo que no abunda en la izquierda alemana: no tomarse muy en serio a sí mismo. Sus muñecos pintados en lienzo con chillones colores y que claman por la paz parecen incluso guardar cierta condescendencia para con el devenir del mundo.

Dudosa calaña

Las obras de su segundo periodo creativo tematizan la Guerra Fría y la división de Alemania. En las 19 pinturas exhibidas, que Immendorf creó entre 1978 y 1982, surgen, bosquejados, el águila como símbolo de la República Federal, la Puerta de Brandeburgo, alambre de púas y oscuras figuras.

Pero los personajes sentados en los cuadros de la serie "Café Alemania" no son para nada héroes, sino artistas de dudosa calaña, rodeados de soplones, agentes secretos y figuras lobunas junto a la barra del bar, maquilladas de rojo, negro y gualdo, los colores nacionales alemanes. Y como símbolo del frío en las relaciones entre Alemania Oriental y Alemania Occidental, Immendorff opta por un enorme glaciar.

En su tercera fase, Immendorff reflexiona, por ejemplo en la serie "Café de Flore", sobre su propia existencia como artista. El cuadro del mismo nombre de 1990/91 muestra un mercado de verduras en el que Immendorf colocó seres humanos vivos y otros ya fallecidos, entre ellos conocidos pintores, él mismo como comerciante judío y una mujer desnuda con los rasgos de Rita Hayworth.

Un surrealista realista

"Immendorff se autodefine como 'surrealista realista', y ello con razón", dice Rödiger-Diruf. Sus sueños pintados son "tanto aproximaciones a la realidad como también mundos oníricos", que el artista, según él mismo ha dicho, "no piensa descifrar".

La directora del museo quiere también "sacar a Immendorff del pantano de la prensa sensacionalista". El pintor saltó a los titulares cuando, en el 2004, la Policía lo sorprendió en un hotel de lujo de Düsseldorf consumiendo cocaína junto con prostitutas. Con la exposición, Rödiger-Diruf aspira a "hacer olvidar ese episodio y mostrarle a la gente al artista Immendorff".
Pablo Kummetz

Deutsche Welle

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Santo Domingo Somos todos : Invitación y noticia

2007-05-28T19:33:00.000-04:00

Somos todos/as: Invitación y noticia

El Movimiento Santo Domingo Somos Todo/as invita a Inicio su campaña ambiental contra el desmonte y el tráfico ilegal de miles de palmas adultas.

Estas constituyen el habitat natural de la Cigua Palmera, Ave Nacional de la República Dominicana.

Técnicos y especialistas enpolítica ambiental explicarán los graves daños que representa esa práctica por su impacto negativo inmediato en el equilibrio de nuestra biodiversidady por la señal que se envía al país cuando las propias autoridades fomentan la tumba de árboles adultos, en violación de todas las leyes ambientales.

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El poeta chileno Omar Lara gana el VII Premio "Casa de América"

2007-05-24T09:05:00.000-04:00

Omar Lara

EL POETA CHILENO OMAR LARA
GANA EL VII PREMIO "CASA DE AMÉRICA"
DE POESÍA AMERICANA

Un jurado calificador integrado por Juan Gelman, quien se desempeñó como presidente, José Manuel Caballero Bonald, Luis García Montero , Jesús García Sánchez, Benjamín Prado, Julia Escobar , Imma Turbau y Anna María Rodríguez-Arias (secretaria), concedió por mayoría el VII Premio "Casa de América" de Poesía Americana al libro "Papeles de Harek Ayun".

Abierta la plica, su autor resultó ser el escritor chileno Omar Lara . Acerca de su trabajo, el jurado subrayó "su poesía precisa, madura, que indaga en los temas íntimos y colectivos y borra las fronteras entre el sentimiento individual y la realidad colectiva".

El propósito de este premio aspira a estimular la nueva escritura en el ámbito de las Américas, con especial atención a las obras poéticas que abran o exploren perspectivas inéditas y temáticas renovadoras.

En esta edición participaron 319 originales procedentes de toda América. Y en anteriores convocatorias fueron premiados los poetas Oscar Hahn (Chile) en 2006, con En un abrir y cerrar de ojos ; Marco Antonio Campos (México) en 2005, con Viernes en Jerusalén; Edwin Madrid (Ecuador) en 2004, con Mordiendo el frío; Ramón Cote (Colombia) en 2003, con Colección privada; Claudia Masín (Argentina) en 2002, con La vista; y Eduardo Chirinos (Perú) en 2001, con Breve historia de la música.

La entrega del premio será en octubre próximo, en el cual destacará la participación de Omar Lara. El libro, "Papeles de Harek Ayun", será editado por la prestigiosa editorial española Visor.

OMAR LARA
Nota biográfica

Omar Lara, (Nueva Imperial, Chile, 1941). En 1964, siendo estudiante de la Universidad Austral de Valdivia, fundó y dirigió el Grupo Trilce de Poesía y la Revista de Poesía Trilce, publicación que, en su tercera época, se edita actualmente en Concepción, siempre bajo la dirección de Lara.

Además de su obra de creación literaria Omar Lara es traductor del rumano, labor que ejerció a partir de su exilio en Bucarest, entre 1974 y 1981 (exilio que lo llevó antes a Lima y luego a Madrid). Editoriales rumanas, españolas, chilenas y peruanas han publicado varias de sus traducciones y una de ellas, El Ecuador y los polos e Martin Sorescu, mereció el Premio Internacional de Poesía Mística Fernando Rielo, Madrid 1983

Otras distinciones recibidas por el poeta son el Premio Casa de las Américas por su libro Oh buenas maneras (La Habana, 1975), la beca de creación John Guggenheim (1983), la Medalla Mihai Eminescu, que concede el gobierno de Rumania (2001), la Medalla presidencial Centenario Pablo Neruda (2004), El Premio Municipal de Extensión Cultural (Valdivia, 1972), El Premio Municipal de Arte (Concepción, 1992), el Premio Regional de las Artes Literarias Baldomero Lilo (Concepción, 2004). Recientemente, y como director de la Revista Trilce, recibió el Premio de la Sociedad de Escritores de Chile, que conceden los ex presidentes de la entidad.

Ha sido invitado a los más importantes encuentros internacionales de poesía: Tashkent, Macedonia, Rosario, Granada (España), Granada (Nicaragua), Medellín, Gijón, Rótterdam, Cajamarca, Ciudad de México, Villahermosa, entre otros.

Bibliografía mínima: Argumento del día, Los buenos días, El viajero imperfecto, Islas flotantes , Fugar con juego, Memoria, Vida probable, Bienvenidas calles del Perú, Voces de Portocaliu. Su más reciente publicación es La nueva frontera, 2007. También es autor de Historias de Micutza, cuentos para niños.

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Casa de América

Plaza de Cibeles, 2
E-28014 Madrid
+34 91 595 4811

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2007: Verano superlativo de arte en Europa

2007-05-23T16:38:00.000-04:00

Kessel

En junio abre en Europa el verano más interesante en el mundo del arte. La Bienal de Venecia, la Monumenta en París y la Documenta 12 de Kassel serán un imán para millones de visitantes del mundo entero.

Expertos pronostican que el 2007 ingresará en los libros de historia como el año récord del arte. Casi de manera simultánea abren tres exposiciones magnas: la Bienal de Venecia y la Documenta de Kassel y por primera vez, la Monumenta de París. Pese al renombre internacional de Venecia, la Documenta es una muestra considerada sagrada por los conocedores, que llegan cada cinco años a esta apacible ciudad en el centro de Alemania, que fuera cuna de los hermanos Grimm.

Con apenas unas 200 mil almas, Kassel se convierte durante 100 días, del 16 de junio al 23 de septiembre, en capital alemana de la vanguardia contemporánea. Los ojos de la crítica están puestos en el director artístico de la muestra, que cambia en cada edición. El responsable en 2007 es Roger M. Buergel.

El joven y excéntrico berlinés dice tener disciplina prusiana y un refinado gusto vienés. No es de extrañar, vive en Austria y ha levantado polémica por su decisión de incluír en su selección artística a un cocinero: el español Ferrán Adrià. En una entrevista con la revista Playboy, Buergel afirma que con ello se propone demostrar que la cocina es arte y que el arte culinario no sólo puede ser agradable, sino también provocador.
Complejidad culinaria

"La comida no tiene sólo que ver con la satisfacción de una necesidad humana sino también con el placer y la percepción sensorial", afirma Buergel. El mismo Adrià, quien se propone mostrar la complejidad culinaria desde el punto de vista creativo, defiende su presencia en la Documenta 12 señalando que "uno puede pasarse tres días sin ver un cuadro, pero no puede estar sin comer". Las expectativas puestas en el director de la Documenta 12 son altas. Pero Buergel ve la situación con tranquilidad. Afirma que no le da miedo el fracaso, pues éste es algo normal. Y un fracaso sería para él que la muestra no provocara, que no levantara olas ni causara enojo. Que cerrara sus puertas sin dejar huella.

Roger M. Buergel

Mejor provocador que aburrido

Y ya desde antes de la apertura Buergel se entrena en su papel de provocador. Ante un auditorio repleto en Hamburgo el director levantó polémica hace poco explicando el origen de una obra del pintor alemán Gerhard Richter, considerado el pintor vivo mejor cotizado del mundo.

El director de la Documenta proyectó en la pared una imagen en la que se ve a la hija del artista de diez años de edad recostada sobre una mesa y con una extraña rigidez. "Richter fotografió a su hija en una pose similar a la de los terroristas de la RAF (Fracción Armada Roja) muertos en la prisión de Stammheim, que inspiró después la creación de esta pintura", explicó Buergel.

El curador prosiguió señalando que esto demuestra la visión humana y secular del pintor hacia una víctima. Sus palabras provocaron irritación en sus oyentes, pero Buergel consiguió lo que quería que era aumentar la curiosidad en su auditorio.En el 2007 Richter es nuevamente la estrella de la temporada, con obras en la Bienal de Venecia y en la Documenta 12. En Kassel además podrán admirarse unas 480 obras de un centenar de artistas provenientes de todo el mundo. Otra muestra que abre sus puertas cada diez años es esperada con devoción.. "Skulptur-Projekte", en la ciudad de Muenster exhibe, repartidos por toda la ciudad, 37 grandes proyectos de escultura de gran formato.

El Grand Palais

El arte alemán en boga

París no podía quedarse atrás. La Ciudad Luz celebra la apertura de su Monumenta en el Grand Palais. Berlín le sigue. Durante 99 días, la Nueva Galería Nacional mostrará una selección de obras proveniente del Museo Metropolitano de Nueva York (Met), que ha tenido un costo de ocho millones de euros y con la que los organizadores esperan atraer a medio millón de visitantes. El maratón de arte ha contagiado a otras metrópolis como, Hannover, en el norte de Alemania, ciudad que presenta en tres de sus museos la muestra "Made in Germany", con lo más destacado del arte alemán. Los amantes del arte este verano no tendrán respiro.

Eva Usi

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'El jazz nació del dolor del pueblo africano' : Manu Dibango

2007-05-22T14:02:00.000-04:00

Manu Dibango

Cuando se cumplen diez años de la muerte de Fela Kuti, el también saxofonista africano Manu Dibango, considerado como uno de los grandes del jazz, edita un cd-dvd, Lion of Africa , que supone su homenaje al artista fallecido. Fue grabado en directo hace dos años en el Barbican Centre de Londres. Con este motivo, El Cultural ha hablado con el artista, que estos días actúa en el Festival de Jazz de Tánger para acudir después al de Agadir.

Los caprichos de la industria musical hacen que una canción convierta a un artista en poco menos que en un héroe. En el caso de Emmanuel N'Djoke Dibango (Camerún, 1933) -para todos Manu Dibango-, queda claro que su trayectoria profesional hubiera sido radicalmente distinta de no ser por su conocido Soul Makossa, un tema que dio título en 1972 a un álbum homónimo cuyo latido recorrió el mundo entero.

El saxofonista y multiinstrumentista camerunés se hizo un hueco en el norte terráqueo y aprovechó la ocasión. No obstante, las singularidades de la profesión le volvieron a situar en la normalidad musical, hasta que en 1994 edita otro trabajo que tuvo un eco universal, Wakafrica. Aquel registro de este auténtico "león" del jazz africano reunía a otras grandes estrellas, entre ellas, Salif Keita, Papa Wemba, Youssou N' Dour y Angélique Kidjo, por lo que sus renovadas versiones de clásicos como Wimoweh, Biko, Jingo y Pata Pata fueron refrendadas nuevamente por el éxito.

Este último disco, Wakafrica, supuso el reencuentro con un público español que, a partir de entonces, jamás le ha vuelto a dar la espalda. Nacido en la localidad camerunesa de Douala, hijo de padre yabasi y madre douala, ambos de religión protestante, Manu Dibango puso los primeros cimientos de su edificio musical en Marsella, adonde se trasladó a los 15 años para estudiar en un colegio francés.

Poco tiempo después, entró en contacto con la realidad jazzística profesional, actuando junto a artistas como Herbie Hancock y Don Cherry. Paralelamente, su instinto panorámico le sitúa ante todo tipo de aventuras, desde las promovidas por la Fania All Stars a las impulsadas por Bob Marley. Su enraizado soplo africano encuentra acomodo en cualquier estética musical, aunque de manera especial en el jazz y en esa suerte de soul ronco y oscuro que atesora en exclusividad y defiende con uñas y dientes.

En este sentido, la justicia falló a su favor cuando, hace unos años, el camerunés interpuso una demanda por plagio al todopoderoso Michael Jackson, que había tomado "prestado" hasta un minuto de su Soul Makossa para uno de los temas incluidos en el disco Thriller.

Manu Dibango todavía espera confirmación de sus representantes españoles para visitarnos este verano con su último proyecto. Mientras tanto, sus seguidores podrán disfrutar de su música con el lanzamiento esta semana del cd-dvd Lion of Africa (GlobalMix/Resistencia) grabado en directo hace un par de años en el Barbican Centre de Londres con motivo del ciclo "Black President", en clara referencia al padre indiscutible de la música africana moderna, el también saxofonista Fela Kuti, fallecido en 1997, a los 58 años, víctima del sida. Ambos artistas, aunque cada uno a su manera, enarbolan la gran bandera musical de África.

-Como músico y como africano, ¿qué supuso para usted la obra y figura de Fela Kuti?

-Se trata de un hombre que, sencillamente, ha revolucionado la música popular y que tuvo grandes convicciones sociales, humanas y políticas, como todo el mundo sabe: Su sueño de una gran nación africana, la denuncia del colonialismo y la expoliación, la lucha contra la corrupción y los gobiernos dirigidos desde Occidente... Fue un líder para todos los pueblos africanos y para todos los músicos. El que más o el que menos, incluso inconscientemente, sigue tocando hoy su música, que se oye en el continente entero, en bares, hoteles, aeropuertos...

-¿Cree usted que su mensaje para África es más necesario ahora que nunca? Por cierto, ¿cómo ve a su África hoy?

-No creo en los mensajes políticos... En cada generación hay al menos un artista que simboliza ciertas actitudes, como también Bob Marley representó las suyas en su momento. Pero creo que las cosas en la vida están ligadas entre sí, al igual que los continentes están ligados entre ellos. Nos hacemos falta los unos a los otros, aunque exista una dinámica desfavorable, que es la que dictan los dominantes sobre los dominados. Por ejemplo, ha tenido que correr mucha sangre para que yo pueda hacer esta entrevista en francés, como, del mismo modo, corrió mucha sangre para que el pueblo suramericano hablara castellano. Los problemas y los conflictos no sólo ocurren en África, existen muchos más en otros países. ¿Quién fabrica los Kalashnikov [fusil de asalto soviético]? Desde luego, nosotros no somos. Por ello, hay que ser conscientes de que los cambios, para mejorar las cosas, tienen que realizarse a nivel global.

Pregunta trampa

-¿Cree usted que algún día se hará realidad ese sueño de una gran nación africana, que reivindicaba Fela Kuti?

-Efectivamente, se trata de un sueño y no de una utopía. Sí, algún día se crearán los Estados Unidos de África.

-Además de Fela Kuti, ¿qué otros músicos africanos e internacionales admira usted?

-Ésta es una pregunta trampa porque siempre se te olvida algún nombre de alguien que realmente te gusta. En mi caso, y hablando de la generación actual de la música africana, tengo que destacar a Richard Bona. Cuando hablas sobre música africana, siempre salen nombres de cantantes como Salif Keita o Mory Kanté y, sin embargo, nos olvidamos de nombres de músicos que son importantísimos como Lionel Loueke o Etienne. Es igual que si escuchas a Frank Sinatra solo o acompañado de un músico como Charlie Parker o de una poderosa orquesta. Además, la música africana es bastante diferente en El Congo, Senegal y Camerún. Luego, como saxofonistas, he de decir que me encantan Stan Getz y Charlie Parker, aunque artísticamente siempre me fascinó el cantante y pianista de soul de Georgia, ciego desde su infancia, Ray Charles.

-Uno de los saxofonistas europeos más interesantes, Courtney Pine, participó en aquella actuación-homenaje a Fela Kuti que usted ahora publica en este cd/dvd titulado Lion of Africa.

-Justamente la semana pasada estuve con él en Londres, en el Ronnie Scott [uno de los clubes más famosos de la geografía nocturna del jazz], donde recibí uno de los galardones que este club concede anualmente. También premiaron a otros artistas como Wynton Marsalis, Jane Monheit, Van Morrison y Tony Bennett, al que le reconocieron su labor por toda una vida entregada al jazz. Luego, improvisamos juntos unas piezas y al final, acabaron subiendo al escenario también artistas locales como el trompetista Guy Barker. Sinceramente, Courtney Pine es fabuloso, me encanta tocar con él.

Más allá del dolor

-El año pasado le pudimos ver en la celebración del 15º Aniversario de Pirineos Sur, uno de sus festivales favoritos, ¿no?

-Fue la cuarta o la quinta vez que iba al festival y siempre es maravilloso ver la conexión que hay entre nosotros, los músicos, y los espectadores, que verdaderamente se entregan en cada concierto y disfrutan con él. Del paisaje que rodea al festival, ni te cuento... Es absolutamente impresionante.

-Otro artista que participó en ese aniversario de Pirineos Sur fue el pianista Randy Weston, que defiende la africanidad como primera esencia del jazz.

-Evidentemente, es así. El jazz es una música que nació del dolor del pueblo africano, aunque desde luego, también se compone de otros elementos. Bueno, empezando por los mismos instrumentos, que desde luego, no son africanos. No obstante, detrás de cualquier dolor, siempre hay algo bello, que acaba floreciendo... En este caso concreto, del dolor nació el jazz.

-De todas sus visitas a nuestro país, ¿se ha fijado en algún artista en concreto?

-Desgraciadamente no conozco a muchos músicos españoles, ya que uno apenas tiene tiempo para investigar, comprar, escuchar... Asimismo, tengo que reconocer que a París no llega mucho jazz español y, bueno, sí, claro, al único que conocía es a Tete Montoliu y, ¡ah, claro...!, a Paco de Lucía.

-Usted vive en París, al igual que muchos músicos africanos que habitan fuera de sus lugares de origen. Musicalmente, ¿resulta muy complicado?

-La industria no está bien estructurada y es muy poco eficaz. Además, tenemos el problema de la piratería y los derechos de autor, que no funcionan. Sin embargo, he de decir que no es la gran mayoría la que viene a Occidente a vivir. Por poner sólo un ejemplo, el hijo de Fela Kuti, Femi Kuti, o Youssou N'Dour viven en África, o Alí Farka Toure, que hasta su muerte quiso vivir en Malí. En mi caso, llegué a Francia cuando cumplí los 15 años, después de la guerra, y desde entonces, llevo viviendo aquí. De todos modos, hay que diferenciar a los que llegaron antes de la colonización y los que llegaron después.

-¿Qué proyectos le aguardan? ¿Alguno de ellos tiene algún destino español?

.
-Para este año tengo ya cerradas muchas giras, aunque en España, de momento, no tengo nada fijado, ni acordado... Esta semana voy al Festival de Jazz de Tánger y después al de Agadir. Luego actuaré en Bélgica y en otras ciudades europeas para rematar precisamente, en el Barbican Centre de Londres. Yo siempre digo que el músico se parece bastante a un taxi: cuanto menos tiempo pase en el garaje, mucho mejor (risas).

-Esta semana nuestro suplemento dedica especial atención al cine africano. Usted cuenta con varias bandas sonoras, pero ¿qué relación mantiene en estos momentos con el cine africano?-Este año he sido el Presidente de Honor de la 20ª edición del Festival Panafricain du Cinéma et de la Télévision de Uagadugu, en Burkina Fasso. Tengo que decir que sigo bastante el cine africano. Además, he realizado varias bandas sonoras de películas, quizás la más conocida en España sea la de la Cómo hacer amor con un negro sin cansarse. Ahora acabo de grabar la banda sonora de una película infantil llamada Kirikou et les bêtes sauvages, que ha tenido un gran éxito en Francia. En este sentido, creo que hay dos países en los que realmente se puede hablar de una mínima industria del cine africano, Burkina Fasso y Senegal. No obstante, en general, nuestro continente goza de bastantes talentos que han contribuido a la cultura cinematográfica del mundo.

Pablo SANZ
el cultural/ Madrid

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Otros rugidos del jazz africano

El año pasado fallecía en su domicilio el guitarrista maliense Alí Farka Toure, el último baluarte del blues africano. El maliense, lo comenta Manu Dibango en estas mismas páginas en su entrevista, nunca abandonó un hogar que, al final de sus días, lo había convertido en granja de cerca de trescientas cincuenta hectáreas y estudio de grabación. No quería que ningún occidental le metiera mano a su huerta, ni tampoco a su música. En cualquier caso, ya sea con un pie dentro y otro fuera de casa, todos los grandes monarcas del jazz africano apuestan por la salvaguarda de las respectivas esencias musicales del continente negro, en una evidente lucha contra el expolio y lo trivial.

A esa causa, se suman otros nombres ilustres como el pianista surafricano Abdulahh Ibrahim y sus paisanos, el trompetista Hugh Masekela y el baterista Louis Moholo. Además de los mencionados, Fela Kuti y Youssou N'Dour, el laudista tunecino Anouar Brahim, el maestro maliense de la kora Toumani Diabaté, el bajista camerunés Richard Bona y el también pianista norteamericano Randy Weston, cuyas alianzas con las cofradías gnauas, herederas de la cultura negra subsahariana, hoy protagonizan uno de los discursos musicales más influyentes del momento.

Y todo esto sin contar con un numeroso grupo de artistas que, sin hacer explícitamente jazz, aportan a su canción numerosos elementos de caracter jazzístico. Es el caso, entre ellos, de Lokua Kanza, original de Bukavo, Touré Kunda, Ismaël Lô, Geoffrey Orema, Cheikh Lô y tantos otros que en la actualidad recogen los legados que un día consiguieron iluminar líderes panafricanos como el Fela Kuti, creador del género "afrobeat".

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Qué es ser un escritor caribeño?

2007-03-04T20:40:00.000-04:00

Mayra Montero

Entrevista con Mayra Montero

por Rogelio Riverón

Mayra Montero ejerce la literatura desde una cercanía engañosa, sutil, y, en última instancia, marcada por una ironía de ribetes tristes. Le pertenecen varios libros de cuento y novela, entre los que destacan Veintitrés y una tortuga, La trenza de la hermosa luna, Púrpura profundo, La última noche que pasé contigo, Como un mensajero tuyo y El capitán de los dormidos. Los tres últimos han sido publicados en Cuba por Letras Cubanas.

Supongo que a una parte de la crítica le resulte cómodo hablar de Mayra Montero como de una escritora caribeña, en oposición, claro, a conceptos más compactos, como pueden ser la literatura cubana o la puertorriqueña. Yo tampoco negaría que hay, sobre todo en tus novelas, una especie de visión desde las islas que les insufla una forma particular de movimiento. Pero, ¿qué significa, de cualquier modo, ser un escritor caribeño, teniendo en cuenta, por ejemplo, la advertencia de Alejo Carpentier de que no hay en todo el Caribe una isla igual a otra?

MM―No creo que sea que a la crítica la resulte más cómodo hablar de escritora caribeña, sino que realmente esa es la frase que mejor me define. Desde el punto de vista literario, soy un producto bastante sincrético. Nací en La Habana, tengo raíces cubanas y una formación eminentemente cubana. Pero resulta que a los 19 años llegué a Puerto Rico; toda mi labor literaria y periodística la he desarrollado aquí, tengo fuertes vínculos con la cultura puertorriqueña y un compromiso claro con todo lo que sucede en la isla. Llevo 32 años viviendo en San Juan; no es lo mismo emigrar a Miami, o a Madrid, o a Nueva York. En Puerto Rico, aun los cubanos más recalcitrantes —recalcitrantes en el aspecto de su acento y sus raíces— terminan por aplatanarse. Es una situación muy curiosa: Puerto Rico, que es un Estado Libre Asociado, y se supone que en cierta forma esté tan vinculado a Estados Unidos, tiene una personalidad fuerte, que termina por absorbernos.

No es gratuito ni forzado que algunas personas nacidas en otras islas, República Dominicana o Cuba, pero que hemos vivido muchos años aquí, al final nos identifiquemos como puertorriqueños. Es una nación fuerte, y eso explica que no haya sido anexada a Estados Unidos, ni lo será jamás. Podría parafrasear la afirmación de Carpentier: es cierto, no hay en todo el Caribe una isla igual a otra, pero tampoco hay una que sea totalmente diferente a las demás. Y respecto a lo que significa ser escritor caribeño, pues eso: esta mezcla que es una unidad. Nací en Cuba, vivo en Puerto Rico, siento muchas veces como puertorriqueña, pero escribo de Haití, tres de mis ocho novelas están ambientadas en Gonaives o Port au Prince. Quizá una novela tan paródica y humorística como La última noche que pasé contigo sea un compendio de todo eso. Ese viaje por el Caribe es, en cierto sentido, mi propio viaje de reconocimiento, muy disfrazado, es cierto. Pero ahí están las claves.

¿Cuál ha sido, de cualquier forma, tu relación con la literatura cubana?

MM―Mi relación con la literatura cubana ha sido muy fragmentada y ha estado muy condicionada a los vaivenes políticos. Mientras vivía en Cuba, leía todo lo que me caía en las manos. Luego, cuando salí, durante muchos años estuve alejada de lo que se producía en la isla. No tenía apenas contactos con nadie, ni siquiera con la familia. En la década de 1980 las cosas empezaron a suavizarse, volví varias veces, y a través de Luis Rogelio Nogueras establecí vínculos con otros escritores. Pero realmente yo no me sentía incluida dentro de la literatura cubana, aparte de que, por aquella época, yo había escrito muy poco, me dedicaba totalmente al periodismo y solo había publicado un libro de cuentos.

Creo que, de hecho, he estado siempre más vinculada a la literatura puertorriqueña.

Pudiéramos pensar que una novelista de éxito no necesita hacer otra cosa que redactar ficciones. ¿Por qué sigues escribiendo en los periódicos?

MM―Yo creo que precisamente mientras más éxito tiene un escritor con sus ficciones, más le ayuda el periodismo a mantener los pies en la tierra, y el oído en tierra. No concibo mi vida sin escribir en los periódicos, y últimamente un amigo me comentaba, en broma, que la columnista que también soy estaba a punto de canibalizar a la escritora, pero no por mi producción —yo escribo lo mismo, acabo de terminar otra novela, titulada Almendra—, lo dice porque, actualmente, mi columna en El Nuevo Día tiene una gran popularidad y es muy comentada. Un gran número de personas que jamás han leído un solo libro mío, me conocen por esos escritos dominicales. Trato de que esa columna, donde comento todo tipo de temas, sea siempre transgresora, irreverente, contestataria. Me encanta escribirla, y en este país nunca carezco de un buen tema. Por otro lado, me gusta de vez en cuando escribir un buen reportaje, hacer una buena entrevista. Yo empecé, en 1973, precisamente en El Nuevo Día, escribiendo sobre béisbol. Después trabajé en revistas de farándula, y luego estuve muchos años en el periódico El Mundo. He escrito de todo, hasta obituarios: nada en los periódicos me es ajeno.

¿Cómo reaccionarías a la mención de un nombre: Severo Sarduy?

MM―Severo Sarduy es, en primer lugar, un gran escritor en las dos vertientes: narrador y poeta. No sé si será un sacrilegio decirlo, pero yo disfruto incluso mucho más la poesía de Sarduy. He memorizado algunos poemas suyos, me parece tan profundo y tan suave... Fue él quien me abrió las puertas de la editorial Gallimard, en Francia. A pesar de que mis libros habían sido ya recomendados por la puertorriqueña Carmen Teresita Vázquez, muy vinculada, por cierto, a Carpentier, no fue sino hasta que llegó Sarduy que mis libros pasaron a formar parte del catálogo de la editorial francesa. Nos cruzamos algunas cartas, ya cuando Severo estaba muy enfermo, pero yo no lo sabía. Por esa época le envié de regalo una bandera típica de la religión vudú, de esas que están bordadas con lentejuelas y tienen símbolos de alguna deidad. Él me decía que la tenía frente a la cama, y la miraba mucho. Cuando murió, le pedí una misa en la iglesia del Espíritu Santo, muy cerca de mi casa, en San Juan. No le avisé a nadie, solo a una crítica literaria, Carmen Dolores Hernández, mujer que además de excelente amiga es muy religiosa, y acudió encantada a la misa.

Probablemente cuando el cura se refirió al alma de Severo Sarduy, solo ella y yo en aquel templo, lleno de viejitos que oraban por otros muertos, sabíamos de quién se trataba, y a qué clase de alma, llena de fantasía e ingenio, se estaba refiriendo.

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Lea el Cuento de Mayra Montero:

• DORSO DE DIAMANTE

Entrevista aparecida en la antología de cuentos Conversación con el búfalo blanco de la Editorial Letras Cubanas con edición y corrección de Rogelio Riverón.
Tomado de La Jiribilla

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REFLEXIONES SOBRE LA OBRA DEL ESCRITOR DOMINICANO JOSÉ MÁRMOL

2007-02-20T16:27:00.000-04:00

José Mármol

Santo Domingo, Rep. Dom.
POR PLINIO CHAHÍN

Toda obra que se funda en el rigor del lenguaje supone una ética de la escritura. Lo que podría ser resumido más o menos de este modo: escribir, aún en los momentos de rapto, es menos la consecuencia de un don que la continua crítica y hasta la negación de ese don. En realidad, el acto de escribir nace de una opción.

Dejemos de lado las preguntas que apenas tienen respuestas o no tienen ninguna: ¿Por qué en vez de escribir, no vivimos?, ¿por qué no estar en el mundo en vez de reducirlo a palabras? Las que conciernen de verdad a un escritor son otras: ¿cómo escribir lo vivido y lo que es el mundo? La pregunta se hace más problemática en los que se proponen escribir la vida a través de sus formas espirituales y simbólicas.

José Mármol es uno de estos escritores. En su libro Deus ex Machina del año 1994, (con el que recibiera varios galardones nacionales e internacionales, y que fuera publicado con el título "Deus ex Machina y otros poemas" en la colección Visor, Madrid, 2001), el poeta potencializa al máximo su imaginario poético. Ya en su primer libro, "El ojo del arúspice", publicado en el año 1984, José Mármol nos da la clave del mundo en que se originaría el desarrollo de su pensamiento poético.

La matemática verbal, que es también proporción sintáctica, la sobriedad, el don de hacer de lo imaginario una relación justa y hasta una “investigación” del universo no son los únicos hallazgos de este poeta. La verdad, y pertenece a la última etapa de Mármol, en su ya dilatada obra, Deus ex Machina podría ocupar un lugar preponderante. Nos estamos refiriendo a una de las técnicas más características de este libro: el “monólogo dramático”.

Figurar un personaje y darle una voz, hacer que él mismo narre su historia ya sea como protagonista o como testigo: desde Browning, pasando por Pound y Eliot, hasta el más reciente Borges, ya sabemos que en ello reside lo esencial de este recurso. Sin duda, un desdoblamiento (en todo hombre hay un espectador y un autor”, se dice en Aurelia); se trata al mismo tiempo de una fabulación. Creo que José Mármol quizás es uno de los primeros en introducir este recurso, de manera sistemática, en la poesía dominicana. Es lo que hace que estos poemas en prosa, a veces tan fijos en su composición, tan “congelados”, se vean animados por el imprescindible desarrollo de lo imaginario.

El lenguaje en José Mármol, no sólo su rigor o su precisión es lo que cuenta; lo que quizá más cuenta es el hecho de mostrarse como lenguaje. Con él, y no es poco el hallazgo, la lengua recobra sus poderes: sin caer en la transgresión, renovar continuamente la piel del lenguaje para así articular una nueva experiencia del mundo. La riqueza verbal de este poeta es ciertamente un universo sórdido. Pero esa riqueza no reside en la abundancia léxica, en la voracidad sustitutiva, o no reside sólo en ellas. La preside un ideal de equilibrio: la intensidad que se vuelve proporción; fórmulas concisas, aun incisivas; el ascetismo pero nunca la desmesura, mucho menos el abuso retórico.

La retórica, en José Mármol, es madurez y contraste: “La palabra hace fiestas y orna premoniciones. Escribo, serenamente, como quien abdica a un don apetecido, y a pesar de goce hondo se lastima, prosigue un hábito insufrible hasta emerger la sangre (satisfecha). Mi escritura camina hacia el cuerpo que no soy, y sin embargo sufro culpable de sus huellas... La palabra reencarna como el amor más terco. La palabra trashuma entre infiernos y rebaños”, escribió en la página 53. Parece curioso que este ideal surja en seres escépticos y muy marcados por el sentido o la obsesión de la muerte. Sólo que en él encarna esa pasión de absoluto, ese intento por abolir el tiempo que justamente trabaja a los escépticos.

Es cierto que los poemas de José Mármol buscan con frecuencia el hallazgo verbal, el asombro: “La sangre huele a fiestas y ademanes sensuales” (p.19), “Estoy, pero tu cuerpo es mi presencia furtiva” (p. 25), “El mar se domestica cuando enciende la tarde y en su respiración la quietud sospecha monstruos”(p.81). Pero si para él es asombrar, no se trata de exhibir una originalidad sino de rescatar lo original: evocar a través del lenguaje la intensidad y la magia con que vivimos (y diariamente gastamos) nuestra primera relación con el mundo. Insisto lo original, no la originalidad.

Por ello las imágenes en estos textos nunca se extravían en la extravagancia; su misterio no excluye la exactitud de la formulación verbal. El que tienda a la sensorialidad más que a la abstracción les confiere un carácter no menos intenso: hacer del mundo un signo mental que nos devuelva un ritmo. Son imágenes que buscan no tanto describir o realzar la “physis” del objeto como modularla en un espacio a la vez real y virtual. En un poema de la página 25, Mármol habla de la epifanía del deseo.

Sin recurrir a juegos verbales o malabarismos expresivos, logra crear igualmente la maravilla y la desarticulación de un sentimiento cósmico. Sin recurrir tampoco a la interrogación del arte y la naturaleza: “La palabra me piensa, me abraza, me consume. Hace fiestas, exorcismo de formas, colores y sonidos... La palabra es el tiempo, es el hombre, el culto a lo vencido, lo táctil, lo insondable. La palabra es mi antorcha, mi destino, mi pecado” (p. 54).

Es obvio que esta obra se nutre de un conocimiento erudito. Sólo que no es el simple resultado de él. José Mármol sabe desdibujar y concentrar, sincretizar: por ello su lenguaje tiene la ambivalencia de lo inédito. No hace arqueología poética ni se deleita en elaboraciones preciosistas. Sería un error creer que sus poemas son “estampas o cuadros estéticos descriptivos”. José Mármol ni siquiera crea: traspone. El poema no es sino para él un campo de “indagación ontológica“. El santo, dios, el poeta, el amor, el deseo, la soledad, la mujer y el antihéroe son sus grandes paradigmas, como en Baudelaire.

Metamorfosis de la historia y de los textos; hay otra no menos importante en José Mármol: metaformosis del Yo. En sus poemas, con insistencia que desborda cualquier requerimiento gramatical, parece un yo enunciativo muy marcado. Nada tiene que ver con un supuesto egotismo; son hablantes autónomos, con su propio carácter, creados y propuestos por el autor.

Son, como hoy se dice, máscaras o personas poéticas. ¿No había señalado ya Nietzsche que la “subjetividad” del poeta lírico, dentro de la estética moderna, era “ficción”? José Mármol, en efecto, no mitologiza su yo personal, idealizándolo, potenciándolo, sino que se desdobla en innumerables yo. Alteridad y aun antagonismo del yo, no su sacralización biográfica. José Mármol no traza un itinerario psicológico sino simbólico; sencillamente visiona vidas imaginarias. En otras palabras, ejerce ese don que, según Baudelaire, tiene el poeta de entrar, a su antojo, en el personaje de cada cual y representar su destino.

Estos textos encarnan, no simplemente ilustran, un debate ontológico. Es quizá lo que Mármol quiere sugerir con el título de Deus ex Machina. La visión que Mármol despliega no es expansiva ni horizontal (puramente histórica); es una visión en profundidad: confrontación directa, sin mediación, con lo esencial, con lo que de alguna manera ha sido inesencial en la historia, sobre todo en nuestra historia contemporánea. Esa visión explora lo más cotidiano del hombre: las cosas que lo rodean y su propia existencia, es decir, las simples experiencias de la vida. Pero lo cotidiano, sin dejar de serlo, es igualmente original, primordial.

En una obra tan atormentada como la de José Mármol, la utopía de la inocencia y de la reconciliación no es nada raro, y hasta puede ser previsible: funciona como el pasaje de la realidad al deseo, como la proporción entre el medio y el fin, como ese punto (¿alquímico?) en que todos los contrarios se fusionan y resuelven en una unidad mayor.

José Mármol: Escritor y poeta dominicano
Plinio Chaín: Poeta y escritor dominicano

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